Tutto è iniziato con un incontro. Di quelli casuali, che senza alcun preavviso lasciano un segno indelebile tra i ricordi più belli.
Martina Padovan, nostra fotografa in numerose storie, quel giorno era alla ricerca di scatti memorabili all’Arsenale Vintage Market di Verona. Il contesto perfetto per immortalare pezzi unici. Ma non solo. Proprio qui, tra stoffe e vestiti, è comparso Leonardo Chiti: un uomo dalla spiccata provenienza toscana e con un’innegabile dedizione per i tessuti. Lo scambio di idee e di passioni è stato così naturale da durare nel tempo, anche con il seguente arrivo di Marta Pesamosca al fianco di Leonardo e mille progetti sempre in divenire.

Questa è la storia che vi voglio raccontare oggi: quella di due persone che hanno unito ideali e passioni per dare vita a un luogo unico in Italia e nel suo genere. Ma non ancora per molto, perché Ambasceria Cult può essere ovunque lo si voglia avere, un’esperienza da diffondere in ogni città. Basta la voglia di conoscerla, viverla e – perché no – farla rinascere dove c’è “casa”.

Per varcare finalmente la soglia della nuova creazione di Leonardo e Marta, Martina è arrivata a Trieste. È strano sentirsi così agitata in una terra che anche per lei ha il profumo di casa. Eppure l’idea di entrare in uno spazio in cui ritrovare i due amici in tutto quello che la circondava, la faceva essere letteralmente su di giri. Lui studioso e cultore dei tessuti storici e vintage, lei architetto atipico influenzato dai più svariati stimoli culturali. Facile capire il perché Martina non vedesse l’ora di scoprire cosa c’era dietro quella porta.

Partiamo dall’inizio, per chi ancora non vi conosce. Chi è Marta Pesamosca e chi è Leonardo Chiti?

Marta: «Nasco come architetto, con emisfero destro e sinistro del cervello che rimbalzano continuamente. Se devo essere sincera, ho sempre privilegiato la parte creativa. La creatività è una cosa che trovo interessante perché è molto intuitiva e credo che in generale, anche nella vita di tutti i giorni e nei più svariati contesti, ci sia bisogno di intuizione. La mia intuizione più riuscita, probabilmente, è stata lasciarmi attrarre dalle passioni che mi muovono, ed ecco Ambasceria Cult. Non so esattamente chi lo diceva, ma quando fai quello che ti piace come lavoro non lavorerai un minuto nella tua vita».

Leonardo: «Sono un figlio del vintage e della cultura dei tessuti, se così posso definirmi. Vengo da una famiglia in cui i tessuti sono una lunga tradizione: mia nonna era ricamatrice fiorentina, mio nonno ha sempre lavorato in mezzo – come si dice dalle mie parti – ai “cenci”, quindi in mezzo ai tessuti, agli stracci. Ma anche il padre di Marta era artigiano, infatti entrambi abbiamo una certa sensibilità verso la creazione artigianale e all’arte. Ci sentiamo accomunati da una parola cara a entrambi, “memoria condivisa”, che era parte di noi ancora prima di conoscerci e che è rimasta anche dopo, come coppia di vita e di creatività. È proprio da questo concetto che ha preso vita Ambasceria Cult».

Come definireste Ambasceria Cult ?

Marta: «Difficile dirlo in modo univoco, ma una delle parole chiave di Ambasceria Cult è creatività assieme a convivialità, emozione, esperienze, eccellenze. Ambasceria Cult è un continuo work in progress, un progetto che è essenzialmente legato alla ricerca. Ogni incontro determina un punto nuovo, una nuova sinergia, potenziali nuove visioni. Per questo vorremmo che Ambasceria Cult diventasse sempre più un punto di attrazione per l’incontro tra persone, un luogo in cui si possa scegliere un regalo, approfondire un tema attraverso le opere di un artista, la creatività e la memoria».

Questa realtà è davvero unica e preziosa e lo si capisce subito varcata la soglia. Sembra di essere in un luogo di ritrovo per molti pezzi unici.

Marta: «Anassagora diceva “L’uomo pensa perché ha le mani” e sicuramente questo spiega molto anche di noi. In tutto quello che c’è qui e che ora ti sta trasmettendo qualcosa ci sono state delle mani. E questo, inevitabilmente, produrrà dei ricordi. Noi siamo molto affascinati da tutto ciò che è legato al ricordo, ecco perché ci piace parlare di quella memoria condivisa che prima Leonardo citava. Ambasceria Cult lavora proprio su come avviene questa condivisione, come si crea il rapporto tra l’interazione e la possibilità di conoscere anche l’artista o il designer stesso di quello che vedi. Qui non si acquistano semplici prodotti, ma si ha l’opportunità di scoprire, ad esempio, il luogo e il processo creativo che ha portato a realizzare quel pezzo unico.

Tutto ciò che è in Ambasceria o è un pezzo unico o è in serie limitata e ordinabile solo in forma tailor made. Torniamo un po’ alla vecchia maniera, ma il valore si raddoppia nella misura in cui, oltre ad avere una creazione, ti porti a casa anche la storia della persona e del processo creativo che sta dietro. Porti con te non solo la storia artigianale di quel pezzo, ma anche il contatto con chi l’ha pensato e realizzato».

Eppure questo non è uno spazio espositivo. Il clima è quello di un piccolo salotto, non di un qualsiasi negozio. Una bella novità per chi entra.

Leonardo: «Senz’altro chi entra ha bisogno del suo tempo per orientarsi. Noi lavoriamo molto anche su una dimensione in cui la memoria ha molto a che fare con l’intimità, se no sarebbe semplice storia.
Il nostro è un atelier per “viaggiatori” di pensiero e nell’anima. Qui trova casa chi è alla ricerca del valore, della creatività e della genuinità di un posto. Trieste in questo ci aiuta. È una città che accoglie non il classico turista, ma il viaggiatore.

Noi, poi, ci mettiamo ovviamente del nostro. Nel centro dell’atelier non può mancare il nostro tavolo, un cimelio che ci portiamo dagli albori del progetto. Non è però un oggetto affettivo, ma un elemento simbolico davvero importante: il tavolo è da sempre simbolo di condivisione e la leggenda di Re Artù insegna ancora oggi che mettersi attorno a una tavola rotonda abbassa tutte le difese, ci rende uguali».

C’è un punto di inizio in questa favola? Da dove arriva l’idea iniziale di questo progetto?

Marta: «La bellezza della vita è poter trovare nuove ispirazioni ogni giorno, anche quando sei sicuro della strada che percorri. Non a caso il nostro motto è ormai diventato “felici scoperte per puro caso”.
Prima di arrivare a questo risultato abbiamo vissuto a lungo, dobbiamo dire, su binari paralleli. Ora sembra invece che siamo riusciti finalmente ad affiancarli. Anzi, a creare un binario un po’ più grosso, un contenitore.

Questa storia inizia a Verona con Deuda Concept Haus, un progetto di open housing in una meravigliosa casa in stile storicismo nel centro storico. Attorno a un tavolo succedevano cose meravigliose forse impossibili in altri contesti. La creatività, l’arte, la memoria, il patrimonio che circondava noi e gli altri artisti hanno fatto in modo che le persone si incontrassero e si creasse una profonda interazione. L’Italia, d’altronde, è l’ambasciatrice per eccellenza di questo approccio, cioè il saper condividere e valorizzare la creatività. È così che questo confronto con creativi di diversi settori ci ha dato degli input, che hanno poi finalmente preso forma in Ambasceria Cult».

Da Verona a Trieste, quindi. Cosa c’è dietro a tutti questi chilometri di distanza?

Leonardo: «Marta è triestina, quindi in realtà lei ha ritrovato un po’ “casa”. Ricordava una Trieste vecchia e comunque diversa, invece sono cambiate tante cose: da città di chiusura alla fine del comunismo è diventata città di apertura. Così da qualche weekend trascorso nei dintorni per trovare la famiglia di Marta siamo passati a considerare questa città come il giusto contesto in cui cominciare il nostro nuovo progetto. Oggi Trieste è la porta sull’Oriente, con un approccio totalmente diverso verso il mondo e anche da parte dell’Europa verso Trieste.

Inutile dire poi che questa città racchiude un tesoro nella sua memoria: da qui sono passati grandissimi geni come James Joyce, Umberto Saba, Italo Svevo. Trieste è in Italia, ma allo stesso tempo ha un profumo internazionale. E non poteva esserci casa migliore per Ambasceria Cult, che ha bisogno di respirare libertà e di guardare lontano».

Eppure non escludete che Ambasceria Cult possa anche essere in altri luoghi, in altre città. Il nome già suggerisce che ci siano degli ambasciatori. Chi sono queste persone?

Marta: «L’ambasciatore è il nostro tramite in una città. Finora abbiamo delle adesioni a Verona, Vicenza, Firenze, Siena, Pistoia. Abbiamo iniziato dai luoghi che chiamiamo “casa”, ma auspichiamo che ci siano ancora molte persone che vogliano abbracciare questo progetto per crearlo nel loro territorio, valorizzando le eccellenze del posto. Ambasceria Cult per definizione vorrebbe essere un moltiplicatore di creatività, quindi stiamo cercando di studiare i ranghi per gestire questa moltiplicazione.

Non sappiamo bene come si svilupperà Ambasceria, in ogni luogo sarà un atelier e un’esperienza unici perché noi offriamo un’idea, ma diamo la libertà a chi vuole accoglierla di metterci del suo. In un periodo in cui tutti chiudono, noi apriamo».

Il vostro concetto di attività va totalmente contro il mercato. Non volete convincere, volete solo accogliere: nuovi ambasciatori ma anche i vostri visitatori.

Leonardo: «Ad Ambasceria Cult non entra chi non ha questa nostra stessa sensibilità e non ci interessa che entrino. Per questo abbiamo un pubblico di persone realmente interessate e fortemente fidelizzate. La nostra, alla fine, è una comunità. Non esiste il cliente che entra, compra qualcosa ed esce senza innamorarsi. Chi vive l’esperienza di Ambasceria Cult e dei suoi prodotti ritorna per riviverlo ancora molte volte, sempre in modo diverso. La maggior parte delle nostre esperienze è stata di persone contente, che ci dicevano “ma io non pensavo che fosse così”. Amicizie che restano, persone che si scambiano i numeri, che la volta dopo ritornano con altri amici. Ecco che scatta il moltiplicatore, che non sappiamo cosa sia, ma succede.

Per Ambasceria Cult il ciclo è contrario rispetto agli altri negozi: di solito si mettono le emozioni in vetrina per attirare verso il prodotto, noi mettiamo articoli quotidiani che rimandano all’arte e alla creatività per far poi scoprire alle persone una realtà che è molto più grande di quello che potevano immaginare».

Per allargare questa grande famiglia vi siete buttati anche online. Anche questa volta siete riusciti a conciliare la vostra identità con un mondo che corre in un’altra direzione.

Marta: «In tutto quello che si trova da Ambasceria Cult ci sono state delle mani, che hanno però bisogno di un acceleratore. Crediamo che in questo senso l’innovazione e la tecnologia possano essere un volano. Abbiamo quindi cercato di trasporre Ambasceria Cult offrendo le esperienze che puoi trovare nel nostro negozio. Il nostro oggi è un e-commerce delle esperienze, dove si può comprare l’esperienza insieme al prodotto. Un e-commerce che si propone in realtà anche come piattaforma per diverse nicchie. Se c’è il lavoratore di ceramica che nel suo ambiente conosce gente interessata alla ceramica e vuole sfruttare la nostra piattaforma per diffondere questa esperienza, perché no. Quindi è un incontro di nicchie in un solo luogo digitale e da qui, unendo le forze, la storia di Ambasceria Cult acquisisce un lato anche commerciale».

Leonardo: «È comunque stato difficile legare il nostro schema di valori a questioni puramente pratiche e di mercato. Non volevamo perdere quello che siamo pur confrontandoci con linguaggi che per forza di cose dovevamo utilizzare.
Uno dei temi più spigolosi che abbiamo dovuto affrontare tra di noi, ma anche con gli artisti, ad esempio, è stato quello del merchandising d’autore. L’artista ha un processo molto lungo e intimo con l’opera, che non ha nulla di commerciale. Però si può fidare di chi è in grado di gestire il ponte tra arte e mercato con rispetto. “Un ponte si crea quando le due sponde si amano”, dicevano. Così abbiamo capito che nella gestione degli aspetti commerciali si può fare la differenza: in questo modo abbiamo avvicinato molti artisti e speriamo che la piattaforma, come l’intero progetto di Ambasceria Cult, sia solo all’inizio della sua conquista».

Articolo: Martina Vanzo  Shooting fotografico: Martina Padovan 

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È una classica domenica di pioggia londinese, le gocce sottili che cadono a intermittenza, il cielo grigio e l’aria fin troppo fresca non sono in grado di fermare i tanti ciclisti che sfrecciano per le vie della capitale inglese. Varcata la soglia, tenuta spalancata da un fermaporta di fortuna, si nasconde un negozio altrettanto piccolo in cui ogni centimetro di spazio è occupato da ruote, raggi, telai di biciclette, manubri, cappelli e guantini, borracce, pezzi di ricambio di qualsiasi design e colore da assemblare tra loro per crearne una bicicletta completamente personalizzata, o attraverso cui dare nuova vita a una bici vecchia o guasta.

Sul retro del negozio, un cortile interno dove sono schierate in perfetto ordine altre biciclette e un paio di piccole cabine coperte in cui sono appesi zaini, magliette brandizzate con la scritta “BLB”, merchandising e altri accessori dedicati agli appassionati del ciclismo e in generale dello sport.

Questo negozio con ciclofficina è diventato un punto di riferimento non solo per i ciclisti locali, ma per gli amanti delle due ruote di tutta Europa.

Questo negozio con ciclofficina, aperto nel 2006 tra le strade di East London, a nord del Tamigi, da un ex corriere che consegnava pacchi in bicicletta, è diventato un punto di riferimento non solo per i ciclisti locali, ma per gli amanti delle due ruote di tutta Europa e oltre che, passando di lì, sanno troveranno qui pezzi di ricambio molto difficili da reperire altrove e un know-how riconosciuto.

A fondarla sono stati Feya Buchwald e Jan Milewski. Jan, oltre a spostarsi per lavoro e per piacere sulle due ruote, aveva una passione per la meccanica e le riparazioni: resosi conto di come stesse rapidamente evolvendo la scena del ciclismo londinese, capì che il terreno era abbastanza fertile per mettersi in proprio. La cultura delle due ruote, rispetto ad altri Paesi del Nord Europa, non era qui altrettanto sviluppata, ma negli ultimi anni, racconta Peter Flett, managing director di BLB, la bicicletta è diventata il mezzo di trasporto preferito dei londinesi, complice l’attenzione crescente per la sostenibilità, l’introduzione del bike sharing e dei noleggi, il traffico e, non ultimo, il costo dei trasporti pubblici. E oggi, con la recente introduzione di una Ultra Low Emission Zone, attiva da pochi giorni, sempre più persone saranno costrette a scegliere questo mezzo per spostarsi: ecco perché la città sta investendo nella progettazione e costruzione di piste ciclabili.

E se quando Brick Lane Bikes sorse a metà degli anni Duemila la zona di Shoreditch non era ancora stata “gentrificata” come è poi accaduto in seguito e portava ancora i segni di povertà e delinquenza del secolo precedente, oggi è una delle zone di riferimento del mondo hipster – se ancora così si possono chiamare – dei creativi e degli amanti della bici a scatto fisso.

Jan e Feya di Brick Lane Bikes ci hanno visto lungo: i due sono passati in breve tempo dall’occupare un piccolo spazio all’interno del mercato di Brick Lane, dove vendevano componenti di seconda mano, al negozio di oggi, al centro della scena.

Jan e Feya ci hanno visto lungo: i due sono passati in breve tempo dall’occupare un piccolo spazio all’interno del mercato di Brick Lane, dove vendevano componenti di seconda mano, al negozio di oggi, al centro della scena. Già all’epoca l’idea era quella di permettere ai clienti non solo di ricevere assistenza e customizzare la propria bici, ma anche di farsene creare una su misura, con costi più contenuti rispetto a rivenditori monomarca e la sicurezza di ottenere un prodotto quasi unico, nato dalla combinazione di pezzi di produttori diversi per interpretare i desideri e la personalità del singolo cliente.

Feya e Jan, volendo emanciparsi dal mercato mainstream, da subito sono andati alla ricerca di brand piccoli e indipendenti da importare a Londra. In caso i componenti necessari non fossero disponibili, i due contattavano direttamente i produttori in giro per il mondo per rintracciare i fondi di magazzino o addirittura far produrre i pezzi mancanti. Il passo tra la fine ricerca e il design originale dei propri prodotti sotto il brand BLB – a cui si è poi aggiunta la parola “London”, una volta iniziato l’export fuori dai confini, arrivando in almeno 40 Paesi – è stato breve. Oggi sono centinaia le componenti, le biciclette e i telai che sono stati disegnati e prodotti dal team di BLB che oggi conta ben 25 persone al suo interno. Qualità riconosciuta dagli addetti al settore e prezzi che sono rimasti ragionevoli, un’accoppiata che ha contribuito alla continua diffusione del brand. «Gli ordini», mi spiega Peter Flett, managing director di Brick Lane Bikes, «arrivano da tutto il mondo: d’estate almeno cinque furgoni al giorno passano da noi per raccogliere i pacchi da spedire, alla cui preparazione si dedica un team di ben 8 persone».

I marchi con cui Brick Lane Bikes collabora sono di altissima qualità, a partire dall’italiano Cinelli, in un sodalizio che va avanti da diversi anni.

I marchi con cui BLB collabora sono di altissima qualità, a partire dall’italiano Cinelli, in un sodalizio che va avanti da diversi anni, con l’importazione di diversi pezzi prodotti nel nostro Paese, comprese le componenti in acciaio del marchio Columbus, utilizzate per realizzare i telai. «Sono i nostri padrini europei», riconosce il team londinese, che veste spesso Cinelli e pedala su biciclette il cui telaio è di origini italiane. I clienti si fidano molto dei consigli del team, in grado di interpretare le esigenze di ciascuno, e il negozio è sempre pieno.

Almeno un paio di persone ogni giorno sono dedicate all’assistenza e alla riparazione delle biciclette. «Nel più breve tempo possibile ‘diagnostichiamo’ il problema, forniamo al cliente una stima in termini di tempo e denaro e poi procediamo alla riparazione, cercando di evadere le richieste in tempo reale. In inverno», continua Peter «sviluppiamo i prodotti per la stagione successiva, mentre in primavera, estate e autunno siamo totalmente assorbiti dai clienti. Il negozio si riempie soprattutto quando il tempo è migliore e in una giornata capita di ricevere anche più di duecento persone, che si rivolgono a noi per delle riparazioni oppure per acquistare una bici o degli accessori».

In una mattinata domenicale vedo il negozio brulicare di persone di ogni tipo, da quelle più attente allo stile e alle performance a quelle che invece sembrano prediligere l’aspetto ecologico e funzionale del mezzo. Come mi spiega Peter, esistono infatti diverse “tribù” di ciclisti: gli urbanistas tra i 20 e i 30 anni, che si spostano a bordo di biciclette dall’aspetto cool, ma insieme attenti al risvolto ecologico; i commuters, che pedalano per arrivare più in fretta in ufficio o al lavoro senza spendere troppo e hanno bisogno di una bicicletta il più possibile funzionale, in grado di fare anche 20 miglia al giorno; poi ci sono i weekend warriors, che prediligono bici da corsa, a scatto fisso o mountain bike per sfogare la passione durante il fine settimana; ci sono i family riders, che hanno rinunciato alla macchina e portano i figli a scuola in cargo bike o trailer bike. E, infine, gli e-bike riders, cioè coloro che scelgono la bicicletta elettrica, di solito con un’età un po’ più alta, con la stessa voglia di stare all’aria aperta, ma che non sono abbastanza in forma. «A seconda di quello che ci chiedono, ci capita di vendere biciclette da 320 sterline relativamente economiche, adatte per chi si sposta in città per recarsi al lavoro, fino a bici da pista da 3000 sterline con ruote, barre, attacchi e reggisella in carbonio costruiti interamente a mano, adatte per sfrecciare in un velodromo olimpico a grandi velocità».
C’è chi ci mette mezz’ora per scegliere e acquistare una bicicletta, trova quella giusta già pronta in negozio, chi ci pensa e ci ripensa per giorni, oppure chi la vuole progettare da zero ed è disposto ad aspettare una settimana per averne una su misura. L’importante è che sia firmata Brick Lane Bikes.

 Shooting fotografico: Cinzia Bruschini 

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Secret Cinema è un collegamento tra diverse forme di performance: teatro, musica, cinema. Ciò che è certo, è che si tratta di un modo di vedere un film come mai è esistito prima. Infatti, partecipando a un evento di Secret Cinema, il film non lo si guarda, ma lo si vive.

Come il nome stesso denota, tutto viene fatto in segreto (o quasi). Secret Cinema dichiara quale sarà il tema del prossimo evento, ovvero a quale film si ispirerà. Questa è l’unica informazione data e deve bastare, perché si deve comprare il biglietto – di circa 50 sterline – senza sapere altro. Neppure la location o la data. Una volta acquistato il biglietto, si aspetta. Si aspetta una mail con delle credenziali e un link a un sito, creato appositamente per l’evento, a cui si può accedere tramite quelle credenziali.

Così, finalmente, si iniziano a scoprire i dettagli: quale personaggio si è, come ci si deve vestire, qual è la propria missione. E l’esperienza ha inizio. Ancora prima dell’evento stesso.

Ed è proprio questo il punto forte di Secret Cinema: l’esperienza. Esperienza di altissima qualità, ricca di dettagli fino all’inverosimile. Lo scopo è proprio fare credere a chi partecipa di essere completamente parte di quel film, senza riconoscerne i limiti, senza capire dove ha fine la performance e dove comincia la realtà.

E per questo motivo, all’inizio dell’evento, i cellulari vengono confiscati.

Fa tutto parte dell’idea del fondatore di Secret Cinema, Fabien Riggall che ha voluto mettere qualcosa in uno spazio vuoto creatosi in un mondo dove ormai tutto si vive attraverso la tecnologia. In un mondo dove si ha sempre accesso a qualsiasi informazione e dove, di conseguenza, un elemento in particolare sta scomparendo: il segreto.

Le produzioni di Secret Cinema scaturiscono dalla volontà di ridare vita a questo elemento. Il tutto ha luogo a Londra, almeno per il momento. Dapprima quasi in sordina, creando eventi in location isolate o poco conosciute. Per arrivare, dopo 10 anni e 46 produzioni, a creare veri e propri Festival, di giornate intere, come è stato fatto nel 2018 per l’evento “William Shakespeare Romeo & Juliet”, o di un numero esorbitante di serate dedicate a uno specifico film, arrivando a ricreare sessanta repliche del medesimo evento. Ognuna delle produzioni richiede fino ad un anno di lavoro con personale altamente specializzato in diversi ambiti. 

Riggall stesso ha definito Secret Cinema come una nuova forma d’arte che re-immagina il modo in cui usiamo edifici e luoghi per i film. È un nuovo format che può essere declinato in infiniti mondi. In effetti, gli spazi scelti per creare queste produzioni sono una parte fondamentale per la creazione dell’evento stesso.

Lo scopo di Secret Cinema è far credere a chi partecipa di essere completamente parte di quel film, senza riconoscerne i limiti.

Cercando sul sito www.secretcinema.org si trovano tutti i mondi creati in precedenza. Ogni film viene scelto in base all’atmosfera che può generare, perché è fondamentale che ogni singolo evento sia diverso da tutti gli altri creati prima. Negli ultimi anni, Secret Cinema ha dato vita a Blade Runner: the Final Cut, dove i partecipanti si sono ritrovati in una Los Angeles futuristica che è sull’orlo della distruzione. Prima di questo, è stato ricreato il Moulin Rouge di Baz Luhrmann – che Riggall ha incontrato e che ha trovato il progetto all’avanguardia a brillante – perciò è stata ricreata una Montmartre del 1899 e la musica (che è sempre importante per queste produzioni) ha giocato qui un ruolo essenziale.

La lista di titoli che sono stati prodotti nel tempo è veramente lunghissima, considerando che si tratta di un progetto in piedi da circa una decina di anni.

Ed è un progetto ambizioso che, quando mette in piedi un nuovo mondo, porta con sé tantissimi benefici per l’area in cui lo costruisce. Spesso, infatti, lo staff sceglie zone meno frequentate, poco conosciute, in modo da potere aiutare le persone che vivono lì. Aprono tali spazi alle comunità locali, con una particolare attenzione all’emancipazione giovanile.

Ogni film di Secret Cinema viene scelto in base all’atmosfera che può generare.

Inoltre, per ogni singolo progetto, Secret Cinema crea partnership con enti di beneficenza che lottano per temi toccati dal film da cui prende vita quel mondo in particolare. Per Blade Runner, ad esempio, è stata fatta una collaborazione con due enti ecologisti. Per altri eventi, Secret Cinema ha aiutato enti che danno un aiuto ai rifugiati o che si occupano di prevenire la violenza nelle strade. Ogni collaborazione ha portato Secret Cinema a donare fino a 30.000 sterline.

Secret Cinema è un progetto molto complesso, stratificato, che si dirama e si concentra in più settori, dall’intrattenimento, all’economia, alla beneficenza, e a ognuno di questi è data uguale importanza. Proprio per questo, come Riggall stesso ha dichiarato durante una intervista, i partecipanti provano un particolare senso di unità quando si trovano a condividere uno di questi mondi filmici.

In una realtà in cui l’esperienza di alta qualità è considerata elemento fondamentale in ogni aspetto della nostra esistenza, Secret Cinema incarna perfettamente il bisogno di vivere una giornata, una serata o un po’ di tempo tempo come se veramente ci trovassimo in un altro universo, dove si può diventare ciò che si vuole, esaudendo un desiderio che tutti abbiamo avuto almeno una volta: diventare il personaggio di un film. Prendere decisioni come farebbe il protagonista della nostra pellicola preferita. Scoprire cosa vuole dire vivere nel passato, nel futuro, o in una realtà distopica. Secret Cinema è tutto questo e tanto altro ancora. Perciò, se vi trovate a Londra, in vacanza o per affari, comprate un biglietto e tuffatevi nella prossima produzione che Riggall e i suoi stanno creando.

Articolo: Caterina Fava  
Contributo fotografico: Secret Cinema Staff

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Se, come il sottoscritto, siete sempre alla ricerca di una vostra personale Wunderkammer, un ambiente capace di contenere e conservare raccolte di oggetti straordinari, non potete fare a meno di una gita a Milano. Stamberga, il concept store nato da un’idea del fotografo Marco Beretta, appartiene di diritto a questa categoria: un contesto magico, uno spazio polivalente dove perdersi nelle infinite e possibili manifestazioni dell’arte. Situato all’interno di un cortile di un palazzo in stile liberty nella zona di Porta Venezia, Stamberga è un emporio, uno showroom, una libreria, un atelier fotografico dove il connubio tra legno grezzo, candele, ferro, mattoni a vista e pareti scrostate rivela un contesto che gli appassionati d’arte, di vintage e di fotografia d’autore non potranno fare a meno di apprezzare. Uno spazio capace di ospitare sia una mostra permanente così come eventi temporanei sempre accompagnati dalle note musicali della vasta collezione di vinili del padrone di casa.

«Stamberga è un emporio, uno showrom, una libreria, un atelier fotografico dove il connubio tra legno grezzo e candele, ferro, mattoni a vista e pareti scrostate rivela un contesto che gli appassionati d’arte, di vintage e di fotografia d’autore non potranno fare a meno di apprezzare».

Il nome Stamberga non è stato dato a caso: l’etimologia della parola risale addirittura al 300 a.C, epoca della fondazione dell’allora Mediolanum. Il suo fondatore, il principe dei Galli Belloveso, definiva come “Stamberga” un luogo adibito al riposo dove poter riflettere e decidere azioni e strategie militari insieme agli uomini più fidati.

Ad animare Stamberga il suo creatore Marco Beretta. Marco non è solo un fotografo di rara sensibilità, ma una persona capace di incantare raccontando con entusiasmo il suo vissuto. Dopo un passato da giramondo nel ruolo di manager di una multinazionale, decide di lasciare un lavoro ben retribuito per rallentare i ritmi e dedicarsi alla passione che lo ha colto fin da quindicenne: la fotografia. I suoi vent’anni di viaggi nel sud-est asiatico tra India, Birmania, Cina e altri Paesi hanno fatto di Marco un acuto osservatore, capace di immortalare uomini e luoghi grazie alla sua Hasselblad in una sorta di fotografia “silenziosa”.

«Da ormai un ventennio Marco Beretta fa tappa nei più disparati monasteri buddisti dell’Asia condividendo con i monaci le incombenze quotidiane e immergendosi totalmente in un’atmosfera sospesa nel tempo».

I suoi scatti, facenti parte del suo progetto Spiritus e solo ed esclusivamente analogici, sono i veri protagonisti di questo “laboratorio di esperienze” chiamato Stamberga. Da ormai un ventennio Marco fa tappa nei più disparati monasteri buddisti dell’Asia condividendo con i monaci le incombenze quotidiane e immergendosi totalmente in un’atmosfera sospesa nel tempo.

Lo scatto giunge di conseguenza grazie alla discrezione conquistata nel tempo trascorso insieme a loro con un intento che non è solo narrativo ma, al contrario, riflessivo. Ma Stamberga non è soltanto la humilis domus degli scatti di Marco. È il luogo che vive di tutti coloro che si appassionano all’arte e alle sue infinite sfaccettature, grazie agli eventi e alle mostre personali di grandi fotografi che si susseguono al suo interno.

Stamberga: un luogo di cui sentiremo ancora parlare.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Stefano Tambalo 

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È sempre nei posti più nascosti che si celano preziosi gioielli. Di cosa sto parlando? Allarga la mente: cos’è un gioiello? Qualcosa che brilla. No. Qualcosa che ha un grande valore. Fuochino. Qualcosa che è importante per chi lo possiede. Centro. Perché esiste un posto non lontano dal cuore pulsante di Verona in cui ogni oggetto, pezzo d’arredo, quadro d’autore può essere il più prezioso gioiello se a sceglierlo sei tu.

“A chi appartengono gli oggetti che qualcuno ha amato quando quella persona se ne va per sempre? Vogliono che qualcun altro li tenga con sé, li ami e li consideri di sua proprietà? C’è qualche luogo in cui gli oggetti perduti sperano di essere trovati? […]” – Tre tazze di cioccolata, Care Santos.

Leggevo queste righe qualche giorno dopo aver varcato quella soglia per la prima volta. Non avevo ancora finito di leggere l’ultima domanda che la risposta era già sulla punta della mia lingua, accompagnata senza sorpresa da un caldo sorriso. Memoire.

Non avrei mai pensato di trovare un luogo così proprio nella mia città, non lontano da posti che ho frequentato più volte. Eppure, pensandoci bene, è proprio il luogo in cui tutti vorrebbero arrivare. Sì, perché Memoire non è una semplice esposizione d’arredamento, non è nemmeno un negozio di antiquariato, è la bellezza di mobili, poltrone, lampadari appartenuti a un tempo lontano e che qui si riuniscono per iniziare una nuova vita. O per impreziosire la tua.

«Memoire è una favola, il sogno di tre donne che si sono reinventate per dare libertà alle proprie passioni. Un luogo poliedrico che non merita di essere solo conosciuto, ma anche vissuto».

Dietro la storia di tutti questi oggetti e pezzi d’arredo c’è un’altra bellissima favola. Anzi, tre bellissime favole che si sono unite in un unico sogno. E queste favole, che ci crediate o meno, hanno dei volti e dei talenti da scoprire uno ad uno.

Flavia, donna sicura con una formazione da avvocato e un’esperienza di gestione dell’albergo di famiglia. L’arrivo dei figli le ha cambiato la vita e, vista la buona compagnia in Memoire, non solo la sua. Era da tempo che i mobili, soprattutto quelli con un po’ di storia alle spalle, le dicevano qualcosa: la madre ha sempre collezionato arredamento e oggetti d’antiquariato e la passione di Flavia, probabilmente, ha radici che profumano di casa.

Monica, laureata in ambito economico e un percorso lavorativo nel settore bancario. Anche per lei la maternità è stata l’occasione per dare una svolta alla sua vita, assieme all’amica Flavia. Cosa c’entra con l’arredamento? Dietro a un carattere analitico si nasconde un’indole creativa e la curiosità innata per gli oggetti dimenticati dalle persone e dalle mode. Il suo primo stimolo: una nuova casa da arredare. L’ambiente molto interessante le ha dato il via, lei ha fatto il resto. E non si è più fermata.

Alessandra, da tempo lavora in una importante società di consulenza aziendale, I figli le hanno permesso di ridurre l’orario di lavoro e di trovare una nuova dimensione per sé attraverso la sua passione storica per l’arte in tutte le sue forme, che ha trovato il punto di partenza in una giornata qualunque con Flavia e Monica tra le giostre di un parco giochi. Come si dice, niente accade per caso. Alessandra è una persona spumeggiante, lo si vede dagli occhi e lo si sente dalle parole. Proprio questo suo carattere l’ha portata a scegliere l’arte contemporanea come compagna di avventure, per colorare gli spazi di Memoire con nuove pennellate, suoni e versi, così nasce la “costola” Fuori Arte Gallery.

Entro in questo luogo da “mille e un’ispirazione” e loro sono lì, intente a parlare di un nuovo ambiente da arredare, quale pezzo proporre e come poterlo integrare in quella che diventerà la sua nuova casa. Già, perché qui oggetti e persone si incontrano per scegliersi a vicenda. Anch’io, devo ammetterlo, ho avuto un piccolo colpo di fulmine: in uno dei tanti salottini creati dalle due arredatrici con i loro pezzi unici ho intravisto delle sedie molto basse e ampie, che mi ricordavano il Far West, una casa coloniale con il portico davanti e un uomo seduto a fumare la pipa. Adesso capisci come in un posto così si possa volare con la fantasia in un solo secondo!

«Memoire lo riscopri ogni volta, perché nulla è stabile, tutto è in movimento. I mobili, gli oggetti sono disposti secondo composizioni d’arredo che continuano a cambiare in base ai nuovi arrivi o alle partenze. Nulla resta e tutto si trasforma».

Le sorprese non finiscono qui. Monica, Flavia e Alessandra mi raccontano che Memoire lo riscopri ogni volta, perché nulla è stabile, tutto è in movimento. I mobili, gli oggetti sono disposti secondo composizioni d’arredo che continuano a cambiare in base ai nuovi arrivi o alle partenze. Nulla resta e tutto si trasforma, in stile Memoire: per spiegare il modo in cui questo ambiente si presenta ai miei occhi non c’è altra soluzione, ho dovuto inventare un termine che gli rendesse giustizia. Qui non esiste uno stile predefinito, gli oggetti entrano a far parte di uno spazio che valorizza ogni componente, trovando un senso ad abbinamenti che uniscono epoche diverse. Mi guardo intorno e mi rendo conto che sì, unire stili e epoche diverse è possibile. E bellissimo. Scopro tavoli e mobili di modernariato accanto a lampade d’altri tempi, trovo divani e poltrone perfettamente risistemati ma che profumano di storia, noto cassettiere e armadi che un tempo erano altro, come quel tavolo da veterinario che presto sarà una consolle o quelle vecchie maestà di una villa che ora sono originali librerie. Ogni pezzo di questa collezione unica è frutto di una lunga e attenta ricerca da parte di Flavia e Monica, in territorio italiano ma soprattutto francese. Ecco il perché del nome Memoire: un richiamo diretto alle memorie che ogni oggetto porta con sé e alle loro origini.
Parlando di origini, mi torna in mente da dove è iniziata la storia di questo luogo così affascinante: da dove meno te lo aspetti. In origine l’involucro di questo tesoro era un piccolo garage che ospitava molti pezzi di valore, ma senza la possibilità di essere esposti a dovere. Già allora e in queste circostanze l’attività di arredamento cominciò a prendere piede e in gran velocità. La gente si fidava ciecamente di una passione così grande e incondizionata. Così, senza sapere esattamente cosa stessero cercando, Flavia e Monica hanno scoperto la vecchia bocciofila che ora ospita l’esposizione: quel posto aspettava loro. Le tre donne Memoire conservano l’essenza di ogni mobile e oggetto, affidandosi solo a mani artigiane esperte per la loro sistemazione, e proprio così hanno voluto adottare questo luogo, nella sua essenzialità. Lo spazio espositivo è rimasto com’era, pronto a ospitare memorie. E non solo.

Lo spazio è in continuo movimento, esatto, ma anche grazie a importanti apporti dall’esterno. La passione di Alessandra per l’arte e le sue infinite forme espressive ha permesso di aggiungere un valore prezioso a Memoire e renderlo un luogo polifunzionale, dove arredamento e genio creativo si incontrano per dar vita a eventi ed esperienze uniche. Ti basterà passare una sera di qui per scoprire come una normalissima serata si possa trasformare in un incontro di suoni, parole e colori. Memoire è così teatro di spettacoli musicali, altre volte è sfondo di letture, commedie ed esposizioni artistiche.

L’arte pittorica, però, ha un posto d’eccellenza nello spazio espositivo. Qui Alessandra gestisce, in totale continuità con il progetto d’arredo di Flavia e Monica, l’esposizione di opere di artisti emergenti e non, a volte in un concetto più ampio di condivisione nascono collaborazioni con gallerie, altre volte organizzando eventi dove si toccano tematiche specifiche dell’ambito artistico. Accanto ai mobili vintage e al salottino retro troverai quindi anche quadri d’arte contemporanea, che sottolineano ancora di più la capacità innata di queste donne di abbinare il vecchio al recente, fino a farlo essere incredibilmente attuale. Memoire diventa quindi protagonista e ambientazione di Fuori Arte Gallery, il progetto artistico che porta l’arte fuori dalle mura istituzionali, fuori dagli schemi prestabiliti e dal contesto esclusivo delle gallerie. È una galleria di nuova generazione che dà spazio al talento e al genio, oltrepassando i classici requisiti e i limiti all’esposizione artistica. Un piccolo diamante nel cuore di un grande gioiello.

Memoire è una favola, il sogno di tre donne che si sono reinventate per dare libertà alle proprie passioni. Un luogo poliedrico che non merita di essere solo conosciuto, ma anche vissuto. Così, dopo due ore di chiacchiere e lunghi racconti prendo la borsa, chiudo la giacca e oltrepasso di nuovo quella soglia. Sono tornata nel mondo di sempre, ma con una nuova consapevolezza: non lontano dal cuore pulsante di Verona c’è un luogo in cui un gioiello è lì pronto. E aspetta me.

Memoire – Via Torrente Vecchio, 77e – 37127 Verona VR

Articolo: Martina Vanzo   Shooting fotografico: Martina Padovan 

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Oggi vi accompagniamo alla scoperta di un posto insolito, dove creatività e passione si incontrano per creare un luogo di confronto artistico e non, lontano dai rumori e dalle distrazioni della modernità. Prendiamo una città, le sue vie più famose e la vita che qui scorre come un fiume in piena. Può essere una delle più grandi città d’Europa, può essere Barcellona.

Ora spostiamoci da questo flusso mondano, perché è proprio quello che si può trovare al di fuori della “vida loca” che può attrarre in modo nuovo, incuriosire, persino stupire. Ci allontaniamo dal centro, arriviamo al mare e proseguiamo lungo la riva fino ad arrivare al quartiere Poblenou, nel distretto di Sant Martì. Attorno a noi tante fabbriche, una storica area industriale che non per niente, scopriamo, era nominata “el Manchester catalàn”. Poblenou, da “el Pueblonuevo”, si spiega da solo: nato come quartiere produttivo nella Barcellona di fine Ottocento, è oggi un “villaggio nuovo”, un luogo in cui il passato si trasforma in presente senza perdere la sua identità.

Oggi Poblenou è un vero e proprio centro di iniziative creative e innovative, sviluppato in completa indipendenza e genuinità rispetto ad ogni altra area urbana di Barcellona.

Nulla di quello che c’era è stato smantellato né snaturato, ma adottato e riabilitato a contenitore delle esigenze di creativi, artisti e sperimentatori che in un ambiente urbano tanto duro e lontano dall’arte hanno trovato la casa per le loro creazioni e la loro attività. Oggi Poblenou è un centro di iniziative creative e innovative, sviluppato in completa indipendenza e genuinità rispetto ad ogni altra area urbana di Barcellona.

Ed è proprio qui, dove l’energia della vita si fa palpitante e percepibile ad ogni passo, che scopriamo forse uno dei fulcri di questa area. Non un bar, uno spazio culturale e di condivisione, un co-working, uno studio professionale, una scuola d’arte o di cucina, una sala espositiva oppure un incubatore di eventi, ma tutto questo messo assieme.

Dall’idea dei due architetti fondatori dello studio Castel Veciana Arquitectura, Jordi Castel e Jordi Veciana, nasce Espacio 88, un progetto curatoriale e votato agli eventi in cui il grande open space di 312 mq diventa involucro multiforme di iniziative artistiche, di design e sensibilizzazione.

Dall’idea dei due architetti fondatori dello studio Castel Veciana Arquitectura, Jordi Castel e Jordi Veciana, nasce Espacio 88, un progetto curatoriale e votato agli eventi in cui il grande open space di 312 mq diventa involucro multiforme di iniziative artistiche, di design e sensibilizzazione. La struttura ospitante è un vecchio magazzino industriale, dove le antiche capriate lignee sono protagoniste nell’ampio salone, assieme alla luce che entra liberamente dalle grandi vetrate della facciata. Questo luogo ha ormai più di due secoli, ma è stato sapientemente riadattato dai due architetti per essere il contesto adatto ad ogni idea: con una cucina mobile, Wi-Fi libero in tutta l’area, tavoli a disposizione di chiunque voglia riunirsi e un catering e Coffee Van ospitato su un furgoncino Citroën del 1972, questo ampio salone diventa il foglio bianco su cui poter dar vita ogni giorno ad una nuova storia di arte, design, cultura e qualsiasi altra cosa la creatività possa ispirare. Nulla è permanente, Espacio 88 è prima di tutto uno spazio, modellabile come fosse plastilina in mano ai creativi.
Se vorrete visitare questo incubatore creativo e artistico a Barcellona, ricordate di mettere da parte le aspettative: qui non troverete mai nulla di quello che vi immaginereste.

Nulla è permanente, Espacio 88 è prima di tutto uno spazio, modellabile come fosse plastilina in mano ai creativi.

Il bello di questo luogo, come dicevamo, è che non ha mai una forma, è sempre in continuo cambiamento per assumere di volta in volta le sembianze perfette per ogni suo contenuto. Espacio 88 è stato evento per centinaia di persone, incontro e appuntamento professionale, esibizione artistica e sportiva, mostra temporanea di arte o fotografia, progetto ed esposizione di architettura e design, location per corsi di cucina collettivi, set di video e produzioni multimediali, semplice spazio di aggregazione in cui potersi rilassare e dedicare alle relazioni in un’atmosfera di apertura e continuo confronto. Così, accanto al progetto Il muro bianco – dove pittori, designer e fotografi emergenti possono mostrare la propria espressione creativa in modo attivo e dinamico – e al progetto Imperfect beauty – che vuole dare voce attraverso l’arte al problema sociale dello spreco – potete sorseggiare tè e caffè delle più alte qualità assieme alle creazioni di pasticceria Hofmann, servendovi direttamente dal coffee truck parcheggiato in un angolo dell’open space, lo Skye Coffee Co. Un’esperienza unica in un contesto multiforme, quindi ricordate di fare sempre una breve ricerca prima di passare: in Espacio 88 nulla resta e tutto è in continuo divenire.

Articolo: Martina Vanzo  

Espacio 88
Carrer de Pamplona 88
Barcellona
www.espacio88.com

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Molto più spesso, però, le memorie sono sfuggenti, spesso anche al tempo e ai suoi stessi protagonisti. Se è difficile poter percepire questa ricchezza come cittadini del proprio Paese, riuscire ad entrare in contatto con le memorie di un altro Paese, vicino o lontano che sia, è spesso un desiderio destinato a rimanere inascoltato. Ma esistono luoghi in Europa in cui basta entrare in un negozio per vivere una storia densa di antichità, di genuinità, di vita sempre attuale.
Dall’unione tra ricerca e location uniche, descrittive della stessa identità degli oggetti e degli uomini che le vivono, a Lisbona (Portogallo) è possibile riscoprire l’anima della tradizione in un bouquet di oggetti, sensazioni ed emozioni che profuma di storia. Quattro negozi che superano il concetto moderno di design attraversando la storia e i consumi di un intero Paese, raccontando e facendo rivivere l’essenza di una vita portoghese. I negozi di A Vida Portuguesa, appunto.

Questi luoghi sono il frutto di una tensione verso la ricerca, del sogno della giornalista Catarina Portas di far riscoprire antichi prodotti della quotidianità portoghese e donare loro una nuova occasione di vita. Sono oggetti, profumi, libri, utensili, beni alimentari, gioielli, giocattoli che hanno accompagnato i portoghesi per decenni e che Catarina non ha voluto che venissero dimenticati nei retrobottega, nelle cantine o in sperdute località del Portogallo.
La missione di A Vida Portuguesa è di esplorare il Paese in lungo e in largo alla ricerca di «antichi, genuini e deliziosi prodotti di creazione portoghese», di cui curare la riedizione e l’offerta al pubblico nel rispetto della produzione e delle confezioni originali, nella consapevolezza che la loro unicità e perfezione è data dal tempo, il genio e il lavoro che li hanno resi memorabili.

È così che produzioni artigianali della tradizione come le rondini in ceramica decorata a mano di Rafael Bordallo Pinheiro o le matite di Viarco acquistano nuova vita in collezioni esclusive firmate A Vida Portuguesa.
La sfida iniziale era rendere gli oggetti della quotidianità del passato fonte di desiderio e di genuina bellezza anche per il futuro, capaci di passare dall’essere fievoli ricordi destinati a passare nel dimenticatoio all’essere dignitosi protagonisti di un’esposizione in cui il concetto di design si ridefinisce nei prodotti e negli edifici che li ospitano.

Due anni dopo le prime aperture, l’avventura di questi negozi si è spinta anche fuori dai confini di Lisbona, varcando le soglie della seconda città del Portogallo: Porto. Qui, nel quartiere Clérigos, A Vida Portuguesa ha trovato buona compagnia, stabilendosi al primo piano dell’edificio sede del centenario negozio Fernandes Mattos, vicino al famoso Lello Bookstore.

Il primo negozio di A Vida Portuguesa ha preso vita nel 2007 nello storico contesto della fabbrica di profumi David&David. Tutto il fascino di questo luogo, denso di un profumo che racconta di altri tempi, è rimasto intatto, rivisitato come negozio senza mutarne però le caratteristiche degli interni. Così, accanto ai grandi armadi di legno e ai vasetti di profumo, hanno preso posto gli oggetti che raccontano i consumi di una volta e la memoria del Paese.

Nel quartiere Chiado, poco distante dal primo, si trova anche un secondo negozio in cui la storia dell’edificio non è tanto forte quanto la precedente fabbrica di profumi, ma dove i prodotti firmati A Vida Portuguesa diventano protagonisti dello spazio, disposti su alte scaffalature che diventano neutro sfondo per la forte personalità degli oggetti esposti.
Due anni dopo le prime aperture, l’avventura di questi negozi si è spinta anche fuori dai confini di Lisbona, varcando le soglie della seconda città del Portogallo: Porto. Qui, nel quartiere Clérigos, A Vida Portuguesa ha trovato buona compagnia, stabilendosi al primo piano dell’edificio sede del centenario negozio Fernandes Mattos, vicino al famoso Lello Bookstore.

La storia di un Paese e gli oggetti che la raccontano sono disposti anche qui secondo lo stile inconfondibile di A Vida Portuguesa, in un perfetto connubio tra spazi, forme, interni ed esterni: il design delle collezioni esclusive affiancano la bellezza senza tempo dei prodotti della vita portoghese, dando vita ad uno spazio immenso ma colmo di racconti, emozioni e nuove prospettive per scoprire il Portogallo e le sue tradizioni.
Tornando a Lisbona, un’altra ex fabbrica, la Viúva Lamego produttrice storica di ceramiche nel quartiere di Intendente, ospita la più grande collezione di Catarina. I cinquecento metri quadri di superficie del negozio sono dimora in questo caso non solo di prodotti di oggettistica, ma anche di accessori d’arredamento, che trasformano questo magico spazio industriale in una casa per chiunque ne varchi la soglia. In questo ampio store la storia della vita portoghese è amplificata, raccontata in modo approfondito attraverso articoli per la casa: un importante risultato che permette a Catarina e al team di A Vida Portuguesa di allargare ulteriormente i confini di una nuova proposta di design portoghese.
Il tocco di stile deve essere in grado di esistere tanto nel grande quanto nel piccolo. Ecco quindi sorgere nello storico Mercado da Ribeira, sulla sponda del Rio Tajo, il più piccolo negozio di A Vida Portuguesa, che contiene però in sé tutto l’immaginabile per donare anche alla propria vita un po’ del calore e colore della tradizione portoghese. Anche in questo caso gli interni sono stati studiati per fare della Vida Portuguesa il perfetto palcoscenico di una storia sempre attuale: il bancone centrale recuperato da un vecchio negozio di profumi in Almirante Reis e i tavoli in legno massiccio prima presenti al Bairro Alto, fanno da sfondo a saponi, cioccolate, utensili e oggettistica di vario genere, con una firma di stile inconfondibile.

Scoprire la memoria, la tradizione, l’identità di un Paese oggi passa attraverso gli oggetti, attraverso il design, attraverso luoghi capaci di immergere il visitatore in un’esperienza originale che racconta di vita vera, di ricordi e di futuro.

«Siamo ostinatamente determinati a provare al mondo che è possibile creare un negozio senza usare scaffali di alluminio. Crediamo che gli oggetti possano raccontare storie straordinariamente rivelatrici sugli uomini e i loro specifici gusti, sulla società e il suo contesto, sulla storia che è, in fondo, un’identità comune».
Scoprire la memoria, la tradizione, l’identità di un Paese oggi passa attraverso gli oggetti, attraverso il design, attraverso luoghi capaci di immergere il visitatore in un’esperienza originale che racconta di vita vera, di ricordi e di futuro.

A Vida Portuguesa, Chiado I

Rua Anchieta 11
Lisbona

A Vida Portuguesa, Chiado II
Rua Ivens 2
Lisbona

A Vida Portuguesa, Intendente
Largo do Intendente Pina Manique 23
Lisbona

A Vida Portuguesa, Mercado da Ribeira
Avenida 24 de Julho
Lisbona

A Vida Portuguesa, Clérigos
Rua Galeria de Paris 20
Porto

www.avidaportuguesa.com

 Articolo: Martina Vanzo  Contributo fotografico: A Vida Portuguesa

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Retrò, a Verona, non può essere definito alla stregua di un negozio di motociclette e accessori, perché il risultato comprende qualcosa di più della somma dei suoi addendi: la passione di Andrea Miollo verso i motori e verso la meccanica.
Un progetto, quello di Andrea, che arriva da lontano.

«Il mio amore per i motori è nato fin dalla tenera età, supportato dal fatto di avere in famiglia un nonno pilota Porsche nella categoria Prototipi», dice Andrea.
Cresciuto professionalmente prima come informatico e poi come agente di commercio, Andrea riesce a coronare il sogno di coniugare la sua passione per i motori con la sua attività lavorativa. Per diversi anni è stato socio di un salone di auto di lusso. «Un’attività interrotta a causa della crisi del mercato delle supersportive. Trovandomi a 35 anni a decidere cosa avrei voluto fare da grande, ho pensato all’unica cosa che superava il mio amore per le quattro ruote: quello per le moto, in particolare quelle arrivate sul mercato tra gli anni ’50 e ’70».

«IL MIO AMORE PER I MOTORI È NATO FIN DALLA TENERA ETÀ, SUPPORTATO DAL FATTO DI AVERE IN FAMIGLIA UN NONNO PILOTA PORSCHE NELLA CATEGORIA PROTOTIPI».

Nulla è lasciato al caso, nello store di Andrea. L’atmosfera creata dai modelli che hanno fatto la storia del motociclismo (dalle Royal Enfield alle Kawasaki 400, dai bilindrici BMW Paria, protagonisti delle Parigi-Dakar negli anni ’80, passando per una Triumph fino alla Vespa Special di Andrea che fa bella mostra di sé in vetrina) è unica nel suo genere.

Nessuna sofisticazione, nessuna concessione alla moda Cafè Racer. Quel che si percepisce a colpo d’occhio, ammirando le moto esposte, fa correre la mente alle sensazioni provate dai nostri genitori di fronte ad una vetrina di un concessionario dell’epoca. Un semplice vetro come confine da valicare verso il primo strumento di libertà di quei tempi, per quella generazione.

«QUEL CHE SI PERCEPISCE A COLPO D’OCCHIO, AMMIRANDO LE MOTO ESPOSTE, FA CORRERE LA MENTE ALLE SENSAZIONI PROVATE DAI NOSTRI GENITORI DI FRONTE AD UNA VETRINA DI UN CONCESSIONARIO DELL’EPOCA. UN SEMPLICE VETRO COME CONFINE DA VALICARE VERSO IL PRIMO STRUMENTO DI LIBERTÀ DI QUEI TEMPI, PER QUELLA GENERAZIONE».

«Ho alzato la saracinesca di questo sogno l’11 marzo del 2011, ma tutto è nato almeno un anno prima. Volevo creare un luogo dove l’atmosfera fosse caratterizzante, insieme alle moto. L’ho immaginato alla stregua di un pub inglese, un tipo di locale che mi si addice particolarmente. Grazie ad un amico architetto ho creato il contesto che volevo: dal colore scuro di muri e soffitto fino alla particolare illuminazione, niente è stato lasciato al caso. Anche la scelta degli accessori e dell’abbigliamento ricalca in toto questo spirito».

A completare il progetto di Andrea fanno mostra di sé, perfettamente integrati nel contesto vintage di Retrò, due modelli di Verve Moto. «Mi sono innamorato della storia che ha dato alle Verve, oltre che dell’estetica e della meccanica. Tutto nasce dall’iniziativa di un nostro connazionale, Eugenio La Torre che, trasferitosi a Bali, scopre un mondo di piccoli produttori di motociclette e di customizzatori, iniziando a collaborare con uno di loro. Da fare il semplice meccanico a pensare in grande il passo è stato breve: Eugenio ha studiato il mercato motociclistico europeo scoprendo che le piccole cilindrate e lo stile retrò delle moto stavano tornando di moda. Il risultato lo puoi vedere qui: mezzi con uno stile ricercato, belle e a un prezzo abbordabile che fanno tornare in sella anche chi aveva smesso di pensarci».
Una collaborazione, quella con Verve, che ha permesso ad Andrea di ridurre l’attività di ricerca di pezzi storici richiesti dal mercato degli appassionati.

«OGGI MI SENTO PIÙ LIBERO DI ANDARE A SCOVARE IL MEZZO CHE CERCO, SENZA TROPPI CONDIZIONAMENTI. SONO QUEL TIPO DI COMMERCIANTE CON IL GROSSO DIFETTO DI INFIAMMARSI SU CERTE COSE, IL CHE MI PORTA A FARE ACQUISTI “DI PANCIA”».

«Oggi mi sento più libero di andare a scovare il mezzo che cerco, senza troppi condizionamenti. Sono quel tipo di commerciante con il grosso difetto di infiammarsi su certe cose, il che mi porta a fare acquisti “di pancia” (Andrea mi mostra un motorino pieghevole Motobi d’epoca, bellissimo e unico nel suo genere, ma dalle chance di vendita prossime allo zero). Sono fatto così, tendo ad acquistare moto e oggetti da cui poi faccio fatica a separarmi. Al punto tale da imbastire lunghe trattative di vendita e farle saltare per il troppo attaccamento al mezzo».

Promettici una cosa, Andrea. Rimani così, non cambiare mai.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Stefano Tambalo 

Retrò – Lungadige Matteotti 13/C -37126 – Verona

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L’edificio mette in evidenza lo stile architettonico degli ambienti di due secoli fa, mescolando sapientemente le memorie del passato sopravvissute all’incendio rappresentate dalle pietre di granito delle vecchie facciate, con soluzioni dal taglio moderno come l’utilizzo del cemento grezzo: quel che si può definire un perfetto connubio tra passato e presente.

Casa do Conto incarna nelle proprie mura, nei propri interni e nei propri arredi la storia della città stessa. L’edificio mette in evidenza l’architettura classica della Oporto del XIX secolo, con la pietra di granito delle vecchie facciate e, al contempo, soluzioni moderne come il largo uso di cemento grezzo a vista per scale e soffitte. Il tutto ci regala un’immagine scolpita dalle cicatrici di un tempo che media tra declino e rinascita, tra la memoria del passato e il desiderio per il futuro. Il risultato finale ricorda in maniera netta una sorta di “architettura fossile” che riprende vita.

Casa do Conto incarna nelle proprie mura, nei propri interni e nei propri arredi la storia della città stessa.

Il progetto ha considerato il mantenimento dell’accesso verticale per ogni piano dell’edificio, esattamente come per tutti gli edifici storici della zona. Sul tetto trova posto un lucernario progettato allo scopo di catturare la luce dall’esterno, creando un suggestivo contatto visivo con il cielo.
Casa do Conto è composta da sei suite: ogni camera è diversa e non solo per l’arredamento, scelto tramite un mix sapiente di mobili d’epoca e oggetti di design.
La particolarità di ogni camera è rappresentata dall’uso sapiente del cemento grezzo e dai testi incisi in bassorilievo sul soffitto. Ogni suite “ospita” un autore portoghese particolarmente legato alla città: si potranno leggere brani di Filipa Leal, Alvaro Domingues, Jorge Figueira, André Tavares, Nuno Grande e Pedro Bandeira

La particolarità di ogni camera è rappresentata  dall’uso sapiente del cemento grezzo e dai testi incisi in bassorilievo sul soffitto. Ogni suite “ospita” un autore portoghese particolarmente legato alla città.

Un totale di sei racconti scelti dagli architetti del collettivo Pedra Liquida che donano un impareggiabile tocco di unicità ad ognuna delle suite. Un’idea premiata con il SEGD Design Awards 2011 e con il Golden Prize European Design nella categoria “Signs & Display”.

Casa do Conto offre un modello innovativo di hotel sposando in pieno il concetto di arts & residence attraverso uno stile unico offerto a ospiti che desiderano combinare riposo con il godimento di un’esperienza unica, avulsa dal convenzionale. L’hotel è situato nel quartiere di Cedofeita, nel centro di Oporto, a pochi minuti di distanza dalle maggiori attrazioni della città.

Casa do Conto

RUA DA BOAVISTA 703
4050-110 PORTO
PORTUGAL

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Fernando Guerra

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Otto E Mezzo, un bistrot restaurant di recente apertura, miscela sapientemente le atmosfere elleniche con una spiccata ispirazione italiana per quanto riguarda l’offerta culinaria. E la tradizione tricolore la si può ritrovare anche dal nome del locale, un omaggio all’omonimo film di Federico Fellini del 1963.

Una nuova perla proprio di fronte alla spiaggia di Salonicco, un luogo diabolicamente attraente, al punto tale da volerci passare l’intera giornata.

I riferimenti cinematografici non si fermano qui, e abbondano sulle pareti del locale: un murales di Tony Soprano, mafioso televisivo impersonato dal compianto James Gandolfini , fa bella mostra di sé accanto al bancone.

Il tutto è sapientemente coniugato dallo stile di interior design scelto dallo studio Ark4lab: una sapiente e dinamica combinazione di muri grezzi, legno, mosaici e pellami per le imbottiture delle sedie, illuminati da un lampadario a cinque punti luce progettato per dare un tocco di modernità ad un locale decisamente industriale.

Otto E Mezzo
Leoforou Nikhs 33
00100 Thessaloník (Salonicco), Greece

Architetto: Giorgos Tyrothoulakis
Shooting fotografico: © Stereosis Creative Photography

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