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Esiste un tempo in cui si cerca. E un altro in cui si trova. Si scopre quel qualcosa che ci appartiene da sempre, qualcosa che senza saperlo era già dentro di noi e stava solo aspettando di essere scovato. Esso rappresenta tutto quello che in verità vorremmo diventare.

Lasciarlo in disparte o provare a dargli una forma assomiglia un po’ a quando bisogna decidere di compiere un salto. Ci vuole coraggio. Il coraggio di inseguire le proprie passioni, il coraggio di rischiare.

Perché è vero che restare fermi non farà cadere. Ma tanto poi si sa. Lo sanno tutti, che solo da là sopra, sentiamo di volare.

Anagni, Ciociaria. Al piano seminterrato, le persiane dell’ampio studio sono abbassate, le pareti spoglie. Solo un lungo tubo attraversa orizzontalmente quella di fondo, corre tagliandola in due metà asimmetriche. Nessun altro tipo di arredo. Nessun quadro. Nessun colore. Basta il rumore ben scandito di colpi metallici a riempire ogni centimetro. Dentro quel vuoto esso sbatte e si amplifica. Prevale su tutto vincendo il silenzio.

Jago è lì, al centro, all’origine di quel suono. È in piedi sotto l’unico cono di luce della stanza, davanti alla sua montagna di marmo. Ha i capelli rasati e un paio di occhiali a stanghetta per ripararsi dalle schegge. Sta lavorando ad un nuovo progetto con un martello e uno scalpello stretti tra le mani. Picchietta ritmicamente il primo sul secondo mentre il materiale superfluo precipita a terra come roccia che frana.
Ed io, io resto a guardarlo per diversi minuti. Osservo quei movimenti nascosta dietro lo stipite della porta e mi sorprendo di quanta abilità e forza possano rinchiudersi in un paio di braccia. Di quanta passione deve vivere in Jago per arrivare a stancarsi i muscoli pur di continuare a creare.
«Non mi basta semplicemente comperare un oggetto, lo voglio fare io direttamente. Quindi non sono soltanto artista ma anche artigiano, ci metto mente, cuore e mano. Invece oggi la maggior parte degli artisti preferisce farsi realizzare le opere, perché è diventato quasi poco importante il saper fare, come dire che sul “fare l’amore” ne possiamo parlare».
Per Jago, invece, il significato dello scolpire resta insito nel movimento stesso. Non dev’esserci mercificazione, non dev’esserci consumo dietro il suo oggetto d’arte. Scolpire per lui non è un lavoro, è una cosa che va al di là della passione, qualcosa capace di regalargli talmente tanto piacere che nulla può essere in grado di eguagliarlo. È il modo in cui sta al mondo, la sua dimensione.

«Non mi basta semplicemente comperare un oggetto, lo voglio fare io direttamente. Quindi non sono soltanto artista ma anche artigiano, ci metto mente, cuore e mano. Invece oggi la maggior parte degli artisti preferisce farsi realizzare le opere, perché è diventato quasi poco importante il saper fare, come dire che sul “fare l’amore” ne possiamo parlare». Jago

Questo forse perché in mezzo all’arte Jago c’è praticamente cresciuto. Ci si è trovato, da sempre. O meglio, come dice lui ce l’hanno accompagnato. Il padre architetto e la madre insegnante che quando era bambino lo portava con sé alle gite scolastiche. San Pietro, i Musei Vaticani, Villa Borghese. È proprio lì infatti, incontrandosi faccia a faccia con quelle meraviglie, che Jago ha iniziato a sognare, a capire che non si sarebbe accontentato di guardarle e di ammirarle soltanto. Avrebbe voluto costruirne di nuove.

Del resto, è figurandosi la vita in grande che alla fine si arriva a scoprire se stessi. Emulare i passi di artisti del passato l’avrebbe aiutato a trovare i propri. Anche se Jago, quando appena adolescente si era iscritto al liceo artistico di Frosinone, probabilmente ancora non lo immaginava che una decina di anni dopo sarebbe stato Sgarbi ad insistere per esporlo alla 54^ edizione della Biennale di Venezia.
«Era il 2011 e al tempo frequentavo ancora l’Accademia di Belle Arti, ero il più giovane ad esporre. Quando ci fu la conferenza stampa a Palazzo Venezia, Sgarbi disse una cosa interessante: “non c’è scritto da nessuna parte che un ragazzo non possa essere considerato artista pur frequentando le scuole”. Non è che tu sei artista quando qualcuno te lo dice. L’arte è una cosa talmente alta che non esiste nessuno che ti può dire tu sei artista. Quindi per me esistono due cose. La prima che tu sei artista quando lo riconosci a te stesso, perché la cosa serve a te. La seconda che tu puoi essere artista quando te lo riconosce una comunità. Quando tutti dicono “beh sì quello è un artista”».
È stato poi, fuori da quelle mura scolastiche, fuori dal sistema protetto dell’Accademia che Jago ha compreso di dover dimostrare al mondo il suo valore. Là fuori non c’erano più professori né compagni con cui confrontarsi e sentirsi capace. C’era solo lui, un numero tra i numeri.

Eppure lì in mezzo Jago ci si è buttato, senza paura, portando con sé il coraggio e la voglia di assecondare quel movimento a fare, a modellare qualcosa che fosse portavoce dell’uomo, delle sue potenzialità, delle sue fragilità. Carne, vene, pelle. Un battito cardiaco rappresentato in trenta cuori diversi per riprodurne la giusta pulsazione. Una mano che nasce dal marmo. Un bambino nella testa di un adulto. Sono solo alcune delle opere che paiono avere anima nella pietra. Opere che Jago ha scavato per mostrare cosa si cela nel profondo della materia. Sono forme metaforiche, a volte denudanti, a volte condite di sapiente cinismo, che smascherano l’interiorità umana resa morbida e viva attraverso parti di un corpo. Cavità, incisioni, minuzie portano con sé i segni di una riflessione che non lascia indifferenti.

«Carne, vene, pelle. Un battito cardiaco rappresentato in trenta cuori diversi per riprodurne la giusta pulsazione. Una mano che nasce dal marmo. Un bambino nella testa di un adulto. Sono solo alcune delle opere che paiono avere anima nella pietra. Opere che Jago ha scavato per mostrare cosa si cela nel profondo della materia. Sono forme metaforiche, a volte denudanti, a volte condite di sapiente cinismo, che smascherano l’interiorità umana resa morbida e viva attraverso parti di un corpo». Jago

Così mi permetto di chiederglielo, qual è per lui il senso di questo continuo bisogno di esprimersi, di spogliare per far vedere l’interno. «Un tempo avevo fatto un lavoro, avevo colorato con la grafite la superficie di un’opera in pietra e l’avevo impressa su un pezzo di carta. Avevo scritto che l’impronta è l’immagine dell’immaterialità del corpo. Nel senso che noi in continuazione lasciamo delle impronte, quando camminiamo, quando facciamo dei gesti, anche quando diciamo delle cose che si manifestano in emozioni.

Tutto quello che noi facciamo è un’impronta che rimane, mentre noi siamo avanti e in questo andare avanti ci dissolviamo. Così come la pietra che quando rotola giù dalla montagna lascia delle impronte che sono la testimonianza del fatto che lei si dissolverà, io stesso lascio un’impronta nella pietra. Ma quell’impronta che lascio è l’immagine del fatto che io me ne sto andando».

E se fosse una tua opera ad andarsene?

Jago sorride. «È successo. Anzi, l’ho accettato. Era il 2013, il giorno in cui vennero comunicate le dimissioni di Papa Benedetto XVI… a quel punto come lui si era spogliato delle sue vesti io d’impeto decisi di spogliare la sua opera. Fino a quel momento ero fortemente identificato con tutto ciò che producevo, ma nel momento in cui ho spogliato il Papa ho distrutto una parte di quell’attaccamento.

E quindi è stato un momento importante perché sì, io ho scolpito me stesso nella misura in cui ho distrutto l’attaccamento che avevo con quell’oggetto. Ecco, oggi io da quell’opera lì non sono più identificato con ciò che io produco. Ti faccio un esempio, se lo vogliamo paragonare a un figlio che viene messo al mondo, da quel momento ho compreso che l’opera d’arte come un figlio si mette al mondo, si dà, si restituisce e io sono stato solamente un tramite per quella cosa».

Articolo: Francesca Tessari   Shooting fotografico: Lorenzo Morandi 

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Uno scritto anonimo recita: “Il piede ha 28 ossa, 27 articolazioni, 100 legamenti, 23 muscoli e un sistema nervoso e capillare ramificatissimo. Ci vuole una scarpa che sia degna”.

Eleonora Lovo, di professione “lustrascarpe”, non solo ritiene questa affermazione una sacra verità, ma anche che questa verità non riguardi esclusivamente la qualità della fattura e dei materiali. Ogni giorno camminiamo spostandoci tra diversi luoghi e le scarpe ci accompagnano dalla mattina alla sera, servitrici silenziose; sta a noi trattarle con riguardo, prendercene cura e donare loro una vita più lunga e un aspetto migliore.

In un mondo dominato dalla velocità, da ritmi sempre più incalzanti e da una generale massificazione di gusti e consumi, Eleonora Lovo propone invece di rallentare, di tornare a guardare le piccole cose e a recuperare i preziosi riti di un tempo, quando si usciva la domenica con gli abiti “della festa” e con le scarpe lucide.

In genere noi donne siamo grandi appassionate di scarpe, ne acquistiamo sempre più del necessario, ma il tuo è un interesse molto singolare: tu te ne prendi cura. Da cosa deriva questa tua particolare passione?

«La mia passione per tutto ciò che è bello nasce dalla famiglia, i miei nonni si facevano fare gli abiti su misura, anche mia madre è sempre stata molto curata e attenta ai particolari, ma nelle famiglie di una volta l’etichetta era estremamente importante. Mio fratello è una figura fondamentale della mia vita, vocato alla parte artistica delle cose e io, sorella più piccola, ho sviluppato un’ammirazione e sensibilità particolari verso il mondo maschile; anche frequentare un corso di barberia fa parte del fascino che questo mondo ha sempre esercitato su di me. La passione per le scarpe è sempre stata in me, dai tempi in cui lavoravo come commessa. Da qui è partita una ricerca di almeno dieci anni nel settore che mi ha fatto capire che dietro la scarpa c’è una lunga serie di necessità: la cura, la manutenzione, l’attenzione. Mi piace l’artigianato, sono iscritta all’albo e sono tre anni che ho sviluppato questa professione, ma non mi considero un’artigiana, piuttosto un'”artigianauta”: non ho negozio, Facebook e Instagram sono le mie vetrine».

È questa tua particolare propensione per il mondo degli uomini che ti porta a svolgere un lavoro considerato da sempre maschile?

«Non sono solo un maschiaccio, anzi; mi considero estremamente femminile, nell’abbigliamento e nel modo di fare, ma ho questa curiosità per questa parte di universo che mi ha avvicinato alla professione di lustrascarpe. Nasce come lavoro di strada, ma il mio intento è quello di elevarne l’immagine e per questo mi faccio aiutare anche dai prodotti che uso (creme, cere e spazzole) ricercati e di qualità. La scarpa la indossano tutti e mi piace pensarla adatta ad ogni occasione, quindi vengo invitata ad eventi sia privati che pubblici; ad esempio i Gentleman riders mi hanno chiesto di partecipare ad uno dei loro in un’atmosfera vintage ed elegante assolutamente in tono con il servizio che offro io. In questi anni c’è stata molta attenzione su di me e su quello che faccio, a partire dai primi servizi su Oggi e La Stampa e su quotidiani internazionali come L’Estadao de São Paulo in Brasile e il più importante quotidiano arabo Al Awsat, alcune interviste in diversi programmi Rai, tra cui La vita in diretta e Unomattina fino ad arrivare alla prima pagina del New York Times il giorno della festa della donna; un’eco continua che mi ha portato tanta notorietà e mi ha permesso di attivarmi in molti eventi e fiere».

Hai rivitalizzato un mestiere quasi scomparso ma ricollocandolo e nobilitandolo. Lavorando anche privatamente, sei già riuscita a crearti una serie di clienti fissi?

«Sì. Per alcune persone le scarpe sono piccoli investimenti e questa professione, da un mestiere di strada, è quasi diventata una cosa di nicchia, una coccola che il cliente si fa, un lusso mentale. Mi occupo delle scarpe a 360 gradi, le ritiro a casa e le riconsegno come nuove. Non faccio servizio di riparazione ma, nei casi in cui ci sia anche questa necessità, mi avvalgo di un calzolaio.

Un mio grande desiderio sarebbe quello di creare uno spazio maschile con dentro donne che si occupano degli uomini, dalla lucidatura della scarpa alla barba e alla manicure. Come un tempo. Non ho mai sopportato le cose unisex, a me piacciono i posti dedicati. Così come per le donne, anche per gli uomini dovrebbero esistere spazi pensati per loro».

Non ti senti controcorrente, in un mondo come il nostro così orientato ad una generale omologazione?

«Credo sia importante ritrovare il sapore antico di luoghi che non ci sono più. Qualcuno ha detto: “le cose belle sono già state fatte”, secondo me si tratta solo di riportarle in vita.

L’uomo deve tornare ad usare i prodotti pensati per lui, a rallentare i tempi e a dedicarsi a se stesso in luoghi specifici; auspico una riscoperta delle usanze dei nostri avi, perché in passato si dava più valore alla qualità della vita e alla qualità in generale, oggi viviamo in un mondo in cui si sta banalizzando e imbruttendo quasi tutto e l’isola felice della qualità è quella del lusso, e io dico: “perché?”. Una volta ci assomigliavamo tutti nel bello, sempre vestiti bene in giacca e cravatta, ora siamo tutti uguali nel brutto».

«L’uomo deve tornare ad usare i prodotti pensati per lui, a rallentare i tempi e a dedicarsi a se stesso in luoghi specifici; auspico una riscoperta delle usanze dei nostri avi, perché in passato si dava più valore alla qualità della vita e alla qualità in generale». Eleonora Lovo

Quindi proponi un’inversione di tendenza?

«Direi di sì, noi italiani siamo visti come i maggiori artigiani del mondo ma solo all’estero, sono più attenti loro alla qualità dei nostri manufatti di noi che, invece di valorizzarla e difenderla, ne perdiamo sempre di più; nel nostro modo di vestirci e di guardarci offriamo un’immagine ormai scadente.

È necessario riprendere il gusto per le cose belle e tornare a vivere come un momento di pausa e di relax anche il semplice gesto di farsi lustrare le scarpe, che è un bi-sogno, ma può anche trasformarsi in un sogno che si realizza due volte, come dice la parola stessa».

Non solo intendi recuperare un’estetica che va perdendosi, ma anche un’etica. Il tuo è un invito a riconsiderare il nostro tempo e la qualità delle nostre giornate?

«Sono due cose che si legano. L’accuratezza dell’immagine ti permette di porti in un modo migliore. Questo non fa la persona – ho lavorato qualche anno in Caritas e anche ora faccio volontariato, ho questa capacità di stare in mezzo alle persone senza pregiudizi – diciamo che all’interno di una condizione di vita “normale” e non ai margini, la persona curata e ben vestita con la scarpa pulita crea un filtro di rispetto, aiuta la relazione e la comunicazione».

«Cerco stile, classe e gusto nelle cose che faccio, nel mio ambito utilizzo materiali particolari – sete di ombrelli, cachemire, cere nobili, spazzole in corno fatte a mano – e mi circondo di professionisti del settore che abbiano la mia stessa filosofia. Anche la ricercatezza è sinonimo di qualità». Eleonora Lovo

Come ti poni di fronte a questo fiorire di centri commerciali a scapito delle singole attività di artigiani e commercianti?

«Da una parte esiste questa massa che si sta muovendo verso l’omologazione, dall’altra ci sono, invece, persone che cercano l’esatto opposto. Tutto è fatto per l’utente medio, per la nicchia devi andare in settori abbastanza chiusi; gli artigiani sono un po’ nascosti, li devi cercare, scoprire e andare a conoscere e, in questo senso, i social aiutano moltissimo. Abbiamo attivato una rete tra noi artigiani, perché è visibile solo il brand, mentre il singolo viene bistrattato. Si tende ad omologare tutto perché è la massa che crea economia. Cerco stile, classe e gusto nelle cose che faccio, nel mio ambito utilizzo materiali particolari – sete di ombrelli, cachemire, cere nobili, spazzole in corno fatte a mano – e mi circondo di professionisti del settore che abbiano la mia stessa filosofia. Anche la ricercatezza è sinonimo di qualità».

Per arrivare a svolgere questo tipo di lavoro ti sei dovuta documentare, facendo un vero e proprio lavoro di ricerca. Hai recuperato materiale facilmente?

«Assolutamente sì, per fortuna esiste internet e ho potuto consultare documenti d’epoca e visionare parecchio materiale fotografico. Nel mondo, di lustrascarpe, ce ne sono, ma io sono stata tra le prime e forse poche donne ad intraprendere questa professione.
Volevo acquistare una mia identità precisa, ma con rispetto per quello che è stato nel passato e per la sua storia. Ho assunto il nome di Eleonora Madame Lustrascarpe proprio perché ci fosse un tocco di femminilità.

«avrò vissuto in un tempo così in un’altra vita e mi sarebbe piaciuto continuare a viverci. Mi sento di appartenere di più a quel mondo fatto di vestiti puliti la domenica mattina, di colletti inamidati e scarpe lustrate». Eleonora Lovo

Il passato è presente e va considerato. Prendere in mano delle scarpe che hanno 25 anni per me è recuperare un mondo non c’è più, nel quale esisteva un maggiore rispetto dei tempi, dei materiali e della necessaria lentezza di chi le faceva. Crea stupore questo mio lavoro, che ritengo banale, nel senso che le scarpe le indossiamo tutti, ma mi piace, oltre che offrire un servizio vero e proprio, creare un momento, una pausa, uno stop dai ritmi così incalzanti che ogni giorno viviamo. Sono stata autodidatta, ho praticato sulle mie scarpe, poi su quelle dei miei amici e della mia famiglia, fino a studiare e cercare prodotti e materiali. È una forma di attenzione che si dà e che gratifica sia me che i miei clienti. Rivedere una scarpa che pensavi non avresti più utilizzato ti dona la tua vecchia scarpa, un vecchio amore, ma con un vestito nuovo».

Sembra che all’interno della tua volontà di rivitalizzare questo mestiere, ci sia spazio anche per un motivo quasi nostalgico. Mi sbaglio?

«Sì, avrò vissuto in un tempo così in un’altra vita e mi sarebbe piaciuto continuare a viverci. Mi sento di appartenere di più a quel mondo fatto di vestiti puliti la domenica mattina, di colletti inamidati e scarpe lustrate. Anche a mio figlio insegno ad avere una particolare cura in questo senso, ad amare la qualità di ciò che indossa e a cercare uno stile che sia suo perché possa partecipare a rappresentarlo soprattutto per come si sente dentro di sé. È un’educazione al bello, ma anche un tentativo di fargli capire che siamo tutti “pezzi unici” e che dovremmo valorizzare questa unicità e amarla: nelle persone, nei sentimenti, negli oggetti e in noi».

Articolo: Maddalena Roncoletta  Shooting fotografico: Adriano Mujelli

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“Non ricordo un momento esatto in cui, da semplice passione, scrivere si è trasformato per me in un lavoro. Ho cominciato a lavorare a diciassette anni, mentre ancora studiavo. Ho fatto molti mestieri in passato, tra cui alcuni molto umili. Il mio principale interesse all’epoca erano i graffiti: disegnare lettere tutto il giorno, proprio come ora, anche se lo facevo in maniera completamente istintiva. Come molti miei coetanei, passavo le ore a progettare i bozzetti di quella che poi avrebbe visto la luce su un treno o in qualche angolo della città”.

Rileggo rapidamente l’incipit di “Take your pleasure seriously”, la sua biografia, prima di bussare alla porta del suo studio.

Non è la prima volta che incontro Luca Barcellona: lo conobbi a Verona qualche anno fa al termine di un workshop al quale, data la mia manualità pressoché nulla, non mi sarei permesso di partecipare. In quell’occasione acquistai il suo libro e rimasi ad ammirare il suo autografo sulla terza di copertina. Non si trattava di una semplice firma. Era un’opera d’arte.
Luca Barcellona, ​​39 anni, è a ragione considerato uno dei più grandi calligrafi sulla scena internazionale. Grazie alla sua capacità di combinare il lettering classico con l’influenza creativa della street art e dei graffiti, Luca ha dato un contributo determinante alla rinascita della calligrafia nella cultura visiva odierna.
Iniziò da ragazzo a “taggare” i treni della metropolitana e a disegnare graffiti nei contesti urbani di Milano. Dopo essersi diplomato al liceo, dove aveva preso lezioni di graphic design, si iscrisse a corsi serali mentre lavorava in un negozio di articoli musicali. Dedicando il suo tempo libero per esercitarsi pazientemente nella calligrafia, iniziò presto a realizzare piccoli lavori su commissione. Ad oggi Luca Barcellona vanta svariate collaborazioni con alcuni tra i brand più rinomati (Carhartt, Nike, Dolce & Gabbana solo per citarne alcuni), i suoi lavori sono stati esposti in numerose mostre personali e collettive e sono apparsi in decine di pubblicazioni. Lo studio di Luca Barcellona è a poche decine di metri dal Naviglio Pavese, quel tratto di canale in prossimità di uno dei luoghi più in voga della movida milanese, ma ancora abbastanza lontano per non esserne invaso.

L’ingresso è posto all’interno della corte di un condominio che, per un attimo, mi lascia immaginare una Milano operaia ormai sparita per sempre. Il colpo d’occhio è notevole anche per un profano della materia: librerie stipate di volumi di calligrafia, lettering e illustrazioni, boccette di inchiostro, scatole e astucci pieni di pennelli, spatole e punte. Una ragguardevole collezione di dischi a fianco di due giradischi collegati a un mixer tradiscono la passione di Luca per il vinile (è autore di numerose copertine per lp della scena hip hop nazionale oltre che a dilettarsi come DJ). Appoggiate ai muri, una serie di locandine cinematografiche anni ’60.

«Adoro le locandine di quel periodo sia per il fatto che fossero tutte dipinte sia per le storie che raccontavano. Tutto il lettering veniva realizzato dal pittore stesso. Mi piacciono le locandine dei film italiani per il loro aspetto “grezzo” rispetto a quello decisamente più patinato della cinematografia americana. Il lettering usato in Sciuscià non è bello e perfetto come quello presente in un film di Humprey Bogart però mi interessa perché è parte integrante del background storico e culturale del nostro Paese. Se devo andare a trovare ispirazione la vado a cercare dove più mi sento affine in termini di radici della mia di storia».

Luca, una delle cose che mi ha colpito maggiormente non appena sono entrato nel tuo studio è stata la serie di strumenti che utilizzi per i tuoi lavori: pennelli, spatole, punte di balsa, pennini a lamelle parallele. Alcuni di questi sembrano unici nel loro genere, come se fossero stati a loro volta personalizzati. Si può dire che ci sia ulteriore artigianalità in una professione, quella del calligrafo, che fa dell’artigianalità il suo biglietto da visita?

«Credo che la scrittura sia sempre in evoluzione e che contestualmente si evolvano anche i relativi strumenti. Come per la scrittura, anche nella calligrafia un pennino o una penna d’oca non vengono utilizzati ormai da tempo. Persino la penna biro potrebbe essere soppiantata in breve tempo come strumento principale perché abbiamo già a nostra disposizione una serie infinita di nuovi device digitali per scrivere.

La calligrafia è un ambito particolare dove si è soliti utilizzare strumenti già esistenti oppure ripensarli e modificarli per adattarli al meglio alle proprie esigenze. Nel corso degli anni mi sono fatto costruire artigianalmente svariate punte di balsa che diventano spatole e che mi  permettono di realizzare il tratto che desidero. Ora, con il ritorno in auge della calligrafia questi strumenti sono abbastanza diffusi; quando iniziai io li trovai in Inghilterra, dopo mesi di ricerche.

«Ci sono strumenti che possono essere solo ed esclusivamente “tuoi”, come un pennello le cui setole si sono ormai separate». Luca Barcellona

Quello degli artigiani è un mondo che non smetterà mai di stupirmi. Anni fa andai a tenere un workshop a Schwerte, un paesino sperduto della Germania. La sera mi portarono a cena da un signore che mi mostrò il suo laboratorio casalingo dove realizzava strumenti per calligrafi. Non aveva una pagina web, nessun modo per poterlo contattare se non conoscendolo personalmente. Mi fece provare diverse spatole e porta spatole. Il giorno dopo realizzò per me uno strumento speciale e unico nel suo genere da usare per i murales.

Ci sono poi strumenti che possono essere solo ed esclusivamente “tuoi”, come un pennello le cui setole si sono ormai separate. Non si tratta di qualcosa che si è “rovinato” ma, al contrario, utilizzandolo donerà un tratto di inchiostro che sarà solo e soltanto tuo. Una cosa molto diversa da un’imperfezione, come a primo impatto potrebbe sembrare»

Hai un background nella calligrafia e nel lettering riconosciuto a livello internazionale. Che sensazione provi a essere considerato un punto di riferimento in questo ambito?

«Insegno calligrafia ormai da una quindicina d’anni e grazie all’insegnamento ho avuto modo di girare il mondo. Col tempo ho percepito come, grazie anche al mio contributo, iniziassero a proliferare gli studi di calligrafia e, quindi, calligrafi che si erano formati con me e che traevano apertamente ispirazione dai miei lavori. All’inizio ho avuto la sensazione che mi copiassero, ma poi ho ripensato ai miei inizi, a quando ero semplicemente un writer e i calligrafi mi etichettavano come quello che imbrattava i muri. Quando decisi di cambiare, riprendendo i miei studi di grafica e dedicandomi alla calligrafia classica, iniziai a frequentare i maestri più anziani. Una volta acquisita una certa capacità e dimestichezza percepii il desiderio di dire la mia prendendo ispirazione da fonti come i manoscritti e la calligrafia del Novecento. Ecco, quando studi queste cose, quando hai la possibilità di conoscere e capire l’arte degli antichi maestri di questa disciplina ti rendi conto di essere un nano appoggiato sulle spalle di giganti. Il mio contributo, se così si può dire, è stato quello di unire il linguaggio del writing con quello della calligrafia. Ora il fatto che nuove leve di calligrafi si ispirino ai miei lavori mi dà un senso di gratificazione. Si ha come la sensazione di continuare a correre senza fermarsi ma, guardandosi indietro, scorgere comunque le persone che ti seguono».

Nella tua biografia “Take you pleasure seriously” racconti di aver frequentato i corsi di una scuola di grafica dove si parlava già di digitale e animazione mentre tu volgevi la tua attenzione ai vecchi maestri dell’illustrazione. Credi che questo processo di digitalizzazione delle nostre vite, e quindi della creatività, sia inarrestabile?

«Sono entrato in una scuola di grafica dove si realizzava tutto a mano e ne sono uscito che si faceva tutto al computer. Oggi viviamo un’epoca di vera e propria “overdose” digitale e, come già ampiamente sperimentato in passato, vi è anche una reazione esattamente contraria. Il bello, secondo me, è capire che nessuno dei due mondi, quello digitale e il cosiddetto analogico, esclude l’altro. Si hanno semplicemente nuovi strumenti a disposizione che non necessariamente vanno a soppiantare quelli vecchi.

«Quando si smette di comprendere la contemporaneità, ecco, è proprio quello il momento in cui si diventa vecchi». Luca Barcellona

Finché esisterà un produttore di inchiostro io continuerò a comprarlo e a utilizzarlo. Ho avuto occasione di sperimentare la realtà virtuale: i gesti che faccio con un visore e un guanto tattile sono gli stessi che farei con un pennello in mano. Sarebbe semplicemente stupido non utilizzarli. Quando si smette di comprendere la contemporaneità, ecco, è proprio quello il momento in cui si diventa vecchi. Non si rimpiangono le carrozze perché ora abbiamo le automobili».

In una tua passata intervista fai riferimento al tuo lavoro come il mezzo per lasciare un segno della tua presenza attraverso gli inchiostri che riflette il tuo stato d’animo, accettando anche l’imperfezione.

(Prima di rispondere alla domanda Luca Barcellona mi fa cenno di avvicinarmi al suo tavolo da lavoro. Prende un foglio e un pennarello e inizia a disegnare alcune lettere. Mi aspetterei un gesto fluido, rapido e uniforme e invece no: in questo momento Luca si sta immedesimando in un suo allievo e, disegnando, sta spiegando a un profano come me il senso dell’imperfezione).
«Quando insegno calligrafia i miei allievi, esercitandosi, credono di sbagliare e cercano di ripassare il tratto oppure di riprenderlo. Quello che mi sforzo di spiegare ai miei studenti è il concetto dell’importanza del gesto. In ogni gesto che si fa è ovvio che ci possano essere delle imperfezioni perché più uno scrive più aumentano le probabilità di commettere un errore. Ma quell’eventuale errore è parte integrante del momento in cui si esegue quel gesto: tornare indietro non avrà più il significato di lasciare un tuo segno, ma semplicemente la volontà di correggere un disegno. Un po’ come avere la presunzione di poter tornare indietro nel tempo. L’imperfezione deve portare a costringerti a pensare prima di agire. Questo concetto è onnipresente nella filosofia orientale. Più un’azione è rapida più richiede preparazione: la giusta respirazione, la giusta concentrazione. Ciò che è stato disegnato non è più da ritoccare perché rappresenta il proprio stato d’animo in quel preciso momento. Per tirare fuori uno stile pazzesco è necessario allenarsi, oppure il risultato corrisponderà esattamente a ciò che si è capaci di fare».

Nella tua biografia così come nei tuoi workshop fai spesso riferimento ai maestri da cui hai tratto insegnamenti e ispirazione. Tralasciando per un momento la tecnica, sapresti individuare alcuni degli insegnamenti fondamentali che ti hanno lasciato?

«Hermann Zapf mi ha insegnato il valore del contemporaneo. Sosteneva che la calligrafia va di pari passo con quelli che sono i nostri gusti. Pensiamo solo a quante volte in questi decenni è cambiato il modo di presentare un piatto in un ristorante di lusso o come sono cambiati l’architettura e il design. Ecco, la tipografia segue le stesse dinamiche.

Parlando di calligrafia in senso stretto tutti rimangono stupiti dallo stile gotico, ma poi a livello commerciale nessuno lo chiede. Oggi si vuole una scrittura a pennello che dia l’idea di maggiore freschezza, qualcosa che possa identificare chiaramente la manualità del lavoro. Se sbagli il tipo di lettering sbagli anche il messaggio che vorresti trasmettere.

«La vera individualità sta nel capire come stai tu e cosa vuoi veramente. È un concetto che va bel oltre il semplice desiderio di fare il lavoro dei tuoi sogni». Luca Barcellona

Tra i tanti altri maestri che potrei nominare, non posso non menzionare Giovanni de Faccio: da lui ho capito l’importanza del momento in cui agisci, il cercare di più il pensiero prima dell’azione, prima di pensare di rifare o rimediare. Perché gli errori derivano quasi sempre da un mancato pensiero preventivo. È un concetto molto affine alla spiritualità orientale di cui sono un ammiratore.

Se hai una visione positiva delle cose e riesci a influenzare delle persone in questa visione stai già migliorando un pezzetto di mondo. La vera individualità sta nel capire come stai tu e cosa vuoi veramente. È un concetto che va bel oltre il semplice desiderio di fare il lavoro dei tuoi sogni».

Da profano non posso non pensare a come possa essere simbiotico il rapporto di un calligrafo con la carta.

«Credo che in un’altra vita verrò sicuramente punito per quanta ne ho buttata (ride ndr.). Durante un viaggio in Giappone ho avuto la possibilità di usare le tavolette grafiche di nuova generazione: ancora non sono assimilabili completamente a un vero strumento manuale, ma arriveranno presto a simularlo in tutto e per tutto. Ho pensato, però, che mi sarei impigrito usando solo la tecnologia, per cui ho deciso di fare ancora tutto a mano. Certo non posso fare a meno di notare che alcune cose stanno cambiando.

Una delle carte preferite da noi calligrafi, ad esempio, non viene più prodotta ed è disponibile solo su ordinazione. Questa cosa mi ha fatto riflettere. Penso però anche al fatto che in Giappone l’azienda che produce il pennino a lamelle parallele non riesce a stare dietro alle richieste. Per questo credo che non si possa predire nulla su quel che avverrà in futuro. Certo è che avere a disposizione una carta capace di regalare una forte sensazione tattile fa tutta la differenza del mondo e dà valore all’opera stessa che è stata stampata sopra».

Il titolo della tua biografia è un imperativo che invita a prendere molto sul serio le proprie passioni, una frase che mi è ritornata alla mente soprattutto quando racconti il periodo in cui alternavi il tuo lavoro in un negozio di elettronica con la tua attività di calligrafo, destreggiandoti tra giorni di ferie e permessi fino ad arrivare al momento in cui hai deciso di provare a seguire fino in fondo la tua strada..

«Quando da lavoratore dipendente con un mutuo sulle spalle andai dal mio capo per licenziarmi dicendo: “Vado a fare il calligrafo” la risposta suonò pressappoco come un: “Ma che cazzo stai dicendo?”. Mentirei se dicessi che ero sicuro di farcela. Però in qualche modo ho colto un momento di coraggio misto all’incoscienza di seguire l’istinto.

«La cosa peggiore in assoluto è rimanere nel piattume: quella zona grigia dove vivono coloro che sperano in una svolta e non si mettono mai in gioco per far sì che quella svolta accada». Luca Barcellona

Siamo sempre dettati dal raziocinio e dal buonsenso anche solo per un semplice motivo: i gesti d’istinto non trovano facile comprensione e condivisione. Quando sei appassionato e credi che quella sia l’unica strada da intraprendere ti togli ogni alibi, perché hai fame. L’agio non porta mai la creatività. L’inquietudine derivata dagli attentati dell’11 settembre ha portato un nuovo scenario di creatività.

La cosa peggiore in assoluto è rimanere nel piattume: quella zona grigia dove vivono coloro che sperano in una svolta e non si mettono mai in gioco per far sì che quella svolta accada».

 Articolo: Mauro Farina   Shooting fotografico: Luca Wallner 

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Un film nel quale, oltre ad alte dosi di adrenalina sparata dritta al cuore dello spettatore, emerge dirompente l’immagine di una comunità di surfisti e della loro filosofia selvaggia e avventurosa fondata sulla loro passione per il mare e le sue onde, elementi imprescindibili per appagare la loro voglia di libertà, e il rifiuto della vita convenzionale simboleggiata dai «quei morti viventi che strisciano sulle autostrade nelle loro infuocate bare di metallo.»

«Il surf è rivelazione. Ti cambierà la vita». Michele Vallenari

Senza spingerci troppo oltre, ciò che il surf rappresenta per Michele Vallenari, veronese, surfista, artigiano, può essere spiegato proprio con il termine “rivelazione”. Michele Vallenari può essere considerato l’esempio più evidente di come sia la passione a produrre il talento grazie alla tenacia, allo spirito di iniziativa e al coraggio di fare scelte tutt’altro che conservative.

Michele Vallenari mi ha colpito proprio per questo suo approccio diretto e frontale alla vita, e non ho potuto esimermi dal volerlo conoscere, andandolo a trovare nella sede di Passion Handcraft, il suo laboratorio artigiano di tavole da surf.

Grazie Michele per averci accolto nel tuo laboratorio per permetterci di conoscere la tua storia e la tua attività. A prima vista, dando solo una rapida occhiata intorno, ho l’impressione che la tua passione per il surf scaturisca da un’altra esigenza primaria. Ci puoi spiegare come è nato il percorso che ti ha portato a creare Passion Handcraft?

La mia vita ha due elementi fondamentali e imprescindibili: l’amore per la natura e per la manualità. Entrambi mi definiscono e mi distinguono come persona: non posso e non voglio prescindere da essi.

Una delle prime espressioni di questa vicinanza alla natura è stata senza ombra di dubbio la pratica dello snowboard. Fin dalla tarda adolescenza non perdevo occasione per aggregarmi al mio gruppo di amici in direzione dei monti per passare giornate intere su una tavola. La passione per lo snowboard è andata presto ben oltre la sola ricerca di discese più o meno difficili e ho provato a realizzare artigianalmente qualche tavola. Sono sempre stato bravo con le mani, ma ero assolutamente digiuno di nozioni in questo campo. Mi sono affidato agli unici insegnanti su cui potevo contare in tempi rapidi e senza costi aggiuntivi: i video tutorial su Youtube. Non ci volle molto per uscire su una pista con la prima tavola self-made realizzata da autodidatta.

Come nasce la tua passione per il surf?

Il passaggio al surf è sempre stato nella mia mente. La scintilla che ha messo in moto tutto il mondo che ho costruito fino ad oggi è nata da una vacanza a Capo Mannu in Sardegna, uno dei migliori spot in Italia per praticare questa disciplina. Ho imparato a surfare grazie all’aiuto e ai preziosi consigli di un ragazzo del posto e da allora non ho più smesso.
Mi sono immerso fin da subito: non solo in acqua, ma anche in quella che è una vera e propria comunità: ragazzi che condividono non solo una passione, ma un modo univoco di pensare che li accomuna in un senso di libertà assoluto e in un profondo rispetto per l’ambiente naturale che li ospita e li accoglie.

Anche in questo caso il solo appartenere a questa comunità non poteva essere sufficiente per i miei gusti. Volevo diventare un artigiano di tavole da surf.

«Mi sono immerso fin da subito: non solo in acqua, ma anche in quella che è una vera e propria comunità». Michele Vallenari

Anche nei tuoi primi tentativi di realizzare e tavole da surf hai iniziato da zero o ti sei affidato a qualcuno che potesse in qualche modo formarti sulla materia?

Non sapevo come iniziare a imbastire una tavola, ma avevo capito che non avrei voluto fare altro. Quindi, per imparare, decisi di rivolgermi ai migliori sulla piazza: nel 2011 partii per l’Australia.
Dopo nemmeno tre mesi venni assunto come apprendista da Mark Riley, uno degli artigiani più rinomati nel mondo del surf. Mark rimase estremamente colpito dalla passione che mettevo nel lavoro: mi destinò fin da subito alla resinatura delle tavole, uno dei processi di produzione più importanti e delicati. Però entrambi eravamo consapevoli che la sola passione per quello che facevo non era ancora in grado di compensare la mia mancanza di esperienza. Mi convinsi che, per fare di quella attività il lavoro della mia vita, dovevo impegnarmi ancora di più.

«Non sapevo come iniziare a imbastire una tavola ma avevo capito che non avrei voluto fare altro». Michele Vallenari

Mi presi quindi la briga di cercarmi un artigiano che, nelle mie giornate libere, potesse insegnarmi tutti i segreti del mestiere e colmare così le mie lacune. Lo trovai nella persona di Karl Schaefer, un maestro riconosciuto tra gli artigiani del settore con decine di collaborazioni con le più importanti aziende esistenti, ad un’ora e mezza da Cronulla, cittadina dove risiedevo (a Sud di Sidney ndr.).

Karl è stato un mentore per me: per due anni ho passato tutti i weekend ad imparare le varie fasi di produzione delle tavole da surf, mentre durante la settimana lavoravo da Riley. I risultati non tardarono ad arrivare: potevo finalmente definirmi un artigiano del surf anche io, allievo di alcuni tra i migliori maestri.
La fine di quell’avventura è stata dettata da due motivi: da un lato un grave infortunio al ginocchio che mi constrinse al ritorno in Italia. Dall’altro la mancanza di occasioni per socializzazione al di là del surf. La distanza da una città cosmopolita, come ad esempio Sidney, non consentiva grandi occasioni di fare nuove conoscenze, quantomeno per uno straniero come me.

Da quanto mi racconti le tue scelte di vita sono sempre state drastiche, hanno comportato fatica, sacrifici e distacco da casa. Al contempo ti hanno portato innegabili soddisfazioni personali. Immagino che al tuo ritorno, con un curriculum così ricco e con maestri di livello superiore, tu non abbia avuto problemi a inserirti in una realtà artigianale italiana. Corretto?

Al contrario. Al mio ritorno domandai a diversi produttori artigiani di poter collaborare con loro ricevendo solo rifiuti. Purtroppo ho rapidamente constatato come in Italia sia difficile anche solo riuscire ad aprire una qualche forma di collaborazione. Dall’altra parte del globo, invece, senza sapere una parola di inglese ho trovato subito disponibilità solo grazie alla mia voglia di fare. L’unico merito che mi attribuisco è quello di non aver pensato di mollare nemmeno per un secondo: volevo fare questo lavoro ad ogni costo. Decisi di mettermi in proprio, iniziando ad allestire il posto dove ci troviamo ora.

Siamo appunto ospiti del tuo laboratorio, proprio di fronte ad una tavola in fase di realizzazione. Quante e quali sono le fasi di produzione?

Esistono diversi tipi di costruzione: la tavola classica in poliuretano che viene resinato con della resina poliestere, oppure si può utilizzare dell’EPS (polistirolo ndr.) resinato con una resina epossidica.

La scelta dei materiali è di fondamentale importanza per me ed è dettata dal contributo che voglio dare al rispetto dell’ambiente: lavoro solo con il polistirolo EPS perché è totalmente riciclabile ed è meno inquinante durante il processo di produzione. Inoltre, le resine che utilizzo sono totalmente ecofriendly.

Si parte ovviamente dal materiale grezzo. In un primo momento, al blocco di polistirolo vengono applicate lateralmente delle dime che lo tengono fermo. Si passa un filo caldo per dare la prima forma alla tavola e successivamente si applica alla tavola stessa l’anima in legno che ne conferisce stabilità.
Otteniamo quindi una tavola al grezzo, pronta per essere lavorata nel dettaglio. Una volta terminata questa fase si conclude il lavoro con la resinatura.

In due anni sei passato da trasferirti dall’altra parte del globo a tornare e metterti in proprio partendo letteralmente da zero: come sei riuscito a creare un tuo mercato, una rete di clienti che ti permettesse di iniziare l’attività e di crescere?

È stato come applicare la teoria dei centri concentrici alla mia attività: ho iniziato dapprima a realizzare tavole per alcuni amici e poi sono stato aiutato dal passaparola. Infine, una grande mano mi è stata data dai social network: i contatti nati grazie ai miei profili Facebook e Instagram sono stati fondamentali per far crescere la mia attività. Non faccio mai stock di materiali: lavoro solo su ordinazione senza avere mai giornate vuote. E tutto questo in due anni. Non potrei chiedere di meglio.

L’allestimento del tuo laboratorio rispecchia fedelmente il tuo rapporto con la natura: si nota non solo dai materiali che utilizzi ma anche e soprattutto dall’arredamento. Se non fossimo all’interno di un capannone giurerei di essere seduto dietro ad una sorta di baita di montagna. Cosa hai portato del tuo stile vita nel tuo lavoro?

Ogni surfista ha una spiccata predisposizione al rispetto per l’ambiente, a prescindere dalle mode. La mia affinità verso la natura non è una cosa che si costruisce a tavolino, ma nasce dall’istinto, dalle sensazioni che provo quando faccio attività sportive e mi sento bene a contatto essa.

La scelta di usare solo materiali ecosostenibili per il mio lavoro nasce solo da questa consapevolezza.

«Ogni surfista ha una spiccata predisposizione al rispetto per l’ambiente, a prescindere dalle mode». Michele Vallenari

La passione per il surf porta al rispetto assoluto dei luoghi che mi ospitano: rispetto che nasce dalla bellezza dello spot dove sto praticando. Ho l’istinto di preservare questa bellezza, non solo per me ma anche per gli altri. Vivo questa filosofia ogni giorno e la confermo anche nel mio modo di lavorare. L’industria del surf, quella della produzione industriale di massa, a mio avviso si distacca dalla vera realtà dello spirito degli appassionati.
La produzione di serie fa a pugni con la filosofia del surf perché scende a compromessi a favore della mera logica commerciale dei numeri. Io punto tanto sul fattore ecologico e sono sicuro che anche il mercato stesso stia andando in questa direzione. Non importa che questo sia una moda oppure no, io ne sono pienamente convinto.

Mi accennavi prima alla tua scelta di diventare un libero artigiano, vista la totale mancanza di opportunità di lavoro con le realtà del settore già esistenti in Italia. Secondo te, cosa manca al nostro Paese per competere con i concorrenti esteri?

In una parola sola: collaborazione. Ognuno è geloso di quello che fa e nessuno pare disposto a insegnare a terzi: manca la presa di coscienza del fatto che sia possibile crescere attraverso il supporto reciproco. In Italia ci sono artigiani bravissimi, dal punto di vista del prodotto non abbiamo niente da invidiare agli australiani che hanno solo il vantaggio di avere più spot disponibili per provare le proprie tavole. La differenza sta nel fatto che nel nostro Paese ognuno fa sistema a sé. Credo, però, che esista un modo per rompere questo circolo vizioso. Curando ad esempio le proprie relazioni personali e spiegando che, attraverso la mutua collaborazione, si possono raggiungere risultati comuni e soddisfacenti per tutti. Ci vuole tempo, pazienza e onestà nelle intenzioni, ma sono sicuro che questa sia l’unica strada da percorrere.

Hai trascorso quasi due anni della tua vita in Australia: non solo per imparare il mestiere ma anche, immagino, per godere di alcuni tra i migliori spot al mondo con la tua tavola da surf. Indubbiamente, avrai avuto diverse occasioni per conoscere i surfisti autoctoni. Il movimento del surf australiano è molto diverso da quello italiano come tradizione, rituali o regole?

È sicuramente diverso, anche perché la cultura australiana di questa disciplina ha radici molto più antiche. Quello che invece le accomuna è il cosiddetto localismo. Esistono alcune regole non scritte per l’utilizzo dei vari spot, regole che devono essere rispettate. Se, come “forestiero”, le trasgredisci non sarai di certo ben visto dai surfisti del luogo, fino ad essere apertamente osteggiato.

«La cosa che più mi rende felice è constatare il gruppo di amici appassionati che ho contribuito a creare». Michele Vallenari

Oggi sei il titolare di una realtà, Passion Handcraft, che rispecchia esattamente la tua persona ed il tuo animo. C’è un altro elemento particolare che ti rende felice in tutta questa avventura?

La cosa che più mi rende felice è constatare il gruppo di amici appassionati che ho contribuito a creare: mi rendo conto di essermi circondato inconsciamente di belle persone con cui si è creato un feeling non comune, un legame che diventa sempre più stretto, avendo come unico strumento una tavola da surf. Questo non mi porta niente dal punto di vista economico, ma mi fa sentire ricchissimo e felice: più felice persino di quando mi ritrovo qui, da solo, di fronte a un pezzo di polistirolo grezzo, a realizzare una nuova tavola.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Davide Galandini 

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Entrare nella sede di Apache Customs rappresenta solo il primo passo per prendere consapevolezza di quanto detto poc’anzi. Quello che, visto da lontano, potrebbe sembrare un anonimo capannone ADDOSSATO ad altri in un’anonima zona industriale del Veneto, altro non è che l’involucro di un’esperienza per chi vi accede. 

Apache Customs è questo e tanto altro: una società di appassionati restauratori, un brand che va oltre il mero concetto di passione motociclistica e il marchio dietro al quale si celano tre amici, tre ragazzi veronesi che hanno voluto dare forma e sostanza ai loro sogni.
Luca Danese, Roberto Butturini e Giorgio Zamboni costituiscono l’anima e il motore di questo progetto. Al loro fianco anche Jacopo Bucciotti, laureato al Politecnico di Milano proprio con una tesi dedicata alla nascita e allo sviluppo di Apache Custom.

Grazie ragazzi per averci accolto nel vostro garage. Da vero appassionato del genere non posso che essere stupito da quanto ho avuto modo di vedere. Il garage nel suo complesso, le moto che fanno bella mostra di sé nella zona officina, la scelta degli arredi. Niente sembra lasciato al caso e denota non solo un’estrema professionalità ma anche un’attenzione al dettaglio non comune. Mi potete raccontare la genesi del progetto Apache Customs?

Luca –  Il progetto Apache Customs nasce in origine da una pura e semplice passione per la moto, mia e di alcuni amici. Circa due anni fa iniziammo quasi per gioco a restaurare alcune motociclette acquistate per noi stessi e per i nostri amici.

Contemporaneamente decisi di aprire una pagina Facebook destinata sia a raccontare la cronistoria dei nostri lavori, sia il mondo custom in generale. Il caso ha voluto che venissi contattato da Panorama: la rivista era in procinto di aprire una rubrica dedicata alle realtà imprenditoriali emergenti italiane, ed evidentemente l’argomento e la nostra comunicazione social li avevano colpiti. Ma in quel momento eravamo niente di più che un gruppo di amici appassionati al mondo delle due ruote, non certo un’azienda.
Non mi persi d’animo e compresi subito l’opportunità che si stava prospettando: ottenere una visibilità tale da permettere di trasformare quello che era poco più che un hobby in una professione vera e propria. Con l’aiuto dei miei amici allestimmo in meno di una settimana un ufficio e un’officina utilizzando quanto avevo a disposizione: una serie di container prefabbricati da cantiere posizionati nel piazzale antistante casa mia.
“Panorama” pubblicò l’articolo e il riscontro non solo fu immediato, ma superò anche le più rosee aspettative. Venimmo subissati di messaggi e commenti sulla nostra pagina Facebook: tutte persone interessate ad acquistare moto restaurate e customizzate da noi o intenzionate a farsi personalizzare la propria due ruote.

«Con l’aiuto dei miei amici allestimmo in meno di una settimana un ufficio e un’officina utilizzando quanto avevo a disposizione: una serie di container prefabbricati da cantiere POSIZIONATI nel piazzale antistante casa mia».

Mi resi subito conto che, in un attimo, la cosa era diventata dannatamente seria.
Nella mia immaginazione mi ero già spinto ben oltre l’idea di aprire un’officina: pensavo ad Apache Customs come ad un brand che trasmettesse l’idea di uno stile di vita. Una passione pura e forte che potesse esprimersi in diversi ambiti: dal motociclismo all’abbigliamento, dall’organizzazione di eventi musicali alle serate e molto altro.
Ma in quel momento era indispensabile guardare alla realtà dei fatti e operare concretamente i primi passi.
Mi incontrai quindi con Roberto e Giorgio, amici di vecchia data e meccanici per la concessionaria locale della Harley Davidson. Tra una chiacchiera e l’altra nostri sogni ad occhi aperti si stavano concretizzando a parole.

Roberto –  Il mio percorso prima di arrivare ad aprire Apache Customs è sempre stato contrassegnato dalla mia passione per la meccanica. Dopo gli studi all’Istituto Tecnico ho lavorato per diverse officine fino ad approdare in Harley Davidson nel 2011. Per quanto lavorassi su moto fantastiche soffrivo i limiti e le restrizioni della vita da dipendente. Venni a sapere che Luca aveva iniziato a customizzare moto in casa sua. Ci trovammo insieme a lui e a Giorgio, mio collega in officina, e Luca ci spiegò il progetto per filo e per segno. Non era solo un’idea ma una vera e propria visione. Capii che con impegno e dedizione tutto avrebbe potuto funzionare.
A raccontarlo adesso pare sia passata un’eternità, ma abbiamo iniziato nel 2014. Ogni lunedì ci trovavamo per realizzare la nostra prima moto su commissione: una splendida Honda CB 500 Four. Dopo qualche settimana io e Giorgio ci licenziammo dall’officina.

Iniziammo a girare sia per mercatini per reperire moto da restaurare e rivendere sia per trovare la location giusta per la nuova attività. Siamo stati estremamente fortunati a trovare questo posto che si concilia perfettamente con la nostra filosofia.
In tre mesi abbiamo ristrutturato il capannone da cima a fondo creando il concept del nostro atelier. Il 12 gennaio 2015 abbiamo aperto ufficialmente questa vera e propria “esperienza” che prende il nome di Apache Custom Motorcycles.

«Abbiamo sempre avuto le idee molto chiare. L’aspetto che ci affascina maggiormente consiste nel provare a creare un qualcosa che non si esprima solo in un prodotto da vendere ma rappresenti una vera e propria emozione».

Ciò che colpisce immediatamente del vostro progetto è questa idea di brand che va ben oltre l’officina di customizzazione: un marchio che funge da contenitore della vostra filosofia che abbraccia un certo modo di vivere e di divertirsi. Mi sbaglio?

Luca – No, non sbagli. Nella mia testa il progetto Apache partiva già da questo presupposto. Abbiamo passato i primi mesi a restaurare moto e già pensavamo a come realizzare la nostra linea di t-shirt e il nostro marchio di birra artigianale, come allestire lo show room dove accogliere i nostri clienti e amici, dove aprire un nostro locale realizzato a misura e immagine delle nostre passioni.
Abbiamo sempre avuto le idee molto chiare. L’aspetto che ci affascina maggiormente consiste nel provare a creare qualcosa che non si esprima solo in un prodotto da vendere, ma rappresenti una vera e propria emozione.

La nostra sede ci dà un grande aiuto in questo intento perché si presta a essere un luogo polifunzionale. Puntiamo ad organizzare eventi musicali attraverso una partnership con amici con esperienza e competenza per gestire la parte artistica. Noi mettiamo il nostro brand e la location.

Jacopo – Il progetto di Luca, Giorgio e Roberto ha avuto fin dalle sue origini l’intento di aprire non solo un’officina che permettesse di ridare vita a moto d’epoca, ma un luogo fisico che consentisse di vivere un’esperienza. Ad un anno dall’inaugurazione quest’aspetto è evidente, e lo si nota soprattutto dall’atteggiamento delle persone che entrano in questo posto. Questa è la differenza principale che distingue Apache Custom rispetto ad altri progetti simili.
Ho conosciuto Luca proprio grazie all’articolo apparso su Panorama. Chiesi a lui di poter incentrare la mia tesi sul marketing esperienziale proprio sul suo progetto: un marchio costruito non solo sul prodotto, ma sulla sensazione o sulla serie di sensazioni che vengono fatte provare al cliente. Ho aiutato Luca nelle fasi iniziali del processo d’acquisto, di budgeting e di controlling.
Personalmente, dopo aver fatto una serie di esperienze lavorative anche importanti sono tornato in Apache Custom perché sono convinto che si stia realizzando quella che era la visione iniziale ed è bello farne parte e crescere insieme.

Siamo attorniati da decine di moto storiche in varie fasi di lavorazione: dai modelli pronti per la consegna a quelli che necessitano di profondi interventi di restauro. Come avviene la ricerca della materia prima, ovvero telai, pezzi e componenti speciali da utilizzare per il vostro lavoro?

Luca – Per la caccia al pezzo io e Roberto ci occupiamo di recuperare la moto da cui partire, a meno che non sia il cliente stesso a portarci la sua. Abbiamo anche svariati clienti che provengono da tutto il Nord Italia con la propria moto customizzata per farsela ritoccare secondo il nostro gusto e secondo il nostro stile.
Più passa il tempo, più si ampliano i nostri canali di approvvigionamento. C’è naturalmente ancora bisogno sia della conoscenza giusta, sia di battere palmo a palmo non solo le mostre scambio ma anche i siti dedicati e le aste online.

«Comunque vada siamo però consapevoli di una cosa: una volta finita la moda di avere una cafe racer in garage rimarranno solo i veri appassionati. Sono questi i clienti che ci rendono felici di fare questo lavoro».

Negli ultimi anni si è assistito ad una vera e propria esplosione di interesse per le moto in stile Cafe Racer: ho il fondato timore che questa sorta di ribalta si possa tramutare in una moda passeggera. Alle figure storiche del mondo della customizzazione si sono affiancate nuove realtà di questo tipo in tutto il mondo, dalla California all’Estremo Oriente passando ovviamente per l’Europa. Ritenete questo momento un fenomeno transitorio o una situazione esistente da tempo che aveva solo bisogno di venire alla luce?

Luca – Credo siamo di fronte ad una moda passeggera, ma proprio questa consapevolezza ci serve per costruire il futuro. Stiamo vivendo un momento in cui ogni officina può cavalcare l’onda per farsi conoscere e crescere. Noi siamo estremamente consapevoli di avere a disposizione un lasso di tempo di circa due anni per consolidare il nostro brand prima che quest’onda si esaurisca.

Quello che ci distingue, a prescindere dalle mode, è la passione viscerale che abbiamo per le moto: sportiva, custom o stradale che sia. In ognuna riusciamo a trovare qualcosa che ci affascina. Proprio per questo motivo è nostra intenzione creare con Apache Custom un percorso esperienziale, qualcosa che vada oltre la semplice customizzazione. Comunque vada siamo consapevoli di una cosa: una volta terminata la moda di avere una cafe racer in garage rimarranno solo i veri appassionati, quelli che non ti chiedono di scopiazzare una moto vista su un sito o su una rivista, ma che vogliono condividere con noi un’idea, e con essa una passione. Sono questi i clienti che ci rendono felici di fare questo lavoro.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Adriano Mujelli 

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Credo esistano diversi modi per scrivere di motociclismo. Lo si può fare utilizzando un approccio squisitamente tecnico, ad esempio. Oppure è possibile spingersi oltre tentando di trovare un significato metafisico dietro ad un manubrio, un motore e un gruppo di cilindri come fece Robert Maynard Pirsig nel suo romanzo “Lo zen e l’arte della manutenzione della Motocicletta”.

L’incontro con Nicola Martini, alias Mr. Martini, figura di riferimento nel mondo della customizzazione, mi permette di affrontare l’argomento nel solo modo che conosco: attraverso il racconto dei sogni, dell’animo e della visione del futuro di un uomo che ha fatto delle “due ruote” il suo personale centro di gravità.

Non è umanamente possibile parlare di Nicola senza aver visitato il suo mondo. Il suo atelier, ad esempio: un vero e proprio salotto nel quale fa bella mostra di sé una Triumph Sprint 900, modificata e trasformata in un cimelio da esposizione. «La prima moto Triumph che ho venduto nel 1994 e che ha rappresentato il primo mattone per costruire quanto sono riuscito a realizzare in questi anni», ci dice.

Gli occhi di Nicola Martini parlano. Si illuminano ogni qualvolta si sofferma a guardare un dettaglio, che sia una carena smontata, un telaio su banco di lavoro o una moto in attesa di essere riportata a nuova vita: ogni pezzo costituisce una storia da raccontare.

Un mondo, il suo, che non si ferma ad uno showroom e ad un’officina di elaborazione. Da pochi mesi, all’interno di un ex distributore di benzina anni ’50 dapprima adibito a concessionario, ha inaugurato il suo locale “Special Cafè”. Un luogo che rappresenta in pieno la sintesi del suo pensiero. «Un posto dedicato al mio stile di vita, un punto di riferimento dove ammirare moto uniche nel loro genere, abbandonarsi a un drink e avvicinarsi a un mondo anche per chi su una moto non ci è mai salito».

Gli occhi di MR. MARTINI parlano. Si illuminano ogni qualvolta si sofferma a guardare un dettaglio, che sia una carena smontata, un telaio su banco di lavoro o una moto in attesa di essere riportata a nuova vita: ogni pezzo costituisce una storia da raccontare.

Grazie Nicola per averci aperto le porte del tuo mondo. Puoi raccontarci come le due ruote sono entrate nella tua vita?

Devo tornare con la mente a quando ero uno studente dell’istituto alberghiero. A quei tempi mi dividevo tra la scuola e l’attività paterna del distributore di benzina con annesso lavaggio. All’epoca le stagioni estive nei ristoranti, per uno studente come me, erano molto remunerative. Riuscivo a ritagliarmi una piccola indipendenza economica che mi permise di comprare la prima moto all’insaputa dei miei genitori. Ad ogni modo, lavorare da mio padre al distributore mi piaceva perché mi consentiva di dedicarmi alla mia seconda passione dopo la cucina: la meccanica.

Ed è stato proprio lì che si è verificato l’evento che ha determinato poi le scelte più importanti della mia vita. Mi innamorai a prima vista di un Harley Davidson. Fermai il ragazzo alla guida che si era fermato per fare il pieno e gli chiesi cosa dovevo fare per poterne avere una tutta mia. All’epoca, e parliamo del 1984, vedere una Harley rappresentava un evento unico perché, in Italia, quelle moto non venivano importate.

Fui molto fortunato: bastarono alcune telefonate e il ragazzo riuscì a farmi acquistare dalla base militare USA di Vicenza una Harley Sportster. Avevo diciotto anni e potevo considerarmi uno dei pochi privilegiati possessori di un vero e proprio simbolo americano. Dopo la prima, seguirono altre due Harley Davidson.

Da motociclista a concessionario il passo è stato breve: come è iniziata l’avventura di Mr. Martini come “dealer” di motociclette?

“Rubai” a mio padre il chiosco del distributore per farlo diventare il mio spazio espositivo. Era il 1989 e cercavo un marchio che mi permettesse di iniziare il lavoro e, al contempo, di distinguermi rispetto agli altri marchi e concessionari già esistenti. Decisi, quindi, di iniziare l’attività vendendo le Royal Enfield. Si trattava di moto che rievocavano linee e filosofia degli anni ’50. Per certi versi rispecchiavano in pieno il mio desiderio di riflettermi in concetti molto classici.

Mi sono sentito un vero e proprio pioniere: le Enfield erano moto che definirei “rognose”: erano costruite in India e dovevano essere smontate, modificate e rimontate per poterle rendere affidabili. Fu così che mi improvvisai meccanico, costruendo anche qualche pezzo in totale autonomia. A testimonianza di quel periodo ne conservo ancora una qui nel mio locale, ricomprata qualche anno fa e customizzata secondo il mio gusto.

Le Royal Enfiel hanno però rappresentato solo il primo passo del tuo percorso in questo mondo. C’è stata, negli anni a seguire, una figura determinante per la tua crescita personale e professionale?

Si, e risponde al nome di Carlo Talamo.

Carlo è stato un personaggio fuori dal comune che ha avuto il merito di creare il fenomeno Harley Davidson in Italia e di riportare le moto Triumph nel nostro Paese. Lo conobbi in occasione del Salone di Milano nel 1993, esprimendogli subito la mia ammirazione per la sua attività nel mondo Harley. In una sua visita a Verona gli mostrai gli spazi della mia piccola concessionaria.

«Vendetti la mia Harley DAVIDSON personale per avere il capitale sufficiente a intraprendere la nuova attività». Mr Martini

Grazie al suo sostegno aprii nel febbraio successivo la concessionaria Triumph veronese Numero 3 . Il chioschetto rubato a mio padre poteva ospitare fino a tre moto. Piano piano mi allargai occupando anche la sala adibita al cambio dell’olio. Vendetti la mia adorata Harley per avere il capitale sufficiente a intraprendere la nuova attività. Vivevamo ancora nell’epoca in cui bastavano pochi soldi e tante buone idee per dare vita a un progetto. Oggi tutto questo non è più possibile. Per intraprendere progetti a lungo termine bisogna avere risorse economiche ingenti e soprattutto la capacità di vedere oltre l’orizzonte.

Il primo anno vendetti sei moto, il secondo anno riuscii a raddoppiare il fatturato. La mia avventura con Triumph aveva avuto ufficialmente inizio.

«Ho iniziato a customizzare le moto fin da subito. Concentravo il mio lavoro su qualche piccola elaborazione: verniciature, modifiche agli scarichi e poi via via modifiche sempre più profonde. Era un’impresa trovare anche solo i pezzi necessari a rendere le moto veramente uniche». Mr Martini

Già nei primi anni mi dilettai nei primi esperimenti di creazione di moto special; ero l’unico referente nel Triveneto sia per il marchio Triumph che per la customizzazione delle moto.

Come si è sviluppata l’attività dopo l’apertura del concessionario?

Ho iniziato a customizzare le moto fin da subito. Concentravo il mio lavoro su qualche piccola elaborazione: verniciature, modifiche agli scarichi e poi via via modifiche sempre più profonde. Era un’impresa trovare anche solo i pezzi  necessari a rendere le moto veramente uniche.

Hai affrontato in quel periodo momenti cruciali o particolarmente difficili?

Il 1999 ha rappresentato un altro anno di svolte e scelte importanti. Nonostante stessi bene nella mia condizione economica decisi di rischiare. E rischiai avendo comunque la pazienza per trovare la location maggiormente adatta ad ingrandire l’attività. Trovai dopo un anno di ricerche il posto dove siamo seduti ora: una vecchia stazione di servizio ESSO degli anni ’50. L’investimento è stato ingente. Carlo Talamo mi appoggiò in questa operazione contribuendo a fornirmi tutta la materia prima di cui avevo bisogno: le moto.

Nel mentre, continuavo a customizzare. Iniziai a realizzare le prime Cafè Racer utilizzando come base i vecchi modelli Trident. Buona parte del tempo era dedicato anche alla caccia di componenti e parti meccaniche nei mercatini che mi permettessero di personalizzare le moto al punto tale da renderli dei pezzi unici. Credo di essere stato uno dei primi a creare dei kit di personalizzazione specifici, in questo caso per la Triumph. Ho avuto il merito di identificare uno stile e dargli continuità nel tempo.

Ad ogni modo, Il kit rimane una soluzione standard, a rischio di ulteriore omologazione. Per questo ho continuato anche a personalizzare moto per darle un aspetto unico e inimitabile.

Nel tuo presente e nella tua carriera vanti una serie di collaborazioni con marchi prestigiosi come Ducati, BMW, Kawasaki e altri. Come è iniziato questo percorso di partnership?

Alla fine del 2003 mi fece visita l’amministratore delegato di Triumph. Rimase affascinato dai modelli unici che ero stato in grado di creare. In particolare, rimase impressionato dai colori e dalle forme. Tornò in Inghilterra convinto che dovessi lavorare per loro. L’anno successivo mi fece inviare un modello di pre serie della Truxton da customizzare. L’intenzione dell’azienda era quella di affiancare il modello speciale alla moto di serie in occasione della presentazione in anteprima mondiale. Ignoravo però il fatto che altri due modelli di preserie erano stati inviati ad altri due customizzatori. Alla fine scelsero il mio progetto. La moto venne presentata all’Ace Cafe di Londra. Quella fu l’occasione in cui mi affermai ufficialmente in ambito internazionale.

La collaborazione stretta con Triumph mi ha permesso di uscire dai confini nazionali e di farmi conoscere nel mondo.

Oggi siamo ospiti di “Special”, il locale dalle tante anime (officina, store, bar e ristorante) dedicato esclusivamente al mondo delle due ruote, nato dopo la chiusura del tuo rapporto storico con Triumph. Si può affermare che tu sia riuscito a creare un’identità in cui non solo i biker, ma anche persone apparentemente lontane dal mondo della moto, si possono identificare? Era un tuo obiettivo o una conseguenza che solo ora stai constatando?

Il mio sogno era quello di provare ad andare oltre il mero concessionario, creando un vero e proprio concetto di vita slegato dai soliti schemi. Il fatto di aver realizzato un locale come “Special” non è da ricondurre strettamente alla mia personalità di biker, ma ad una visione più generale delle cose: visione che vuole essere espressione di gioiosità e che permetta alle persone di entrare in atmosfere insolite e vivere emozioni differenti. Anche per coloro che non sono mai saliti su una moto.

Perché anche immergersi in questo mondo da semplice osservatore ti permette di entrare in un diverso stato di libertà mentale. Libertà intesa come la capacità di esprimere sé stessi non solo in sella, ma nella vita e nel lavoro di tutti giorni. Solo così ci si può sentire ancora vivi.

«anche solo immergersi in questo mondo DA semplice osservatore ti permette di entrare in un diverso stato di libertà mentale. Libertà intesa come la capacità di esprimere sé stessi non solo in sella ma nella vita e nel lavoro di tutti giorni. Solo così ci si può sentire ancora vivi».

Cosa riserva il futuro di Mr. Martini?

Al momento non mi allontano dal mio locale. Perché per me oggi “Special” rappresenta il luogo più bello del mondo. Quello che forse mi manca è la possibilità di isolarmi, di stare un momento per i fatti miei. La mia solitudine, i miei spazi sono fondamentali: ho bisogno, a volte, di restare da solo con i miei pensieri. Ma ora non ho tempo. Voglio mettere a regime questa “macchina complessa”. Sicuramente troverò nuove formule di stimolo e innovazione, ma per almeno due anni voglio concentrarmi sulla consulenza per i marchi motociclistici che hanno necessità di tornare a contatto con il mondo reale, con la “strada”, come la intendo io.

Diamoci appuntamento tra due anni e vedremo insieme cos’altro sarò riuscito ad estrarre dal cilindro.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Adriano Mujelli

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Veronese di nascita e di vita, Michele ha quel tipo di personalità schietta e senza fronzoli, che fa di lui un creativo assolutamente sui generis. Oltre a essere conosciuto come affermato scultore del legno e come interior designer, Simeoni è un picker, uno scopritore di tesori, un ricercatore di oggetti dal passato recente, spesso nascosti in cantine o soffitte, altre volte esposti in mostra nei mercatini vintage o dimenticati nei robivecchi di provincia. La sua storia parte da qui, dalla voglia di “dare nuova vita alle cose vecchie”. 

Michele, prima ancora di iniziare la tua carriera di scultore del legno, tu hai un passato da ricercatore di oggetti: quando hai capito che questa ricerca sarebbe potuta sfociare nella realizzazione di opere uniche? 

Non esagero quando affermo che già da bambino avevo abbastanza chiara la mia indole e la mia propensione a cercare e costruire. Eravamo all’inizio degli anni Ottanta e iniziavano a vedersi in Italia i primi skateboard importati da oltreoceano, costosissimi ma bellissimi agli occhi di un bambino come ero io. Non potendomene permettere uno, mi ingegnai subito per trovare una soluzione a quel desiderio irrealizzabile. Mi feci regalare da un falegname una tavoletta di legno di abete e la tagliai nella misura corretta con un seghetto. Sulla tavoletta montai poi i miei pattini a rotelle. Avevo sette anni e un mio skateboard.

Da lì è nata la mia passione per il modernariato e le cose da “aggiustare”, come le definisco io.

Questa tua particolare propensione alla manualità ha continuato a manifestarsi anche nell’adolescenza?

Esatto. Soprattutto per quanto riguarda tutti gli “oggetti del desiderio” tipici per quell’età. Come la prima Vespa, ad esempio. Non la volevo identica a tutte le altre: desideravo un mezzo che fosse unico e che mi rappresentasse pienamente. Disegnai da zero le carenature e me le feci realizzare da un carrozziere. Così feci anche per la moto successiva. La passione per customizzare moto mi è poi rimasta nel sangue. Non ho però una data o un’età a cui posso far risalire l’inizio della mia passione per quello che faccio oggi: credo di avere avuto da sempre un’ottima manualità, e assieme a quella il desiderio di avere oggetti che mi piacessero. Non potendomeli spesso permettere o li realizzavo ex novo o li sistemavo. Quel che si dice “fare di necessità virtù”!

Come si è realizzata la parziale transizione tra la ricerca e il commercio di modernariato con la realizzazione di opere artistiche?

Ho passato anni a girare per case, soffitte, edifici abbandonati e mercati con il mio amico antiquario Alessandro Pescetta.

E spesso mi sono trovato ad ammirare vecchi mobili in legno ormai inutilizzabili come tali, ma quando si ha la possibilità di toccare quelle vecchie assi è possibile percepirne la materia. E la materia è vita.

“Ho passato anni a girare per case, soffitte, edifici abbandonati e mercati. E spesso mi sono trovato ad ammirare vecchi mobili in legno ormai inutilizzabili come tali, Ma quando si ha la possibilità di toccare quelle vecchie assi è possibile percepirne la materia. E la materia è vita. “

È stata quella consapevolezza che ha dato il via alla mia seconda attività. Ho iniziato a cercare tutto il materiale che potesse mettermi nelle condizioni di esprimere la mia creatività: nel 2007 ho acquistato dal fallimento di un falegname buona parte delle macchine indispensabili per iniziare a lavorare il legno.

Ho imparato ad utilizzarle senza che nessuno mi abbia mai insegnato alcunché e,  da quel giorno, è partita la mia avventura.

Tra le tue sculture si denota una spiccata preferenza a rappresentare dei pesci. C’è un motivo particolare? 

Il pesce è diventato, oltre all’opera che ha contribuito a costruire la mia carriera, anche la mia firma personale nei lavori di interior design. Non è un animale scelto a caso: il pesce è l’unico animale in natura che non si può gestire perché è imprevedibile e indomabile.

«Il pesce è uno dei pochissimi animali in natura che non si può gestire perché è imprevedibile e indomabile». Michele Simeoni

Il tuo lavoro ha una fortissima connotazione con la materia, e dai tuoi lavori traspare fortemente questo rapporto vitale. Come riesci  a relazionarti con essa?

Il legno antico ai miei occhi è in grado di regalare sensazioni incredibili. È simbolo e materia al tempo stesso. Per spiegare meglio questo concetto cerco di riferirmi ad un esempio pratico citando un grande artista come Maurizio Cattelan: il suo stile e la sua arte mi piacciono enormemente. Cattelan usa oggetti e simboli della nostra società. Prendo ad esempio la statua di Karol Wojtyla colpito da un meteorite. Questa, come le altre, non è una scultura che vive di luce propria, ma si fa forza dell’immagine stessa del personaggio noto che vi è rappresentato. Le mie sculture invece, a mio parere, brillano di luce propria. La definirei come materia che dà sensazione: il legno antico è così, è in grado di regalare emozioni, è simbolo e materia al tempo stesso.  Naturalmente tutto sta negli occhi di chi guarda, altrimenti quello che si vede resterà sempre e comunque un semplice pezzo di legno.

Quando intraprendi un progetto di interior design, sempre utilizzando il legno antico come materia prima, hai un approccio al lavoro differente rispetto alla realizzazione di una tua scultura?

Non progetto mai. Se il risultato mi sembra adeguato ne sono felice, altrimenti lascio perdere. Potrebbe essere un limite, per altri, ma per me rappresenta il più forte tratto distintivo.

Nei miei lavori non sono un calcolatore, mi affido completamente all’estro e all’istinto del momento e del contesto nel quale mi viene chiesto di lavorare. Sono totalmente allergico ai disegni predefiniti. Al punto tale da rifiutare di eseguire un lavoro se il committente mi presenta un qualsivoglia progetto o disegno di un interior designer.

Sia quando scolpisco il legno per una mia opera sia quando devo realizzare un progetto di interior design l’approccio è il medesimo. Non ho nessuna pazienza, sono isterico e istintivo nel mio lavoro. 

Tutto è disegnato nella mia mente, taglio e assemblo quasi in automatico. Proprio per questa istintività estrema ci sono lavori che non mi piacciono e che quindi accantono. I pezzi belli li sento subito, ed allo stesso tempo ci sono delle cose che non voglio nemmeno rivedere e le nascondo ma, magari dopo un anno che li ho messi in castigo, riesco a trovare una giusta collocazione e a cambiare il mio punto di vista. Se poi, durante la lavorazione, il pezzo si spacca la cosa non mi preoccupa. È un buon motivo per rimetterci le mani. E per sentirmi nuovamente me stesso.

Articolo: Mauro Farina Shooting fotografico: Adriano Mujelli

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È stata una scelta impegnativa quella di Adriano, infatti ha deciso di proporre il suo lavoro di orafo con le sue opere artistiche in due contesti differenti: un contesto veronese, terra di vini e arte, e un contesto estivo, quello che popola l’estate della Costa Smeralda.
Ed è in prossimità di Porto Cervo che Adriano ha scelto di stabilire il suo negozio-laboratorio di oreficeria, mentre il suo nuovo studio da visual artist e fotografo, inaugurato nel 2014, è stato aperto nell’elegante centro storico veronese, ed è un raro esempio di laboratorio aperto ad eventi e incontri dove si possono apprezzare opere in cui l’artista reinterpreta in maniera del tutto nuova il simbolismo urbano. Incontriamo Adriano Mujelli nel suo atelier di Verona, appena in tempo prima del suo trasferimento estivo in terra Sarda.

Inizio seguendo un ordine cronologico: Adriano quando hai deciso di investire in proprio aprendo un laboratorio orafo in Sardegna?

La mia decisione è nata dall’amore spropositato che nutro per questa terra e per lo stile di vita che mi poteva regalare.
Aria pulita, il mare a portata di mano, un clima sempre ventilato e dolce, ritmi lavorativi intensi ma mai frenetici.
La possibilità di confrontarmi a livello lavorativo con una clientela internazionale è stato molto stimolante, e mi ha portato a sviluppare linee nuove, che senza la Sardegna non sarebbero mai nate.
A tutto questo si aggiunge l’incredibile serenità che mi dà questa terra che è stata spesso rifugio per riordinare idee e raccogliere energie, e fonte di ispirazione per progetti fotografici che solo qui potevano prendere forma.

“Verona e Sardegna” sono due realtà diverse, che ti hanno portato percorsi creativi profondamente differenti, e dopo anni trascorsi in queste due realtà sei riuscito a raggiungere una sintesi della tua dimensione artistica?

Potrei dire di sì, anche se di vera e propria sintesi non parlerei, al contrario, vivere costantemente due luoghi molto diversi con stili di vita estremamente differenti mi ha portato ad assorbire una moltitudine di stimoli creativi ampia e differenziata, come se vivessi due vite contemporaneamente.
Oggi porto avanti diversi progetti, creando contaminazioni continue fra i tre miei strumenti d’espressione artistica preferiti, la gioielliera, la pittura e la fotografia.

Come reputi Verona oggi per la crescita di un artista?

Sicuramente Verona non è Londra o New York, però credo fermamente che ciò che dipingo oggi non sarebbe mai potuto nascere nelle grandi metropoli sopracitate.
Gli influssi dei muri cittadini della mia Verona, i sapori, i colori, sono sempre presenti nei miei quadri.
Premesso questo, ti dico che parlando con altri colleghi artisti sparsi per tutta Italia, incontro problematiche similari a quelle che incontro a Verona, ma questo non mi scoraggia, anzi lo prendo come uno stimolo per fare.
Io non sopporto le persone che sanno solo lamentarsi di ciò che non va, poiché lo considero un atteggiamento poco costruttivo.
Se ci sono delle rivoluzioni da fare nel mondo dell’arte, chi può farle meglio degli artisti?

I tuoi lavori di fotografia sono più diversificati rispetto alla tua produzione di quadri o trovi un continuum nelle due forme espressive?

Il percorso fotografico è ancora in una fase di definizione, in uno stato embrionale, per questo cerco di spaziare e sperimentare il più possibile, anche se ho dei progetti in fase di sviluppo che seguiranno una linea ben definita.
I miei quadri al contrario hanno delle fondamenta molto più mature, e questo porta a una crescita stilistica e di contenuti molto più graduale.
Un continuum attualmente non esiste, perché fondamentalmente pittura e fotografia sono due strumenti espressivi estremamente differenti, anche se spesso la fotografia è fonte di ispirazione di alcuni miei quadri.

Sono realmente affascinato dalla tua reinterpretazione del simbolismo urbano; quali sono per te gli elementi indispensabili che ti portano a catturare un’immagine, un dettaglio per poi reinterpretarlo su tela?

I luoghi dove nascono le idee per i miei quadri sono i più disparati, posso essere ebbro in un locale alla moda della “Costa”, come in pub alternativo di Verona, o passeggiando per le vie di Berlino o Londra.
In realtà non  esiste un luogo ben definito, ma esistono spazi che predispongono uno stato mentale, e in quei momenti per me è fondamentale avere sotto mano il mio taccuino, per congelare con un rapido appunto quella idea, forma o pensiero.
C’è da dire inoltre che sicuramente gli influssi degli anni Ottanta sono tangibili in molte mie opere a livello iconografico, e tuttora la cultura metropolitana underground gioca un ruolo fondamentale nel loro sviluppo.
Come qualsiasi persona che vive nel mondo occidentale subisco un bombardamento passivo costante di immagini, ma invece di raggiungere una assuefazione, assorbo come una spugna e rielaboro e disegno disegno disegno…

L’apertura di uno spazio fruibile anche al pubblico di tuoi estimatori e clienti rappresenta indubbiamente un investimento di tempo ed economico non indifferente. Al contempo altri artisti stanno concentrandosi maggiormente sull’utilizzo di social network , in primis Instagram, addirittura per la vendita delle loro opere.  Ritieni l’affidarsi ai social  sia un passo necessario e imprescindibile o la relazione visiva diretta tra opera e cliente è ancora un passo fondamentale?

Social network e internet non possono sostituire l’esperienza di fruizione dell’arte ma oggi sono un fantastico strumento per diffondere e attrarre persone verso l’arte, e se poi qualcuno vuole comprare un’opera vista on line, ben venga.
In realtà, anche se in chiave differente questa problematica esiste già da prima dell’avvento di internet e del fantastico mondo dei social.

Ho studiato per tanti anni storia dell’arte, prima al Liceo Artistico e poi in Accademia di Belle Arti, quasi sempre sui libri, alcuni pieni di illustrazioni e foto, spiegazioni dettagliate, ottimi per avere una infarinatura dell’arte, conoscerne la storia, la filosofia, le dinamiche che stanno dietro un’opera, un gruppo, un periodo, ma assolutamente inutili per restituire l’interezza dell’opera al suo lettore.
Per questo siamo sempre stati spronati dai professori più capaci a viaggiare, andare a vedere le opere d’arte nei luoghi in cui si trovano.
Quindi a meno che un’opera non sia progettata e realizzata espressamente per essere fruita dal web, e ne abbiamo diversi esempi, il 98% di informazioni cognitive vengono perse.
L’esperienza diretta, opera spettatore, è fondamentale e insostituibile.
Secondo me i social come la rete possono giocare un ruolo forte nel raccontare l’arte, le sue dinamiche, tendenze, nel presentare progetti, raccogliere spettatori, e mettere in comunicazione artisti da tutto il mondo.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Adriano Mujelli e Susanna Sfilio

L'articolo Adriano Mujelli, Jewelry Designer & Visual Artist, Workplace, Verona sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.