La moda del futuro, ma non solo: anche il rapporto tra tecnologia e artigianalità, tra arte e praticità, tra mano e macchina. Proprio “Manus X Machina” si chiama la mostra del Metropolitan Museum di New York oggi aperta al pubblico (dal 5 maggio al 14 agosto 2016). Una manifestazione dedicata all’alta sartoria e al suo sviluppo nei secoli, dal punto di vista del binomio “mano umana/strumento meccanico”.

Da Coco Chanel a Issey Miyake passando per i loro altrettanto illustri colleghi, vale la pena soffermarsi sul nome che la mostra presenta come sinonimo di moda del futuro: Iris Van Herpen. Vale la pena immaginare un avvenire abbigliato dai suoi involucri-scultura, inneggianti a strutture corazzate e debitori a un uso massiccio di materiali industriali e stampanti 3D. In attesa di indossare un corsetto disegnato e costruito dalla designer olandese, prepariamoci all’idea con alcune immagini:

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A fine aprile, artisti, designer, ma anche cinefili e lettori di tutto il mondo si sono dati virtualmente appuntamento per omaggiare i 20 anni dalla scomparsa di un grande della visual art: Saul Bass. Una definizione che, pur generosa, gli sta stretta: versatile, curioso, vulcanico, il progettista grafico americano si calò con disinvoltura nei ruoli di art director, designer, fotografo, illustratore e regista. Ha ispirato generazioni di pubblicitari con i suoi celebri loghi per grandi aziende ed è universalmente ricordato come “il padre dei titoli di testa”, oltre che per inconfondibili poster e locandine cinematografiche.

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Credits: http://theredlist.com

Perché citarlo oggi? Magari per salutarlo come “special guest” dell’italianissima collana di narrativa made in USA Black Coffee, pubblicata da Edizioni Clichy, dedicata a scoprire e riproporre le voci più fresche del panorama statunitense: voci a cui la grafica editoriale riserva un esplicito omaggio con una serie di copertine che riecheggiano con la forza le originali forme geometriche e le forti campiture dell’eclettico artista:

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Articolo: Silvia Zanolli

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“Is this the real life? Is this just fantasy? Caught in a landslide, no escape from reality…”

È il giorno del leggendario concerto Queen – A night in Bohemia. Il giorno in cui il mondo sembra capovolgersi e a tratti sbriciolarsi sotto i colpi di “Killer Queen”, “Liar”, “Keep Yourself Alive” e “Now I’m Here”. Il giorno della prima, indimenticabile esecuzione di Bohemian Rhapsody, quando il gruppo rock inglese ottiene la consacrazione ufficiale con la diretta televisiva del concerto durante il programma musicale di BBC Two “Old Grey Whistle Test“.

“Mama, life had just begun, but now I’ve gone and thrown it all away…”

Lo senti, vedendo scorrere le immagini, che la band sa che quello è il suo momento. La performance è infatti una delle più coinvolgenti, grazie ai virtuosismi vocali e al pianoforte di Freddie Mercury, con costumi e luci curati nei minimi particolari. Spettacolare e imperdibile lo straordinario assolo di chitarra di Brian May, apoteosi dell’eccellenza musicale che, non a caso, ricorda che «sullo schermo risulta evidente l’energia che sprigionavamo».

 “I don’t want to die, I sometimes wish I’d never been born at all…”

Nelle sale cinematografiche italiane dal 16 al 18 maggio con la distribuzione di Microcinema, Queen – A night in Bohemia comprende immagini e interviste inedite, materiale d’archivio imperdibile come la prima intervista televisiva alla band, alcuni spezzoni dei video di “Keep Yourself Alive” e “Liar” e momenti dei concerti svolti a Hyde Park, al Rainbow e all’Hammersmith, in quello che è stato un anno fondamentale nella storia dei Queen. E ti sembra di vederlo Freddie, che finisce di truccarsi con cura, si sistema i capelli e si guarda allo specchio. Non ci sono ombre, non ci sono segni. La pelle è liscia, perfetta. Gli occhi accesi. Si solleva gli angoli della bocca con le dita, fissa lo specchio e sorride. Per un attimo gli sembra di perdere l’equilibrio dall’emozione, ma non è da lui allentare la presa. Lui che molla, nulla gli si addice di meno.

E ti sembra di vederlo Freddie, che finisce di truccarsi con cura, si sistema i capelli e si guarda allo specchio. Non ci sono ombre, non ci sono segni. La pelle è liscia, perfetta. Gli occhi accesi.

Queen – A night in Bohemia – Documentario

16, 17 e 18 maggio nei cinema dell’Emilia Romagna

BOLOGNA – Odeon, The Space Cinema

CARPI – Space City

CASALECCHIO DI RENO – UCI Cinemas Meridiana

CENTO – Cinepark

CESENA – Aladin

CESENA – Eliseo

COMACCHIO – Cineplus

FERRARA – UCI Cinemas

FAENZA – Cinedream

FORLÌ – Astoria

FORLIMPOPOLI – Cineflash

MODENA – Victoria

PARMA – Astra

PARMA – The Space Cinema – Barilla Center

PARMA – The Space Cinema – Cinecity

PIACENZA – UCI Cinemas

PUIANELLO – Eden

RAVENNA – Cinemacity

RICCIONE – Cinepalace

RIMINI – Le Befane

REGGIO EMILIA – UCI Cinemas

RUBIERA – Emiro

SANT’AGATA BOLOGNESE – Cineci

SAVIGNANO SUL RUBICONE – UCI Cinemas Romagna

per info: www.microcinema.eu

Articolo: Silvia Antenucci

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Hitomi Maehashi: a molti questo nome può non dire molto, se non evocare anonime eroine di manga giapponesi (specialmente alla generazione “anni Ottanta” cresciuta a suon di cartoni animati dal Sol Levante). Per quanto fondata su basi culturali traballanti, questa evocazione è decisamente azzeccata: la giovane Hitomi spicca nel modo della fotografia per i suoi tipici ritratti e selfie ritoccati fino ad assumere un tipico “stile manga”.

Nei suoi lavori – pitture digitali su fotografia con una buona dose di software di fotoritocco – il volto umano assume i tratti caratteristici dei personaggi disegnati: il risultato è da un lato buffo e festoso, vicino al fenomeno dei cosplayers e dell’attivissimo mondo “anime”, dall’altro è inquietante, legato alla tradizione del teatro nipponico e delle sue maschere. Da valutare in prima persona sul sito della galleria milanese Deodato di cui la Maehashi è tra i protagonisti.

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I cinefili probabilmente hanno sentito parlare (e bene, peraltro) di “Brick“, cortometraggio al centro del Sundance Film Festival 2016 prodotto da Christopher LaMarca e Jessica Dimmock. Parliamo di lei, Jessica: diplomata all’International Center of Photography in Documentary Photography, da anni è presente con i suoi lavori di varie prestigiose testate, tra cui l’irrinunciabile The New York Times Magazine. Nel 2007, la consacrazione con la pubblicazione “Il nono piano”, che ha ricevuto il premio F per la fotografia impegnata e il premio Inge Morath di Magnum: “Il nono piano” è quello di un palazzo che, nonostante svetti al centro di Manhattan, si rivela più vicino alle atmosfere dello zoo di Berlino che a quelle di Sex and the City. Con la sua macchina fotografica Jessica Dimmock immortala l’appartamento in cui un gruppo di eroinomani trascorre un’esistenza selvaggia, vitale e disperata, dandole voce con una fotografia forte ed empatica che, secondo una critica entusiastica, “ha saputo riscrivere le regole del genere”. Nonostante sia trascorso quasi un decennio, gli scatti di Jessica non hanno perso un grammo della propria forza: rivediamoli oggi, sentiremo ancora molto parlare di lei.

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Credits: http://www.jessicadimmockphotography.com />

Piove sul bagnato: non c’è proverbio più calzante per questa notizia divisa tra  Londra e Venezia. A luglio, Palazzo Strozzi ospiterà l’edizione 2016 del Columbia Threadneedle Prize, il principale concorso europeo per le arti figurative, che proprio all’umida Inghilterra deve il suo ultimo vincitore: il quadro “Salt in tea” di Lewis Hazelwood-Horner. Tenendo a mente lo scopo per cui è nato il concorso – ridare voce e vita a un tipo di arte più tradizionale rispetto ai più “modaioli” filoni astratti, concettuali e performing – non sorprende scoprire un classico quadro a olio: può però stupire la scelta del soggetto, una scena di lavoro manuale presso il celebre negozio londinese di ombrelli “James Smith & Sons”.

Da un’ispirazione nata forse in collegamento a uno scherzo subìto dal pittore stesso da parte degli operai di James Smith & Sons (quel “sale nel tè” cui allude il titolo dell’opera, in riferimento all’irrinunciabile rituale anglosassone del tè delle cinque), sulla tela si mescolano un prosaico realismo, un’indiscutibile padronanza tecnica e un’enorme fiducia in quel lavoro manuale che, ombrello dopo ombrello, ha superato indenne quasi due secoli: un mix che ha decretato la vittoria di “Salt in tea” e di un mondo di valori, artistici e umani, cui l’Europa dimostra tuttora la propria fedeltà.

Articolo: Silvia Zanolli 

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“Arte di strada”: per TRUCK ART PROJECT è una definizione letterale. Occhi aperti, se passate sulle strade spagnole: potreste incontrare uno dei camion che hanno offerto la “tela” a un gruppo di art writers di primo piano: con l’obiettivo di portare l’arte di strada dove non ci si aspetterebbe di trovarla.

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Eppure, grazie a queste “gallerie d’arte in movimento” nate per stimolare il progresso culturale nel modo più ampio, è assolutamente possibile. Scoprite i camion che hanno già iniziato il viaggio e quelli pronti a partire su    www.truck-art-project.com.

E in divenire è l’arte “di carne” della fotografa turca Meltem Işık: in divenire perché la carne, al centro del lavoro dell’artista, si mostra nella sua vulnerabilità ai segni del tempo, ma anche disponibile a scomporsi e ricomporsi in combinazioni inaspettate e suggestive.

Questo è il tema delle opere di Işık oggi esposte alla Galerie Nev di Instanbul: opere in cui le macro su infimi dettagli corporei invitano l’occhio di chi guarda a considerarle come protagonisti impietosi e al contempo stupendi.

Da scoprire in anteprima sul sito ufficiale della galleria.

Il British Journal of Photography, la più longeva pubblicazione tematica al mondo, annuncia i vincitori dell’edizione 2016 dell’International Photography Award.

Ad essere scelti tra oltre 1500 partecipanti, le giovani Juno Calypso e Felicity Hammond che trionfano con i rispettivi lavori: per la prima, la serie Joyce composta da autoritratti, sontuosi e disturbanti, che riflettono su femminilità e rituali di seduzione; per la seconda, con l’immagine Restore to Factory Settings, riflessione in blu su un paesaggio urbano smembrato e poi ricostruito in modo originale.

Due strade ben diverse ma altrettanto degne di attenzione: per vedere le opere vincitrici, oggi esposte al TJ Boulting di Londra, il riferimento è a questo link http://www.bjp-online.com/2016.

Articolo: Silvia Zanolli 

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Elisabetta – anzi, Elisabetta I – è la prima donna Papa. Non una papessa, secondo la strada già battuta da letteratura e cinema ispirati all’ottocentesca figura di Giovanna, ma la pontefice di un futuro forse prossimo. Elisabetta è la protagonista di “Sic transit gloria mundi”, ultima fatica di Ippogrifo Produzioni in anteprima nazionale il 4 marzo a Verona.

Una rappresentazione che, pur inserendosi con coerenza all’interno del lavoro eccellente cui Ippogrifo ci ha abituati, risulta nuova e inaspettata: si tratta infatti del primo monologo prodotto da Ippogrifo e dall’autore e regista Alberto Rizzi. Anzi, dal “faber” Alberto Rizzi, che attribuisce il ruolo di “artifex scaenica” a Chiara Mascalzoni, assoluta protagonista della scena.

Elisabetta I è un personaggio di fantasia che si muove in un domani distopico ma non impossibile. Un domani in cui il genere – o, con un termine sociologico oggi particolarmente famigerato, il gender – non è di per sé motivo di preclusione per l’ascesa nella gerarchia ecclesiastica.

La giovane attrice di origine veneta veste i panni solenni della prima donna Papa della storia: una storia che deve ancora essere scritta, poiché Elisabetta I è un personaggio di fantasia che si muove in un domani distopico ma non impossibile. Un domani in cui il genere – o, con un termine sociologico oggi particolarmente famigerato, il gender – non è di per sé motivo di preclusione per l’ascesa nella gerarchia ecclesiastica. Da questa premessa prende le mosse un sorprendente monologo fanta-storiografico che scava con grazia e potenza nelle radici storiche, teologiche e religiose che affidano alle donne un ruolo subordinato non solo nella Chiesa, ma anche nel contesto laico.

Le parole di Elisabetta non si limitano a riflettere sul tabù moderno del sacerdozio femminile, ma si concentrano sui tre argomenti su cui poggia l’intero spettacolo: il ruolo della donna nel passato della Chiesa, la biografia inventata della prima Papa e infine una storia alternativa e possibile della Chiesa attraverso le donne.

Le parole di Elisabetta non si limitano a riflettere sul tabù moderno del sacerdozio femminile, ma si concentrano sui tre argomenti su cui poggia l’intero spettacolo: il ruolo della donna nel passato della Chiesa, la biografia inventata della prima Papa e infine una storia alternativa e possibile della Chiesa attraverso le donne. Una vera e propria indagine tra secoli di pregiudizi all’ombra dell’altare e nella più ampia cultura occidentale: un lavoro corposo nato da anni di studi, letture, confronti e ricerche, tradotto oggi da Alberto Rizzi in un “one-woman show” pieno di freschezza e passione, condotto con uno stile registico irriverente e fulminante.

Il risultato è una critica profonda, surreale ed estremamente originale, al maschilismo del mondo cattolico, vibrante in una potente voce femminile.

Il risultato è una critica profonda, surreale ed estremamente originale, al maschilismo del mondo cattolico, vibrante in una potente voce femminile: ascoltandola tratteggiare un panorama immaginifico e al contempo innegabilmente plausibile, sarà difficile continuare ad accettare come ovvio il genere maschile della guida spirituale che ispira tanta parte del pianeta. Con la promessa al pubblico di una nuova consapevolezza più che mai consona all’8 marzo, con buona pace delle mimose.

DATE E LUOGHI:
“Sic transit gloria mundi” di Alberto Rizzi e Ippogrifo Produzioni
in anteprima nazionale venerdì 4 marzo 2016 alle ore 21.00,
Teatro Camploy, Via Cantarane 32, 37121 Verona,
nel contesto della rassegna “L’altro Teatro”.
www.ippogrifoproduzioni.com

Articolo: Silvia Zanolli  Contributi fotografici: Ippogrifo Produzioni

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Un ottimo caffè, un packaging accattivante e tanta voglia di emergere sono le qualità di LA DISTRIBUTRICE, probabilmente la caffetteria più piccola di tutto il Nord America.

Aperta nel 2011 nella città canadese di Montreal, LA DISTRIBUTRICE ha reinventato il concetto di coffee to go.

Lo spazio angusto in cui è stata realizzata la caffetteria è ampiamente compensata da un’estetica audace e piena di personalità, fondata soprattutto sulla bellezza del proprio packaging. Se a tanta cura nel dettaglio associamo l’uso di materie prime eccellenti per preparare caffè espresso italiano, caffellatte e caffè americano, il risultato non può che essere coronato da successo.

Altri dettagli, per gli amanti del caffè e del packaging in particolare si possono trovare al seguente link: La Distributrice.

Dare vita, grazie alle immagini, a edifici e a meraviglie architettoniche non ancora realizzate o esistenti solo su carta, reinventando completamente il concetto di “visualizzazione architettonica in 3D”.

Senza nessun vincolo rappresentato dal costo dei materiali o dai tempi, i creativi dello studio norvegese Mir Unbuilt Architecture danno vita a edifici, palazzi e opere architettoniche sensazionali ma non ancora realizzati.

I lavori di MIR Studio coprono un ampio spettro di progetti architettonici, dalle singole abitazioni ai grattacieli, dagli chalet di montagna fino ai ponti a più campate.

Attraverso la manipolazione delle immagini, i creativi di MIR Studio associano a paesaggi esistenti qualsiasi tipologia di struttura architettonica totalmente virtuale, con una cura del dettaglio talmente elevata da dare allo spettatore la sensazione di trovarsi di fronte ad un contesto reale e visitabile.

Gli altri progetti di architettura visuale dello Studio Mir li potete trovare a questo link.

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«La nostra sfida è quella di visitare i luoghi che altri hanno già visitato, e capire come reinterpretare il paesaggio in un modo unico e nostro. L’avventura è l’ingrediente necessario e al tempo stesso elemento sconosciuto della nostra missione».

Con queste parole Tim Kemple, fotografo e cineasta, descrive il suo ultimo progetto fotografico. In un’epoca in cui pare aver già visto tutto, Tim è fervente sostenitore della necessità di aprire nuove vie esplorative, anche e soprattutto nell’ambito della fotografia.

Animato da questo intento Tim, in collaborazione con Klemen Premrl, scalatore sloveno tra i più rinomati al mondo per le arrampicate su ghiaccio, e Rahel Schelb, un’insegnante svizzera che si sta guadagnando una reputazione come una delle migliori scalatrici in Europa, è partito per esplorare il più grande ghiacciaio d’Europa al fine di cercare di reinterpretare le meravigliose distese ghiacciate  attraverso una nuova e unica prospettiva.

Il ghiacciaio Vatna copre l’8% della superficie dell’Islanda. Sotto la coltre di ghiaccio si trovano montagne, vallate, e persino vulcani attivi. Questa è la più grande area protetta d’Europa, e di certo una delle più affascinanti con i suoi paesaggi selvaggi di cascate, grotte e specie uniche di uccelli e fauna selvatica.

Quest’avventura ha dato vita a The Ephemeral Kingdom, il progetto fotografico che ha immortalato l’esplorazione del ghiacciaio da parte dei tre avventurosi, e a The Climbing Ice, film finalista al Finalist 40esimo Banff Mountain Film Festival.

La storia completa a questo link: http://www.sidetracked.com/ephemeral-kingdom/

Non solo Stefano Boeri, non solo Bosco verticale. A Torino, cinque piani di un palazzo riprendono il concetto di foresta abitabile in un contesto urbano.

Progettato da Luciano Pia, il progetto “25 Verde”  consiste in un palazzo di 63 unità, ognuna delle quali è dotata di terrazze ricche di vegetazione che creano un unicum verde.

La struttura residenziale conta 150 alberi che assorbono quasi 200.000 litri di anidride carbonica l’ora. Questa barriera naturale aumenta notevolmente la qualità della vita dei residenti riducendo sia le emissioni nocive sia i rumori causati dal traffico veicolare. La progressione stagionale degli alberi contribuisce a ottimizzare il  microclima ideale all’interno dell’edificio. Ogni specie è stata scelta con il chiaro proposito di proporre la massima varietà di colore e di fogliame possibile. Una scelta che coniuga design con una nuova concezione dell’ambiente, tesa ad armonizzare il rapporto tra natura e abitante anche in un contesto urbano e moderno.

Leggi la storia completa su http://divisare.com/projects/283279-Luciano-Pia-25-Verde

Come un giorno d’estate in spiaggia, senza essere in spiaggia. Così si potrebbe definire The Beach, il progetto di installazione interattiva del National Building Museum di Washington DC realizzato dal collettivo sperimentale Snarkitecture.

Snarkitecture ha studiato sia gli elementi naturali che quelli sociali riscontrabili in una spiaggia durante un giorno estivo e ne ha creato una versione in miniatura e monocromatica all’interno della sala grande del museo. Sono stati utilizzati e costruiti ponteggi, muri a secco e specchi per creare un involucro capace di contenere un oceano di 750.000 palline di plastica riciclabile. Il Beach accoglie i visitatori all’ingresso del museo e li invita ad esplorare, giocare e rilassarsi in un ambiente coinvolgente e unico. Per sentirsi bambini ancora una volta.

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L’artista visuale Li Hill, canadese di nascita ma residente da anni a Brooklyn, è l’autore di alcuni dei più spettacolari affreschi realizzati su edifici pubblici. Con una particolare predilezione nel rappresentare immagini spettrali di angeli, schermitori e animali, Hill riesce a donare alle sue opere un senso assoluto di movimento e di energia. Le immagini paiono così essere sospese a mezz’aria, al punto tale da farle sembrare come proiezioni di figure dipinte.

Nelle sue opere Li Hill unisce il disegno e la pittura di immagini altamente complesse, conferendogli una natura spettacolarmente inquietante.

L’artista di Brooklyn ha studiato Belle Arti presso l’Università di Toronto. I suoi lavori sono stati esposti in spazi espositivi famosi quali la National Gallery of Victoria, la Art Gallery of Ontario e il Museo dell’arte di Portsmouth nel New Hampshire. Altri suoi murales dal tema spettrale sono stati pubblicati nel nuovo libro Mural XXL e sono visibili anche sul suo profilo Instagram.

Una perla del Sud est asiatico con una cucina incredibilmente varia e saporita. La Thailandia vanta una delle cucine più eterogenee al mondo, con pietanze che cambiano non appena si passa da una provincia all’altra. E la capitale Bangkok, di gran lunga la città più cosmopolita della nazione con un melting pot incredibile di persone e cibi, non fa eccezione a questa diversità.

Gli abitanti di Bangkok sono particolarmente avezzi ai sapori dolci, e molte ricette combinano ad esempio pesce fresco o maiale con l’utilizzo di latte di cocco e di zucchero di canna, ingredienti molto comuni da trovare nelle pianure delle zone centrali thailandesi.

La cucina thai è stata influenzata nei secoli sia dagli immigrati provenienti dal sud della Cina sia dai musulmani che visitarono la penisola nel XIV secolo. I cinesi introdussero l’utilizzo del wok come pentole e dei noodles di riso sia a Bangkok che nel resto della Thailandia. Dal canto loro i musulmani importarono le spezie, ora largamente utilizzate nella cucina locale. L’altra significativa e storica influenza sulla cucina di Bangkok è rappresentata dagli esponenti culinari della corte reale, che per oltre trecento anni hanno ridefinito con raffinatezza la cucina thailandese per soddisfare i nobili palati del sovrano e dei suoi commensali.

Il sito lonely planet ci guida in questo universo culinario attraverso dodici dei più rappresentativi piatti thailandesi, indicandone radici storiche e regioni di provenienza.

Il link all’articolo qui.

«Guardi, ho fatto solo il mio mestiere. Ho semplicemente applicato il mio metodo: vedere e poi scrivere. Non ho mai inventato nulla, solo la cruda realtà fatta parola. Al Tour, benché apprezzassi Bottecchia non mi interessava il suo primato in classifica, mi incuriosiva di più il suo naso che sembrava tagliare la strada come uno spartitraffico. Mi perdoni la battuta, ma trovavo più interesse a guardare in faccia i corridori, a leggere la fatica nello loro smorfie, negli occhi spenti, nei volti sfigurati dal fango e dalla polvere. Lo sa lei che la polvere del Morbihan non vale quella del Finistère e quella della Loira ha un sapore un po’ più speziato?».

Questa la dichiarazione Albert Londres, giornalista degli inizi del secolo scorso e uno dei primi reporter d’inchiesta che la storia annoveri, nella sua “intervista immaginaria” su Cycle Magazine.

Inviato dal suo giornale, il Petit Parisien, al seguito della carovana di ciclisti del Tour de France del 1924, Londres non si limitò a raccontare la mera cronaca degli eventi, come era consuetudine dei suoi colleghi dell’epoca, ma raccontò con dovizia di particolari quello che il lettore non poteva vedere e che rappresentava l’essenza dello sforzo di un’atleta: la fatica dipinta nel volto, nelle membra e negli sguardi dei ciclisti partecipanti a quella gara su strade sterrate. Uno dei primi esempi di storytelling che la storia possa ricordare.

L’intervista impossibile la potete leggere qui.

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Basato sul libro “Above All Else”, il corto del collettivo Live Unbound racconta, dosando magistralmente filmati di repertorio con spettacolari riprese attuali, la rinascita di Dan Brodsky-Chenfeld, pluri campione mondiale di skydiving. Ferito gravemente a causa di un incidente aereo che causò la morte di 16 dei suoi 22 compagni di team, Dan è riuscito non solo a guarire dai gravi traumi riportati, sia fisici che psicologici, ma è stato capace di tornare alle gare di paracadutismo tornando ai vertici mondiali della disciplina.

«Solo dopo un paio d’ore mi resi conto che la temperatura stava diventando  un po’ troppo elevata. La strada che percorrevo era giunta alla fine, terminando davanti ad un’enorme centrale elettrica nel bel mezzo del deserto. Improvvisamente realizzai di aver preso la direzione sbagliata con la mia bicicletta. Non avevo una mappa e avevo esaurito la scorta d’acqua di dieci litri che avevo portato dalla partenza».

Il fotografo Rob Lutter, partito nel 2011 da Londra per un viaggio di 40.000 miglia in sella alla sua bicicletta, racconta così uno dei momenti più difficili della sua esperienza dopo essersi perduto nel deserto kazako

Il suo romanzo A Thousand Dawns è un vero e proprio racconto di un’avventura, un viaggio verso l’ignoto e una vita vissuta sulle strade del mondo. Quattro lunghi anni di storie, di miglia percorse, di persone incontrate, di luoghi apparentemente inaccessibili raggiunti senza mai abbandonare la propria bicicletta. Per pubblicare il suo libro, Rob ha lanciato una campagna di crowdfounding. 

La sua storia la trovate a questo link.

«Non si viaggia per essere visti, si viaggia per scomparire». Fedele a questa massima, il filmaker Andrea Livio è partito per il suo giro del mondo. Ad oggi ha attraversato 37 paesi e percorso più di 100.000 chilometri su strada oltre a  14.000 chilometri su navi e imbarcazioni varie. E non si è ancora fermato. Partito in fretta e furia senza sponsor, itinerari pianificati o basi d’appoggio. Uniche certezze: la partenza dal Passo dello Stelvio per tornarci una volta completato il viaggio. In sella ad una Moto Guzzi che porta lo stesso nome.

La sua storia, e il teaser del suo viaggio, aprirà l’edizione 2015 del Motorcycle Film Festival organizzato da Deus Ex Machina in concomitanza con la fiera del motociclo EICMA a Milano, dal 16 al 18 Novembre. Una 48 ore senza soste di film e corti selezionati tra i migliori delle ultime 3 edizioni del New York’s Motorcycle Film Festival. 

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Costruito a cavallo tra il 1959 ed il 1975, il «Sentiero di Ho Chi Minh» si snoda lungo 12.000 miglia tra le montagne e le giungle di Vietnam, Laos e Cambogia. Questa pista rappresenta ancora oggi la sanguinosa volontà dei nord vietnamiti di battersi con ogni mezzo contro il governo filo-occidentale del sud e il suo alleato americano. 580.000 bombe, napalm e esfolianti lanciati dall’aviazione americana durante il conflitto non bastarono a piegare la volontà dei Vietcong che percorsero questa pista continuando a rifornire di vivere e armi la guerriglia al fronte.

Nell’estate del 2013 Antonia Bolingbroke-Kent, a cavallo di una vecchia moto Honda rosa, ha percorso tutte le miglia del «Sentiero» che separa Hanoi da Saigon, nel Sud. Un viaggio durante il quale si è imbattuta in capi tribali, ex piloti di caccia americani e madri a cui gli ordigni inesplosi avevano strappato i loro figli. Sei settimane che hanno trovato spazio in un libro.

La sua storia a questo link.

«We are freckled» è il progetto fotografico firmato da Jonas Carmhagen interamente dedicato ai portatori di lentiggini. Nel suo photobook, in pubblicazione a Dicembre dopo una campagna di crowfounding su Kickstarter corazzata da successo, il fotografo svedese ritrae oltre vento persone differenti per razza, età e fisionomia ma con un unico comune denominatore: le lentiggini.

Molte delle persone ritratte hanno convissuto con queste macchie cutanee inconfondibili con disagio e fastidio, per finire poi con l’amarle perché elemento distintivo e unico del proprio viso. Carmhagen ne cattura l’essenza, mettendola in mostra nella sua naturalezza.

Il sito del progetto a questo link.

In occasione del 25° anniversario della caduta del Muro di Berlino, l’agenzia di comunicazione Grey ne ha ripercorso la storia attraverso una traccia audio pubblicata sulla piattaforma Soundcloud. Oltre sette minuti di un’inedita esperienza acustica fatta da suoni della propaganda sovietica, dei discorsi dei politici della Repubblica Democratica Tedesca, delle urla delle guardie di frontiera. Il tutto integrato in suoni e rumori che rendono la traccia un’indelebile ricordo di quel che è stato, e delle piccole grandi tragedie che quel Muro ha generato in quasi 30 anni di vita.

Il making off della traccia audio a questo link.

Metti una casa editrice nata nel 2013 grazie ad una campagna di crowdfounding; aggiungi il fatto che la mission editoriale sia quella di pubblicare solo book fotografici che parlino di vita, luoghi e professioni              nell’East London. Il risultato non è altro che uno storytelling reale fatto di immagini di una Londra purtroppo nascosta agli occhi del viaggiatore meno accorto.

Martin Usborne e Ann Waldvogel, i fondatori della casa editrice Hoxton Mini Press, grazie ad una campagna di crowdfounding hanno permesso alla scrittrice  Katie Treggiden e alla fotografa Charlotte Schreiber, di mandare alle stampe «Makers of East London». Un racconto fatto di immagini e interviste di costruttori di biciclette, liutai, ceramisti e altri artigiani di nuovi e vecchi mestieri che fanno della zona ad est di Londra il centro creativo di una delle città più dinamiche del mondo. Un modo alternativo per raccontare l’energia e lo spirito di una realtà, quella degli artigiani, che rappresenta una vera e propria «way of life» degna della massima attenzione.

il link alla pubblicazione lo trovate qui.

L'articolo Weeklink #02 sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.