Amo la complessità dell’Essere Umano.

Cerchiamo di creare ogni genere di artifizio in modo completamente razionale e tecnico per lasciarci affascinare, ma il nostro istinto, quasi totalmente assopito, riesce ad accorgersene in un attimo.
L’asettica simmetria creata da Gustav nel suo progetto PERSPE attrae l’occhio umano, lo tiene su di sé per qualche momento, ma nel frattempo qualcosa dentro di noi stranisce: qualcosa di quasi stonato, contrario al concetto di equilibrio proprio della simmetria.

La risposta a questa sensazione sta proprio nell’artifizio: il nostro cervello riconosce come familiare la simmetria naturale, perfetta nel suo essere non esattamente speculare, ma rimane stupito e incuriosito dalla simmetria architettonica, o come in questo caso da una riflessione dell‘immagine allo specchio, tecnicamente non possibile in natura, accompagnata da una presenza umana decisamente strategica che fa del lavoro di Gustav Willeit qualcosa di diverso dal “reportage” per definizione, forse più vicino all’espressione artistica.

Le inquadrature, con le loro prospettive così studiate, destabilizzano l’osservatore.
Tutto viene specchiato artificialmente, ad eccezione della presenza umana che risponde a una logica diversa, indipendente, come potesse muoversi a suo piacimento all‘interno del fotogramma.
Dal punto di vista architettonico – ma più realisticamente in tutte le realtà che ricadono nella dicitura visual – il tema della simmetria è spesso causa di discussioni tra le diverse scuole di pensiero, tra chi la considera un fattore negativo e chi invece ne riconosce il valore nel latente bisogno di ordine insito all’interno dell’essere umano stesso.

Secondo l’architetto e urbanista Bruno Zevi la simmetria «è qualcosa di decisamente classico, istintivo, anche banale, che viene usato per soddisfare appunto quel bisogno di sicurezza, per contrastare la paura della flessibilità, della relatività della crescita, insomma del tempo vissuto. Si evoca il passato greco-romano mitizzandolo, per nascondere l’instabilità del presente».
È da sempre così: «la simmetria è la facciata di un potere fittizio che vuol apparire incrollabile. Gli edifici nel nazismo, della Russia di epoca sovietica sono tutti simmetrici. La divisione in due in base ad un asse, generalmente verticale, di un edificio lo rende infatti assolutamente semplice da comprendere perché immobilizza il movimento e non ha altro da dire».
Al contrario l’asimmetria destabilizza, incuriosisce, sbilancia nel vero senso della parola. Se pensiamo a Picasso, nessuno di noi dubita del fatto che fosse un sostenitore dell’asimmetria e che la usasse sapientemente per creare caos, per rendere l’idea di qualche accadimento decisamente concitato, per niente stabile.

Immanuel Kant ci insegna come “Tutte le regolarità rigide, come ad esempio le trame matematiche, sono intrinsecamente ripugnanti al gusto, in quanto la loro contemplazione non ci offre piaceri durevoli e ci stancano quasi subito”.
Se pensiamo che durante il Rinascimento italiano esisteva una corrente di pensiero per la quale il viso stesso dell’uomo veniva diviso in destra e sinistra, dove destra doveva rappresentare “l’io” mentre la sinistra il “non io”, possiamo renderci conto si quanto simmetria-asimmetria siano due forze davvero insite nel nostro essere, vedere e pensare fin da quando l’uomo ha memoria.

La vera bellezza è quindi il risultato della simmetria, ma solo se sapientemente abbinata ad un giusto punto di asimmetria, ed è esattamente quanto ci offre questo progetto fotografico.

Il titolo di questa serie, PERSPE , trae la sua origine da un frammento della parola tedesca “Perspektive” (prospettiva): una dichiarazione programmatica che vuole alludere al lavoro compositivo, basato sulla simulazione che sfrutta appieno le opportunità date dalla tecnologia digitale. L‘artista traccia una prospettiva non naturale, bensì “ideata“, inventata, che, ricorrendo allo sdoppiamento dell‘immagine e ottenendo in questo modo una simmetria perfetta – eccetto un elemento dissonante – attua e crea dei luoghi “altri”.

Katharina Moling

Gustav Willeit è nato nel 1975 ed è cresciuto a Corvara in Alta Badia. Dal 2000 al 2004 ha compiuto gli studi presso la F+F Schule für Kunst und Design di Zurigo, acquisendo una capacità tecnica che si palesa chiaramente nell’impianto formale che supporta la sua innata visione poetica del mondo. Nel 2005 è stato assistente presso gli studi di vari fotografi a Zurigo. Dal 2006 è libero professionista, diviso tra  Italia e Svizzera.

Articolo: Martina Padovan
Contributo fotografico: Gustav Willeit

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Da fotografa conosco bene quello stato mentale in cui ci si può trovare mentre si scattano delle foto. Guardi il tuo soggetto in modo diverso da come facevi un secondo prima, soltanto perché ora tra voi c’è la lente. Sei parte della storia che stai raccontando ma non sei nella storia, sei presente ma distaccato.
Diversamente non potresti essere “presente” nel tuo racconto, perché per raccontare una storia con le immagini devi lasciarti prendere, ma mai fino in fondo. Detto questo, non posso nascondere che più il soggetto del tuo raccontare ti piace e più il lavoro ti appassiona.

Le persone però non sono soltanto “cose”, ma mescolano nel loro essere eclettici molte sfaccettature. Sussiste il rischio concreto – nel mio caso accidentalmente –  di scoprirsi anche “tifosi”.

È un attimo finirci dentro.

Ti portano a una partita, all’inizio ci capisci poco, ti lasci incuriosire dalla curva molto colorata e molto creativa nel modo di sostenere la squadra. Poi, nel tempo, scopri la storia che c’è dietro a una società, le sue vicissitudini, le sfide vinte e quelle perse. Vai a una seconda partita e già guardi le cose con un occhio diverso. Alla terza partita è fatta. Sei un tifoso.

Non capisci ancora tutte le regole, ma soffri e gioisci insieme ai ragazzi sul parquet e a quella curva di fedelissimi che guardavi con tanta curiosità. Canticchi per incitare la squadra, trattieni il respiro quando quella la palla a spicchi arriva a lambire il ferro del canestro.

Ora, la mia domanda è: come fa un super tifoso, che ha fatto del basket la propria vita, a diventare un fotografo accreditato proprio del suo sport più amato puntando a livelli altissimi come l‘NBA?!

Come fa a non digrignare i denti quando il pallone batte sul ferro, o a non inveire contro la squadra avversaria quando quella del cuore soffre nella battaglia? L‘ho chiesto ad uno che di basket ci capisce e che lo ama da sempre.

Matteo Marchi, imolese classe 1982, ci ha raccontato cosa succede quando sei contemporaneamente fotografo e tifoso di basket, e lo ha fatto a modo suo con la sua esperienza, le sue avventure e disavventure, e il suo spirito che lo spinge sempre un passo più avanti, ad ogni nuova partita.

Inizia a fare il fotografo “per puro caso”, dice lui. Non per passione o per sogni di gloria, ma perché aveva semplicemente bisogno di un lavoro. Provvidenza volle che un amico di famiglia cercasse in quel momento un aiutante per dei lavori di contorno nel proprio studio fotografico. Così, tempo e necessità fanno sì che Matteo Marchi inizi a dare una mano mettendo il naso nella fotografia vera e propria. Scatto dopo scatto, occasione dopo occasione, si orienta verso quello sport che lo accompagna da sempre nella vita, prima come giocatore, poi allenatore e poi appunto, fotografo: il basket.

Basket italiano, quindi “pallacanestro”. Dai livelli giovanili a quelli agonistici, Matteo Marchi assiste a innumerevoli partite e fotografa ogni categoria. Durante questa sua gavetta ha la possibilità di seguire il basket anche durante le Olimpiadi in ben due occasioni, a Londra 2012 e a Rio de Janeiro 2016.

«Aver visto Emanuel Ginobili uscire dal campo, a testa quasi bassa per nascondere le lacrime, col pallone di gara sottobraccio mi emoziona ancora adesso». Matteo Marchi

Un giorno, però, realizza di aver ormai visto e fotografato tutta la pallacanestro a disposizione in Italia. L’ambizione e la curiosità tipica del fotografo lo spingono a guardare oltre oceano, in quella parte del basket tanto nominata e conosciuta anche intorno a casa, ma ancora troppo distante per poter entrare nel suo obiettivo: l‘NBA.
Istintivo, pioniere, avventuroso e forse anche un po‘ testone, Matteo Marchi decide di raccogliere i risparmi, quei pochi contatti buoni che ha al momento, e lascia l‘Italia con un normale visto turistico per provare a entrare nel mondo della fotografia NBA, ma – come sempre nella vita – ogni piccola conquista va sudata.

I colloqui procedono bene, sia con la NBA che con le agenzie, ma serve ancora un visto, uno serio e duraturo che gli permetta di stabilirsi a New York per un tempo sufficientemente lungo da poterci provare seriamente. Ottiene il visto speciale destinato agli artisti dopo mille peripezie e più di un anno di calendario, e inizia concretamente la sua avventura come fotografo NBA.

Non ve la racconterò io però la sua storia, da qui in poi è bene che lo faccia lui.

«Mi chiamo Matteo Marchi, ho 34 anni, pochi capelli e tanta barba; di mestiere faccio il fotografo (o perlomeno così dice la gente) e sono alla mia seconda Olimpiade. Ho seguito all’Olimpiade di Rio “solo” i tornei di basket maschili e femminili, ma vi posso assicurare che come impegno basta e avanza. Se per voi 76 (SETTANTASEI) partite in 2 settimane sono poche, io alzo le mani».

Sono queste le parole di Matteo, nell‘agosto 2016, che racconta con tutto il suo sarcasmo e senso dell‘ironia, una serie di realtà e situazioni semi-comiche, in cui ognuno di noi può riconoscersi. Non ognuno, in effetti, soltanto chi combatte anima e corpo per tentare di realizzare il proprio sogno.

«Faccio foto di basket da una vita, e nel mio palmares ho 2 Olimpiadi, 4 Europei maschili, 3 Europei femminili, 2 Mondiali maschili, 2 Mondiali femminili, 30 Europei giovanili e tanto altro. Il mio sogno è di diventare un fotografo NBA… un po‘ come tutti voi che sognate di conquistare Scarlett Johansson a bordo di un‘utilitaria nera. Le probabilità che succeda davvero sono le stesse».

Vi confesso una cosa: quando ci siamo incontrati a Bologna, a luglio, ho avuto subito due impressioni diverse di una stessa persona. Esistono due lati molto evidenti di Matteo Marchi: il primo è quello pubblico, visibile che appare forte e deciso, ironico e con quella sicurezza in se stesso che serve per fare certe scelte. Poi, quando inizia a raccontare la sua vita, esce l’altro Matteo: un ragazzo riflessivo, introverso, analitico, forse troppo. Realista appena oltre il limite del pessimismo, scettico e sarcastico.

«Vogliamo parlare un po‘ di basket? Parliamo di essere a bordo-campo e vedere i migliori giocatori del mondo da un metro: cose che avevo già visto tante volte eh, ma non ti abitui mica mai! Il momento più emozionante della mia prima Olimpiade? In assoluto è stato vedere un giocatore della grandezza di Emanuel Ginobili salutare tutti alla fine del quarto di finale contro Team USA. Un concentrato di classe, timidezza e rispetto per il gioco che mi ha lasciato con la pelle d’oca nel mentre e anche per una buona mezz’ora dopo. Ho avuto la netta sensazione di stare fotografando un momento storico, qualcosa che rimarrà per sempre nella storia di questo sport. Un personaggio a cui tutti noi dovremmo dire grazie per anni e anni ancora. Averlo visto uscire dal campo, a testa quasi bassa per nascondere le lacrime, col pallone di gara sottobraccio mi emoziona ancora adesso anche solo a descrivere la scena.
E poi, un altro momento super toccante è stato vedere piangere un mio collega come un bambino. Il mio amico Hervè, fotografo francese che lavora per la federazione del suo paese, vedendo perdere la sua amata Equipe National contro la Spagna nei quarti ha realizzato che quella squadra era alla fine di un ciclo. Stavo andando da lui per chiedergli una cosa e lui si è girato verso di me con gli occhi gonfi. Non ho saputo fare altro che abbracciarlo forte senza dire niente, pensando a quanto questo sport possa regalare emozioni, in un modo o nell’altro. Quello forse è stato il più bel piccolo – grande momento di questa grande storia».

Persona “normale” come ognuno di noi; nostalgia di casa, della salsedine, di cose semplici come i giri in macchina sui colli vicino casa, di notte, con tutti e quattro i finestrini abbassati. I messaggi vocali tra amici che da quanto sono lunghi sono diventati audiolibri.
Le serate che quando rientri a casa albeggia. Le scorpacciate di tagliatelle al ragù e di carne al sangue, che quando ti alzi da tavola devi allentare la cintura di un buco, altrimenti scoppi. Cose forse ovvie, ma che se sei italiano, e vivi a NYC, potresti volere fortemente.

Ad ogni sua scelta importante immagino una sorta di battaglia interiore, e credo di non sbagliare di molto. Lo conferma il fatto che chi finisce per parlare con le immagini ha sempre paura di farlo con le parole, perché sa di non avere pensieri chiari e a volte neanche tanto lineari.

«Lo so, è passato del tempo. E di cose ne sono successe tante. Negli ultimi due mesi, queste montagne russe, che sono oramai diventate la costante della mia povera esistenza, mi hanno portato su e giù, e poi una serie di svariate vie di mezzo, condite con una vita sociale praticamente inesistente e una condizione lavorativa più che precaria che mi lascia appeso a cose di cui spesso ignoro persino l’esistenza. Tutti i giorni sono bombardato da pensieri su cosa vorrei fare, come dovrei farlo, dove dovrei andare. E non riesco mai a darmi una risposta. Credo di essere nel posto giusto, ma non riesco a capire se è il momento giusto. E ho sempre paura, come è successo migliaia di altre volte nella mia vita, di avere il puzzle quasi finito, ma di non riuscire mai a trovare gli ultimi due pezzi per completarlo. E ho il sospetto che chiamare il signor Ravensburger per chiedergli dove cavolo li abbia messi non sia possibile.

«Tutti i giorni sono bombardato da pensieri su cosa vorrei fare, come dovrei farlo, dove dovrei andare». Matteo Marchi

Un altro episodio che possa raccontarvi quanto oramai la mia popolarità abbia raggiunto livelli da Belen Rodriguez, è stato quando, a bordo di un lussuoso autobus da 10 dollari sulla tratta NY-Philadelphia, un ragazzo seduto dietro di me, sentendo il mio accento italiano, ha cominciato a parlarmi e a chiedermi cosa facessi nella vita. Quando gli ho detto che mestiere faccio e cosa sarei andato a fare a Philly, mi ha sparato questo commento: “ma non sarai mica tu quel fotografo italiano che lavora per la NBA?”. Magari lavorassi per l’NBA!».

La storia di come abbia creato l’immagine di copertina di SportWeek dedicata a Marco Belinelli, facendo interpretare Rocky sulla mitica scalinata del Philadelphia Museum of Art ad uno dei più famosi giocatori italiani di oggi, non la leggerete qui, perché la nostra star oggi è Matteo Marchi, ma vi consiglio di andare a leggere i suoi diari sulla pagina La Giornata Tipo perché solo così potrete conoscere una parte dell’individuo dietro l’obiettivo, e vi assicuro che vi ci affezionerete in poche righe.
Qui vi riporto un piccolo estratto del suo diario dove racconta uno dei momenti più emozionanti che l’America ha saputo regalargli fino ad oggi:

New York, interno giorno. Un tranquillo pomeriggio di gennaio sono dal mio barbiere di fiducia, un emigrato italiano che pensa che le parole CAPEESHH (capisci) e GOOOMBAH (cumpà) siano italiane e benedette dall’Accademia della Crusca, e sto aspettando che sia il mio turno. Sfrucugliando col telefono, mi accorgo che ho appena ricevuto una email: “Ciao Matteo, ti abbiamo trovato su Instagram, ci piace il tuo lavoro, vorremmo che venissi a fotografare per noi sul set di Creed II che cominciamo a girare tra poco. Che ne dici, ti interessa?”

Per chi non lo sapesse, Creed II è il seguito di Rocky, praticamente è come se fosse Rocky 8. Capite tutti la portata della cosa, VERO?!?

Dopo aver deglutito la saliva, il primo pensiero è stato che fosse il mio amico Daniele che stesse mettendo in piedi uno scherzo di cattivo gusto. Il secondo pensiero è stato “ma forse hanno sbagliato numero”, ma poi ho pensato che fosse difficile sbagliare numero di telefono avendo ricevuto una mail.

Potete immaginare la mia emozione nell’essere in mezzo a tutto ciò: sono sempre stato appassionato di questo genere di film, e il sapere che potrebbero utilizzare qualche mia foto per la promozione di tutto ciò..  se non è l‘America questa, di cosa parliamo?

Esatto, Matteo, di cosa parliamo? Parliamo del fatto che il 27 novembre 2018, su un inserto del Corriere della Sera, in prima pagina appare proprio Matteo Marchi, il ragazzo che “da piccolo voleva fotografare i giganti”.

Parliamo di un sognatore  capace di usare l’ironia quando racconta dei sacrifici e delle rinunce che ha fatto e farà ancora per poter inseguire ancora il suo sogno. Un sogno che sta pian piano concretizzando e che gli auguriamo con tutto il cuore di realizzare continuando a guardare verso il cielo, perché sarà in quella direzione che la palla entrerà nel canestro giusto.

“Sono partito per gli Usa inseguendo un sogno, per anni ho stretto i denti, ma non ho mai smesso di crederci” – oggi fotografo dei New York Knicks. Mail – Instagram – Facebook

Articolo: Martina Padovan 
Foto: Matteo Marchi

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«Let no man’s ghost return to say his training let him down».

(Fai in modo che non torni il fantasma di nessuno a dire che la sua squadra lo ha abbandonato)

Il mio primo ricordo legato ai vigili del fuoco, risale all’infanzia: la scuola era vicina ad una caserma dei pompieri e quando finivano le lezioni e tornavo a casa, camminando vicino al cancello sempre spalancato, sentivo spesso delle risate, vedevo persone che a volte giocavano a pallavolo, altre volte erano impegnati nel lavare i mezzi nel piazzale scherzando tra loro, insomma davano un’idea completamente falsata di quella che era la loro principale occupazione, ma ero troppo piccola per capirlo.

Poi, il tempo, ha portato un secondo ricordo legato a questi eroi quotidiani, un ricordo non solo mio, ma di tutti noi, l’11 settembre 2011, e non credo sia necessario approfondire. Posso soltanto dire che in quell’occasione mi sono sentita stupida, per aver pensato da bambina che fare il pompiere fosse una cosa semplice, divertente e tutto sommato neanche così stressante.

«Nel soccorrere le persone che si trovavano all’interno delle torri morirono 343 pompieri del Fire Department di New York: un numero tanto elevato da equiparare il totale di pompieri scomparsi in un’intero secolo».

La cosa che forse spesso dimentichiamo, è che questi uomini e queste donne, rischiano la loro vita per gli altri ad ogni chiamata, e non c’è bisogno di un disastro delle proporzioni dell’attacco alle torri gemelle per metterli di fronte al pericolo, di fronte ai volti delle persone che in quel momento hanno l’assoluto bisogno di un loro personale eroe, che si presenta con il viso di un estraneo.

Brad Coleman vuole farci conoscere alcune di queste persone, i pompieri della Station 38, Houston Fire Department. Poche parole, ma tante emozioni, pensieri e sentimenti nei loro sguardi e nei loro ricordi, nei loro sorrisi.

JOSH – The Captain: “Le persone spesso non hanno davvero idea di quello cui si trovano di fronte. Quando le incontriamo, il più delle volte si tratta del peggior giorno della loro vita ma forse, in quei momenti, siamo gli unici ad essere davvero consapevoli di quanto possa esser grave la situazione. Spesso diciamo meno di quello che sappiamo, per evitare che ai malcapitati crolli addosso il mondo in un unico momento, in quel preciso e orribile momento. Esser in grado di aiutare quelle persone nella situazione critica, ti aiuta a condividere qualcosa di importante con gli altri e ti fa apprezzare molto di più ogni piccolo momento felice del quotidiano”.

PHILIP – Firefighter: “Da marinaio, ho imparato cosa significa davvero il senso di fratellanza, e oggi so che voglio cercare qualcosa di simile e altrettando positivo in ogni cosa che faccio. Vengo da una famiglia di pompieri, mio nonno era capitano a Baltimora, e credo proprio che io ce l’abbia nel sangue questo mestiere! Non riesco a immaginarmi in un lavoro dove non fai parte di una squadra; gli individui hanno un proprio valore, ma questo viene moltiplicato ogni volta che si riesce a far parte di un team, di un gruppo, di una famiglia, come la nostra”.

MELISSA – Firefighter: “Volevo fare il pompiere fin da quando ero bambina! Amo come ogni giorno sia diverso dagli altri. Quando sono qui in attesa, non ho idea di cosa succederà e per cosa saremo chiamati. Tutto in questo lavoro può cambiare in un istante. Amo questa imprevedibilità, per quanto tutto questo possa essere pericoloso, perché oltre a darmi da vivere, mi permette di rendere una giornata terribile per qualcuno, un po’ più sopportabile”.

JERRY – Firefighter: “Onestamente, non sarei in grado di resistere in un ufficio dalle 9 alle 5, non fa per me. La flessibilità che ti offre il fatto di essere un pompiere non ha prezzo, sia in fatto di orari, che in merito alle cose che devi affrontare. Quando sono di turno, tutto il resto del mondo rimane fuori dalla mia testa, e do il massimo per ogni chiamata. Ma quando sono di riposo, posso davvero rilassarmi e godermi la qualità della vita senza dover pensare alle cose in sospeso, alle scadenze o a tutte quelle incombenze che occupano la mente di chi ha un lavoro diverso, come potrebbe essere un libero professionista o un impiegato”.

TERRELL – Firefighter: “Quando vivevo a L.A. mi laureai come sceneggiatore, ma vivevo proprio accanto a una caserma dei pompieri, e sembrava si divertissero davvero molto. Per questo sono qui! Come vigile del fuoco, è come se fossi rimasto un po’ bambino per sempre. Dobbiamo vedere e vivere storie raccapriccianti, ma dobbiamo gestirle dentro di noi come fossimo ragazzini adolescenti; pretendiamo che non siano mai accadute in fondo, e in qualche modo andiamo avanti. Se non facessimo in questo modo, il volume di dolore e dispiacere che dovremmo portarci addosso giorno dopo giorno, in breve tempo ci schiaccerebbe e non saremmo più in grado di offrire quella spalla forte di cui le persone hanno bisogno nei momenti critici”.

JOEY – Firefighter: “Sono 14 anni che faccio il pompiere, e ancora oggi amo il fatto che ogni secondo sia diverso da tutti gli altri. Ognuno di noi lo fa per un suo motivo personale, ma essere costantemente ingaggiato da qualche sfida, costantemente spinti a superare i propri limiti, dover essere sempre pronti ad affrontare qualcosa che conosci solo in parte, sono spesso motivi comuni. Oltre a questo costante bisogno di adrenalina, altra cosa decisamente fondamentale, è questo sento di cameratismo e fratellanza che ti fa sentire che in ognuno di questi momenti difficili non sei mai solo. Puoi star certo che le persone che hai intorno si fidano di te tanto quanto tu ti fidi di loro, al punto da poter mettere la tua stessa vita nelle loro mani”.

ALEX – Firefighter: “Ho iniziato come volontario, e lo facevo due volte a settimana, oltre al mio normale lavoro, per circa 4 anni. Non so spiegarne il motivo, ma io amo essere un vigile del fuoco. Incontrare nuove persone continuamente, e non conoscere la monotonia e quella continua incognita racchiusa nell’imprevisto, non spengono mai questo mio senso di avventura, di cui non saprei fare a meno. Magari potrebbe sembrare un po’ superficiale come motivazione, ma ognuno di noi ha bisogno di sentirsi vivo, e se mentre lo fai riesci anche ad essere utile per qualcuno, cos’altro ti serve per svegliarti felice?”.

SAM – Firefighter: “Ormai, dopo 33 anni di servizio, sono decisamente prossimo alla pensione. All’inizio sono entrato nei vigili del fuoco perché mi serviva un lavoro, e non volevo andare al college, quindi direi quasi per caso. Quello che poi mi ha fatto andare avanti ogni giorno con un nuovo sorriso, è stata la squadra, questa sensazione così forte che sembra quasi una seconda famiglia, con la diversità che mentre la tua famiglia la devi proteggere, qui ognuno bada all’altro, in ogni momento, in ogni situazione. Devi affrontare veramente tante situazioni orribili, ma hai anche altrettante situazioni davvero leggere e divertenti che ti aiutano a superare il dispiacere per le cose che non puoi risolvere; merito del cameratismo, di questa condivisione spalla-spalla che è forse quello che ti dà la forza di correre a ogni chiamata. Non sei solo. Con la tua squadra, puoi affrontare tutto. Puoi aiutare persone che pensano di non aver più niente da perdere. Se tu fossi da solo, probabilmente la cosa più coraggiosa che ti sentiresti di fare a cuor leggero sarebbe far scendere un gatto da un albero!”.

«In fondo la fotografia è un modo più sbrigativo per fare una scultura». Robert Mapplethorpe

La storia di Brad Coleman è più che unica, come la definisce lui stesso nel suo sito. Il suo ricordo d’infanzia preferito lo riporta a pedalare lungo il vialetto di casa, immaginando di raggiungere una velocità di 200 miglia all’ora in una gara di macchine giocattolo. 14 anni dopo, questo sogno divenne realtà, quando Brad fu reclutato dal Joe Gibbs Racing (JGR Team) per correre in NASCAR (National Association for Stock Car Auto Racing). Grazie alla sua eccezionale consapevolezza e presenza di spirito, unita ad una inarrestabile volontà di eccellere, Brad dominò il mondo del Motorsports professionale ad un’età davvero precoce rispetto ai suoi avversari. Viaggiare per il mondo seguendo le varie corse di categoria, lo portò ad incontrare persone, culture e città che altrimenti non avrebbe forse potuto conoscere. Le emozioni dei volti che lo guardavano, e le storie che si nascondono dietro ad ognuno di quelli sguardi lo incuriosiscono da sempre, e quello che lui dimostra nei suoi scatti non è un interesse da ricercatore, ma da umanista che vuole “vivere” le storie delle persone che incontra, e rappresentarle nei loro stessi sguardi, sperando arrivino dirette al cuore dell’osservatore.

Per approfondire la conoscenza di Brad Coleman e dei suoi lavori:

Email: brad@colemanstudios.us

Website:  www.colemanstudios.us

Instagram: @bradccoleman

Rubrica a cura di: Martina Padovan

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Questo luogo è il Mare di Barents, quel tratto di Mar Glaciale Artico a nord della Norvegia e della Russia, accanto alle isole Svalbard, che prende il nome dal navigatore olandese Willem Barents, che nel 1596 scoprì proprio la parte più meridionale dell’arcipelago delle Svalbard.

Nel 2016 Mitja, come fotografo di Greenpeace, ha preso parte alla spedizione del rompighiaccio “Artic Sunrise” nel tentativo di sensibilizzare il governo norvegese e bloccare il progetto di trivellazione del campo petrolifero di Hoop.
Queste trivellazioni avrebbero distrutto la vicina riserva naturale “Isola dell’Orso” (Bjørnøya), ma l’intervento dell’associazione ebbe il risultato di sospendere le attività, senza però riuscire a evitare che la petroliera Transocean Spitsbergen occupasse la posizione. Bjørnøya è un’isola piccolissima, ma con un ecosistema molto particolare, e proprio per questo è stata riconosciuta come riserva naturale; milioni di specie di uccelli vengono a cercare rifugio sulle scogliere della costa sud ogni anno. Queste rocce sono uno dei maggiori luoghi di nidificazione del Circolo Polare Artico. Poiché l’isola è coperta di neve tutto l’anno, nel caso di una perdita di petrolio, le conseguenze sarebbero devastanti e l’uomo non avrebbe alcun modo per rimediare a un simile danno.

Per rendere l’idea della pericolosità del progetto per l’ambiente, il governo dovrebbe revocare tutte le licenze di trivellazione del raggio di 100 km dai ghiacci, ma la piattaforma Statoil non rispetta affatto questa distanza e, nel caso di sversamento petrolifero, il liquido potrebbe raggiungere i ghiacci della riserva naturale in meno di una settimana. Oltre a questo, l’isola degli Orsi da anni non registra una sola presenza titolata. I registri in passato erano pieni di avvistamenti, ma da tempo ormai le loro pagine restano vuote e i 9 scienziati norvegesi che la occupano in pianta stabile non possono far altro che aspettare di avvistarne uno, ma le possibilità sono sempre più blande a causa del riscaldamento del clima che limita la formazione dei ghiacci, non permettendo più agli orsi di raggiungere queste terre.
Da un punto di vista ambientale destano preoccupazione i rischi di contaminazione nucleare dai reattori navali russi affondati e le future trivellazioni nell’area Goliath al largo della Norvegia, oltre ad un sistema di pesca industriale intensivo con reti a strascico che negli anni successivi ha nuovamente richiesto l’intervento di Greenpeace.

«By being yourself, you put something wonderful in the world that was not there before». Edwin Elliot

(Essendo te stesso, porti nel mondo qualcosa di fantastico, qualcosa che prima non c’era).

Con questa citazione di Edwin Elliot, che Mitja sceglie come la preferita, viene letteralmente a galla il modo di guardare le cose da parte dell’autore; sicuramente coinvolto per motivi professionali come fotografo ufficiale di Greenpeace, Mitja Kobal crea un progetto che non è un vero e proprio manifesto di protesta, ma una testimonianza del coraggio e dell’intensità della motivazione che spinge gli attivisti di Greenpeace.

Uomini, donne, ragazzi e ragazze, non importa l’età o la radice sociale. Ci credono. Vogliono cambiare questo mondo senza la pretesa di renderlo migliore, ma con la volontà di custodirlo, meraviglioso come è stato creato, e tutelarlo dall’uomo stesso, che invece di danneggiarlo dovrebbe assolutamente condividere lo stesso obiettivo di conservazione, per se stesso e per ognuno dei 7,5 miliardi di coinquilini sulla Terra.

«Your vision is the photograph. The Camera is just a tool, and better it is the better easier/precisely your vision will be accomplished. The post production is essential as well as having tones and feeling that are there to give worth to your vision». Mitja Kobal

Mitja Kobal, classe 1982, nato in Slovenia, vive ora a Vienna; fotografo freelance e photoeditor per la stessa Greenpeace, nel frattempo lavora regolarmente come contributor per Getty Images (USA); nel 2017 realizza una pubblicazione dal titolo “In Praise of Tokyo” per National Geographic. Non è un fotografo naturalista; i suoi lavori sono molto eclettici e impressiona la sua capacità di creare scatti nitidi come lame quando si tratta di paesaggi o reportage, parallelamente ad immagini dolci e morbide quando il suo soggetto è una persona. In un’intervista fatta nel 2016, racconta il suo sguardo sui paesaggi, e spiega la scelta dell’uso di un filtro ND, per poter dare dinamicità anche ai soggetti che non ne hanno affatto, come gli edifici o la fotografia architettonica. Usare il filtro ND, gli permette di ridurre la luce, e quindi diventare lui il primo interprete del tempo e della velocità dei movimenti, come quello delle nuvole, e contemporaneamente dar maggior rilievo ai soggetti che possono esser in piani diversi, come le persone. Il contrasto diventa quindi non solo di luci, ma anche di tempi. La post produzione la cura lui stesso, “perché farla fare ad altri? Sarebbe come se Rembrandt avesse comprato un pennello, fatto dei segni dove voleva fossero posizionate le cose, e lasciato ad altri il compito di creare le luci e i toni!”

Mitja Kobal su Instagram -> www.instagram.com/mitja_kobal

Rubrica a cura di: Martina Padovan

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Il lavoro nobilita l’uomo. Il lavoro è dignità. Senza alcuni lavori, non avremmo mai potuto attraversare I continenti o raggiungere luoghi e persone a noi cari. In quei paesi che potremmo chiamare “civilizzati” come il nostro, ci sono purtroppo lavori di serie A, e lavori di serie B; il vero guaio è che non vengono definiti in base alla complessità, o al sacrificio che richiedono o all’utilità, ma troppo spesso vengono catalogati in base al reddito che portano.

Chiunque abbia percorso nella sua vita un’autostrada italiana ha avuto modo di ringraziare mentalmente gli addetti ai lavori della carreggiata che, estate e inverno, caldo o freddo, giorno o notte, si incontrano lungo il viaggio. Ma non so quanti di noi abbiano mai spostato questo pensiero fino a quei luoghi dove un lavoro già difficile in condizioni non estreme, lo fanno diventare qualcosa di pericoloso, non soltanto impegnativo.

Gli asfaltatori in realtà sono connessi al viaggio e alle carovane, così come vengono mostrate nel favoloso film HIMALAYA – L’infanzia di un capo, di Éric Valli: un film straordinario, un affresco di una cultura, quella tibetana, rimasta viva e libera solo in Ladakh, ormai da decenni. Claudia Ioan, in questo progetto, ci mostra uno di quei luoghi, e ci chiede di riflettere su due diversi aspetti della situazione: il primo, quello dei lavoratori appunto, e il secondo quello dell’ambiente, che non può far altro che subire passivamente, tanto quanto gli stessi uomini costretti a modificarlo così rudemente.

«Un paesaggio quasi lunare a riempire lo sguardo, illimitato: questo è il Ladakh, una mappa geologica aperta come un libro. Ma anche confine con il cielo tra i più elevati del mondo. Carrozzabile. Il che rende questa terra unica». Claudia Ioan

«Il Ladakh (dal Tibetano La-dvags, Paese degli Alti Valichi), noto anche come Piccolo Tibet, rappresenta una meta che ho maturato nel corso di lunghe letture e studi. Sono rimasta folgorata dalla storia di questo angolo di pianeta così remoto, che sembra un gioco di scatole cinesi: è un ex-regno buddhista, incastonato in una regione musulmana (il Jammu Kashmir), a sua volta all’interno di un macro-stato induista. Fino agli anni ’60 del ‘900 è stato il crocevia di carovane, merci, lingue, cucine, religioni e culture: un luogo di scambio, di incontro, di contaminazione. È anche isola – felice, rispetto a turbolenti vicini quali il Kashmir – di convivenza tra religioni, tra buddhisti e musulmani. Qui si è potuta preservare intatta, fino ad oggi, l’unica cultura tibetana libera al mondo, in una valle remota che ben potrebbe aver fatto da modello a Orizzonte perduto di James Hilton.

Luogo dai grandi estremi climatici, offre un paesaggio aspro eppure affascinante: un deserto roccioso di altissima quota, imprevedibile nelle sue cromìe cangianti, interrotto bruscamente da piccole esplosioni di verde nelle piccole valli e lungo i fiumi Indo e Zanskar, punteggiato di laghi salati dai colori inimmaginabili e cime a perdita d’occhio e di respiro: è il tetto del mondo. Un paesaggio quasi lunare a riempire lo sguardo, illimitato: questo è il Ladakh, una mappa geologica aperta come un libro. Ma anche confine con il cielo tra i più elevati al mondo. Carrozzabile. Il che rende questa terra unica.

Storicamente, carovane di yak hanno percorso queste montagne e questi valichi infaticabilmente, per un tempo immemorabile. Oggi, il Ladakh, con le strade e i valichi carrozzabili più elevati del pianeta (oltre i 5.000 metri), conserva la sua importanza economica, strategica e militare; non sorprende, quindi, che i vecchi sentieri di montagna siano stati trasformati in una rete di strade asfaltate per le nuove “carovane”. Gli yak sono stati sostituiti da camion variopinti, e le merci (un tempo burro di yak scambiato con riso) si sono in parte rinnovate, ma ornamenti, amuleti e rituali buddhisti di benedizione prima della partenza sono rimasti immutati. Lo stato indiano ha implementato un complesso programma di costruzione di strade, affidandolo all’Indian Border Roads Organization, e il Ladakh si è tramutato in un cantiere stradale perenne. È una lotta impari contro il clima, quella che conducono i cosiddetti stradini: sono condannati, anno dopo anno, a costruire e ricostruire nella breve stagione estiva sempre le medesime strade distrutte dal gelo a ogni inverno.

Sono quasi tutti migranti stagionali. Arrivano a decine di migliaia ogni estate dalle pianure indiane, affrontando un’escursione termica anche di 50°, e lavorano – in assenza di ossigeno – con dispositivi di sicurezza rudimentali (semplici foulard sul viso), accampati in semplici tende, spesso con le loro famiglie, lungo la strada, seguendo il cantiere.

Il risultato è che, a parità di valore pratico e simbolico delle vie tradizionalmente percorse dagli abitanti dell’area, un infinito nastro di asfalto attraversa l’intera regione himalayana. Trasformandone il paesaggio in modo irreversibile».

«Vivo la fotografia come traduzione del mondo, così come lo vedo, in un linguaggio visuale. Un modo di assimilare il tutto attraverso uno sguardo potenziato dall’immagine stessa, che restituisce un ricordo ma anche l’interpretazione del ricordo per chiunque guardi la fotografia». Claudia Ioan

Claudia Ioan nasce a Roma nel 1965, dove si laurea in Scienze Politiche con indirizzo Politico-Internazionale. Vive tra Perugia e Roma, dove svolge la sua attività di fotografa e traduttrice con vent’anni di docenza universitaria alle spalle. Ogni attività è collegata all’altra: al pari della parola scritta in cui vive immersa, anche la fotografia è un linguaggio, che usa per tradurre il mondo che la circonda in immagini articolate in racconto.
In anni recenti, si dedica infatti a forme contemporanee di reportage e visual storytelling. Produce in particolare serie fotografiche in cui l’immagine lavora in sinergia con la parola scritta, di cui è autrice.
La didattica della fotografia è una sua grande passione.
Ha al suo attivo numerose mostre personali e collettive, e le sue fotografie sono state pubblicate su numerose riviste, online e stampate.
Nel gennaio 2016 è stata selezionata dal mensile Style Magazine del Corriere della Sera come uno dei sei talenti fotografici del web e delle piattaforme di condivisione della fotografia.
È Delegata Provinciale di Perugia della FIAF, Federazione Italiana Associazioni Fotografiche; è nel Dipartimento Didattica della FIAF; è Coordinatrice Artistica regionale (CAR) FIAF Umbria e Tutor FIAF per i progetti fotografici collettivi nazionali. È membro e amministratore di HELD Collective, collettivo internazionale di fotografia sociale e documentaria.
Nel 2015 è co-fondatrice insieme a Massimiliano Tuveri di Officine Creative Italiane, laboratorio di comunicazione creativa che realizza come collettivo progetti fotografici e reportage, organizza e cura mostre, concorsi ed eventi di fotografia, e conduce attività didattica. Insieme curano e realizzano il progetto fotografico di AboutUmbria Magazine.

Per approfondire la conoscenza di Claudia Ioan e dei suoi lavori: Instagram, Behance, Flickr.

Rubrica a cura di: Martina Padovan

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