Ciao Omar e grazie per averci aperto le porte di casa tua. La tua carriera musicale inizia a Brescia intorno agli anni ’80 con i Precious Time che in seguito sono diventati i Timoria e con un genere, il rock, che per il panorama musicale italiano di quegli anni era abbastanza inconsueto. Quale è stata l’eco che ha avuto il vostro successo a Brescia?

«Brescia è la città dove sono nato e dove è cominciata la mia avventura con la musica. È una bella città che, tuttavia, non hai mai tirato fuori il suo lato artistico più profondo e prezioso. È una città che non rischia esperienze culturali di tendenza, ma preferisce situazioni più rassicuranti adatte alle famiglie.

«A scuola eravamo considerati gli scemi del villaggio, quelli che siccome suonano perdono del tempo prezioso». Omar Pedrini

Ho frequentato il liceo classico di piazzale Arnaldo ed è lì, tra quei banchi e quelle mura che assieme a Francesco Renga, Diego Galeri, Enrico Ghedi e Carlo Alberto Pellegrini abbiamo dato vita prima ai Precious Time e in seguito ai Timoria. A scuola eravamo considerati gli scemi del villaggio, quelli che siccome suonano perdono del tempo prezioso. Il futuro, che a detta di molti dei nostri concittadini ci si prospettava, era un futuro da disoccupati!

Fortunatamente i Timoria si sono rivelati una scommessa vincente e le persone che negli anni ’80 ci davano per spacciati poi erano le stesse che elemosinavano gli ingressi ai concerti nei palazzetti dieci anni dopo. Il nome Timoria deriva dal greco, ai tempi si usava avere un nome un po’ “neoclassico” e nasce proprio da questa voglia di riscatto, Timoria può significare punizione, ma anche vendetta».

Dopo quasi vent’anni di Timoria, nel 2003 decidi di intraprendere la carriera da solista. Tuttavia, proprio in quegli anni sei stato costretto a fermarti per un lungo periodo di tempo per motivi di salute: cosa è successo?

«La prima volta che mi sono esibito da solista è stato sul palco del Festival di Sanremo nel 2004 con Lavoro Inutile. Ero molto teso, vivevo un disagio interiore dovuto a vicende personali, ma ho indossato il mio sorriso e mi sono esibito. Sorridevo anche se la mia vita privata stava andando allo sfascio, sono fatto così. Non sapevo come avrebbe reagito il pubblico dei Timoria a quella novità, ma per me era il momento della svolta, come lo è stato ad un certo punto anche per grandi musicisti come Paul Weller, icona della musica inglese, e Ivano Fossati che dopo l’esperienza con una band hanno proseguito la loro carriera come solisti. Sono andato a Sanremo proprio per dare un’idea nuova di me, svincolata dai Timoria, volevo che il pubblico si rendesse conto che c’era un nuovo artista, e con immensa gioia ho vinto il premio come miglior testo. Proprio però nel momento in cui stavo rinascendo artisticamente stavo morendo fisicamente. Ho dovuto interrompere il tour perché sono stato operato d’urgenza per un aneurisma aortico».

Immagino che la malattia abbia dovuto importi dei cambiamenti, soprattutto per quanto riguarda lo stile di vita. Pensi che nonostante tutto la vita ti abbia sorriso?

«Mi ritengo una persona molto fortunata e sono convinto che la vita mi abbia sorriso, principalmente perché sono vivo. Sino ad oggi ho dovuto affrontare tre interventi al cuore, due dei quali molto complicati. Accettare la malattia ha comportato anche accogliere un grande cambiamento. Sono una persona che difficilmente si pone dei limiti, non sono mai riuscito a fermarmi, anche negli eccessi, alcool o droga che fossero.

La malattia mi ha imposto della catene, dopo gli interventi ho dovuto per forza di cose rivedere il mio stile di vita, prima ho smesso di fare uso di droghe e poi ho chiuso anche con l’alcol. Ma niente accade per caso».

Immagino che rialzarsi in piedi dopo un’esperienza del genere e riprendere possesso della propria vita non sia stato facile.

«Non lo è stato per niente. Dopo l’intervento non ho fatto più uso di droghe ma ho iniziato a bere. Nonostante bevessi molto continuavo a lavorare: sono bresciano fino all’osso e il lavoro è sacro nella mia famiglia. Mio padre non poteva sopportare di non vedermi lavorare e non mi ha mollato un attimo. La mattina mi svegliava e mi buttava sotto la doccia, a volte anche vestito. In quegli anni mi sono dovuto inventare altri mestieri e attingere anche a forze che mai avrei pensato di avere».

Chi ti segue e ti conosce sa che sei un uomo e un artista dalle mille risorse, che bene o male ha sempre trovato il modo di rialzasi da vero guerriero. Nelle lunga pausa che hai dovuto affrontare a cosa ti sei dedicato?

«Durante gli otto anni in cui sono stato lontano dalla scena musicale e non ho prodotto dischi ho dovuto fare i conti con la grande delusione di un mondo spietato come quello dello spettacolo. Tutte le persone che avevo arricchito durante gli anni ’90, quelle che mi lusingavano e mi portavano alle stelle, sono state le stesse che mi hanno completamente ignorato in quel periodo di grande difficoltà lasciandomi da solo. Fortunatamente ho tanti interessi e spirito di iniziativa e ho trasformato le mie passioni in lavoro.

Ho iniziato a scrivere di vino con Veronelli, con il quale è nata una grande amicizia. Ho cominciato a girare per cantine e a rappresentare i vini della Franciacorta. Ho scritto diversi programmi sia per la radio che per la televisione. Mi sono anche tolto la soddisfazione di condurre dei programmi come Nu-Roads e School of Rock in onda su RAI2 . Ho partecipato alla nascita di RAI5 e nel 2011 grazie al programma Contromano in onda su Rai Isoradio ho conquistato le cuffie d’oro per il miglior esordio.

Questo è un chiaro esempio di come le difficoltà possano diventare opportunità. Mi sono trovato a fare queste cose in un momento critico della mia vita in cui non riuscivo a fare il musicista e ho scoperto nuove strade e possibilità. Queste esperienze meravigliose sono nate dal fatto che nessuno credesse più in me come musicista e mi proponesse di fare dischi. Ora ci sono tanti colleghi musicisti che fanno i conduttori, ma quando mi sono trovato a farlo io, ero uno dei pochi se non l’unico. Sono sempre stato quello che butta giù i muri, che spiana la strada».

Un’altra grande risorsa immagino sia stata l’insegnamento visto che sei docente di “Laboratorio di composizione e realizzazione di una canzone pop” presso il Master in Comunicazione Musicale per la Discografia e i Media dell’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano.

«Sono ben quattordici anni che collaboro con l’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano. È un grande impegno per me in quanto non ho a che fare con dei ragazzini, ma con dei neolaureati che hanno tutto l’interesse di imparare, sono attenti e fanno domande e io non posso farmi trovare impreparato, devo studiare e documentarmi continuamente. Insegno tutti i mercoledì, di conseguenza il martedì devo stare chiuso in casa a studiare. I primi tempi imprecavo prima di andare in università, era un impegno che mi costringeva a essere sempre lucido. Dovevo essere presente a me stesso e responsabile, lo facevo in un certo senso contro la mia volontà. Ma ho continuato a farlo con costanza negli anni perché è stato un angolo di palestra per la mia mente. Dato che non ho avuto sempre cura del mio cervello ora cerco di coccolarlo con lo studio. L’insegnamento è un dono che faccio ai miei studenti, ma soprattutto a me stesso. Insegnare mi serve, imparo tanto dai ragazzi, è un confronto continuo su musica e nuove tendenze».

A proposito di musica, un’altra nota positiva della tua vita attuale è sicuramente tua moglie: dove vi siete incontrati?

Ho conosciuto Veronica in montagna a una mostra di pittura. Il pittore, Renato Missaglia, aveva creato dei quadri ispirati a una mia canzone dal titolo La follia. L’ho notata subito, in mezzo a tutta la gente, sono rimasto folgorato dalla sua bellezza e ho chiesto a un amico di presentarmela. Abbiamo passato la sera a chiacchierare, io credevo che sapesse chi fossi invece non aveva mai sentito parlare di me. Non so se lo sai, ma il mio è chiaramente un matrimonio di interesse, il padre di Veronica è un cardiochirurgo, durante la nostra prima chiacchierata casualmente mi ha detto quale fosse il mestiere di suo padre io le ho risposto:”Tu non lo sai ma sei la donna della mia vita e siccome sono malato di cuore il nostro sarà un matrimonio di interesse!”.
Da lì ho vissuto un grande momento di serenità e felicità finché il cuore non ha iniziato di nuovo a fare i capricci e la terra a tremare sotto i piedi».

Quando ti sei reso conto che il tuo cuore avrebbe potuto tirarti di nuovo un brutto scherzo, cosa ti ha spaventato di più?

«Il terrore più grande era quello di lasciare Veronica, che allora non era ancora mia moglie, e nostra figlia di due anni piene di debiti e senza una casa. C’è stato un momento in cui mi sono molto arrabbiato con Dio, ero in pessime condizioni economiche con una compagna incinta molto più giovane di me e con una vita che mi stava scivolando tra le mani. Sentivo di dover mettere tutto in ordine nell’eventualità che non avessi potuto avere un’altra chance. Quindi ho venduto il pianoforte per offrire la cena agli amici più intimi, ho chiamato mio figlio Pablo per farmi da testimone e ho sposato Veronica nel municipio a Brescia. Veronica non mi ha lasciato mai da solo, mi ha sempre compreso profondamente.
La musica è l’amore più grande della mia vita, è la mia sposa da sempre; l’idea di non poter più fare il mio mestiere è devastante. La mia vita artistica vale più della mia vita fisica. Mia moglie ha il grandissimo merito di averlo intuito da subito, è così che è nata la nostra grande complicità, il nostro rock’n roll. Dopo il primo intervento nel 2004 mi sono ritirato dalle scene per moltissimo tempo, un tempo infinito per me, e finalmente, dopo otto anni sono uscito con un nuovo disco, Che ci vado a fare a Londra, che si è rivelato un successo radiofonico: immagina la gioia, per nulla al mondo avrei rinunciato ad una tournée.
Purtroppo però,, le mie condizioni fisiche si sono nuovamente aggravate e sebbene il padre di Veronica mi intimasse di fermarmi e di operarmi, ho continuato a fare concerti. Mia moglie ha rischiato con me, non volevo lasciare mia figlia senza una casa, ho fatto 48 date, ho ripagato i debiti che avevo, ma soprattutto ho ritrovato un pubblico e una nuova vita. Purtroppo durante l’ultima data del tour a Roma mi sono sentito male, il mio fisico ha ceduto di nuovo e mi hanno operato d’urgenza a Bologna. Ma sono vivo e la vita è un regalo che ho ricevuto da Dio. Nicolai Lilin dice riferendosi a me: “Se è ancora qui è perché Dio ha un piano per lui, vuole fargli fare qualcosa di straordinario”».

Oltre a Emma Daria hai anche un altro figlio, Pablo. Che padre sei o vorresti essere per i tuoi figli?

«Quando vivi delle situazioni di grande sofferenza e di malattia, cominci a guardarti indietro e inconsciamente cerchi di rimediare agli errori fatti e a non commetterne altri. Io ho capito di non avere più un minuto da perdere. Ogni giorno è prezioso e non voglio perdermi nulla, voglio godere delle piccole cose, della possibilità di andare a prendere mia figlia Emma Daria all’asilo, di vederla crescere e cambiare. Purtroppo con mio figlio Pablo mi sono perso questi momenti. Avevo 24 anni quando sono diventato padre la prima volta.

In quegli anni ero preso dall’incredibile avventura che stavo vivendo con i Timoria: dischi d’oro, 180 concerti all’anno, viaggi e tanto altro. Tutto questo ha significato avere pochissimo tempo per mio figlio.  Allora non ero fisicamente molto presente, ma ho sempre cercato di non fargli mancare nulla, di intervenire nei momenti importanti della sua vita e di dialogare il più possibile con lui».

Tu sei geneticamente” un musicista, e nella tua famiglia, soprattutto dalla parte di tua madre, hai sempre respirato musica: se i tuoi figli desiderassero di intraprendere un giorno la carriera da musicista ne saresti felice?

«La musica ce l’ho nel sangue: in famiglia da parte di mia mamma, il ramo veronese, siamo tutti musicisti. Il mio bisnonno era un liutaio di Verona, costruiva mandolini e nello stesso tempo insegnava clarinetto; sua figlia, mia nonna Nina a cui è dedicata la canzone Nina, era una ribelle. Durante il fascismo non era vista di buon occhio, portava da mangiare ai partigiani e suonava la chitarra. Immagina una donna che negli anni ’40 sul Lago di Garda suona la chitarra, era considerata la matta del paese. Sua figlia, mia mam’a, cantava per hobby. E poi c’è mio zio Guido, cantautore gardesano e operaio dell’Enel. Il mio zio rock! Quello zio che ti passa i dischi giusti e ti consiglia la musica da ascoltare, ce lo abbiamo un po’ tutti da ragazzini.

È esattamente come mi vedo io per molti dei miei fan: lo zio rock!
Vorrei che la musica facesse parte della vita dei miei figli come lo è stato e lo è della mia, vorrei che respirassero musica. Un giorno donerò loro la chitarra che mia nonna mi diede quando avevo cinque anni dicendomi: ”Ricordati che con la musica non sarai mai solo”. Spero che sia Pablo che Emma Daria abbiamo un rapporto intimo con la musica, per il loro bene, perché la musica è una ricchezza enorme, tuttavia se decidessero di intraprendere la carriera da musicisti non ne sarei felice, perché l’ambiente dello spettacolo è un mondo crudele, ma non posso evitarlo. Pablo ha un grande talento da autore e più volte l’ho incoraggiato a scrivere qualcosa, potrebbe essere un eccellente autore di testi al pari di Mogol o scrivere dei libri. Mi risponde sempre che ci penserà. Occorre essere pronti per aprire la propria intimità agli altri, è il prezzo che devi pagare se vuoi essere un autore, un conduttore o uno scrittore: la più profonda condivisione di te stesso. Emma Daria, invece, ha una grande attitudine per la musica. Potrebbe aver ereditato la condanna che abbiamo tutti noi: l’abilità per la musica che poi sfocia in una folle passione».

«Sono convinto che il rock non morirà mai e si riprenderà anche da questo momento». Omar Pedrini

Collegandosi al tuo sito la prima cosa che compare è la scritta: Rock ‘n’ roll will never die. Tu sei stato uno dei capostipiti del rock italiano insieme ai Diaframma e ai Litfiba: cosa ne pensi del rock di oggi, credi esista ancora?

«Stiamo attraversando un momento molto particolare in Italia, anche musicalmente parlando, perché tutto quello che una volta era considerato indipendente, il cosiddetto indie, ora è diventato mainstream. È la musica che ascoltano tutti. Il rock continua a esserci, non è morto, al contrario sta vivendo una sua seconda vita. Dagli anni ’70 ciclicamente ogni dieci anni va di moda dire “the rock is dead”.  È diventato una sorta di slogan. Negli anni ’70 si diceva che sarebbe stato ucciso dalla disco music, quindi Rock n’Roll will never die è diventato un po’ il mio inno. Generalmente suono questa canzone ai miei concerti, per il mio pubblico, proprio perché il rock sta vivendo questo momento e chi lo ama sa che il rock resiste.

Siamo in un momento drammatico in cui stanno fallendo sia la Gibson che la Fender, i ragazzini non chiedono più la chitarra elettrica come regalo, probabilmente chiedono un dj set, un computer nuovo e questo è indice dei nostri tempi. Tuttavia il rock ha ancora il suo pubblico, è semplicemente diventato l’indie dei giorni nostri. Sono convinto che il rock non morirà mai e si riprenderà anche da questo momento».

Nel tuo ultimo lavoro discografico ‘Come se non ci fosse un domani’ vanti collaborazioni illustri a partire da Noel Gallagher sino a terminare con Ian Anderson dei Jethro Tull. Come vi siete conosciuti e avete deciso di collaborare?

«Gli incontri sono stati del tutto casuali e non programmati. Noel, per esempio, l’ho conosciuto a Londra in un after show,:di quella occasione, però, non mi è rimasto impresso l’incontro con Noel quanto quello con uno dei miei miti, Paul Weller, anche se l’incontro è stato a dir poco bizzarro e inconsueto. Ero seduto in platea e accanto avevo Beckam e gli Sterophonics, poi lo vedo. Lo avevo accanto, dovevo dirgli qualcosa, ma la cosa più intelligente che mi è venuta in mente in quel momento è stata “sai dove si trova la toilette?”. Lui mi guarda e mi dice di seguirlo. Così mi sono ritrovato a fare la pipì con uno dei miei miti!
Quando ho incontrato Ian Anderson per la prima volta, se non mi avessero detto che era lui non l’avrei mai riconosciuto. Ero a Londra in una delle solite situazioni in cui ci sono talmente tanti personaggi famosi che fai fatica a capire chi siano e Ian Anderson è una persona comunissima, ora non ha più i capelli di una volta, è un signore di 70 anni. Aveva le scarpe da tennis, un giubbotto da cacciatore e una bandana in testa. A un certo punto un ragazzo che chiacchierava con lui mi guarda, mi riconosce e mi dice che era italiano e che conosceva i Timoria. Il ragazzo in questione si chiama Emanuele Giovagnoli ed è tutt’ora il tecnico del suono di Ian Anderson. Allora ho colto la palla al balzo e gli ho chiesto di presentarmelo. Da allora mi ha sempre invitato ai concerti dei Jethro Tull e così ho iniziato a seguirli. Un giorno in camerino ci ho provato e ho chiesto a Ian di fare parte dell’album: lui ha accettato senza chiedere nulla come compenso».

Hai conosciuto tantissimi artisti e fatto più di 1400 concerti in oltre vent’anni di onorata carriera: qual è stato il concerto più trasgressivo che credi di aver fatto?

«È stato lo scorso anno, quando ho cantato a Monza su un palco lungo 150 metri. In quell’occasione però la più grande rockstar non era un noto musicista, ma era il Papa. Mi hanno chiesto di suonare mentre la gente attendeva l’arrivo di Papa Francesco e io ho accettato. Solo voce e chitarra senza band, davanti a un milione di persone provenienti da tutto il mondo. Ho suonato due brani, Knockin’ on Heaven’s Door, che mi sembrava alquanto appropriata e Sole spento, che ho scritto diversi anni fa per i Timoria e che è tratta dalla lettera di un carcerato. E chi se lo immaginava? Essere lì con la mia chitarra davanti a un milione di persone, in apertura a Papa Francesco è stato senza dubbio il più grande raduno rock della mia vita nonché il concerto più trasgressivo».

Milano è protagonista di tante delle tue canzoni. Cosa ne pensi di questa città?

«Vivo a Milano ormai da vent’anni tanto che ormai mi sento milanese. Ho parlato tante volte di Milano e delle sue mille sfaccettature nelle mie canzoni. Sono nato in una forte e piccola città, ma Milano mi ha adottato con le sue mille luci che per me da giovane erano al pari di quelle di New York.

Ho visto questa città rinnovarsi, cambiare ed evolvere in un tempo brevissimo e questa evoluzione è violenta e richiede che tu ti mantenga sempre al passo per non restare indietro. Adesso vivo in una Milano di cui sono parte attiva, ma mi sono reso conto che la guarderò sempre dalle scale della Stazione Centrale, come quando arrivai la prima volta 18 anni fa».

Le donne sono una costante della tua vita, nel bene e nel male. Quali sono le figure di donne a cui ti senti più legato?

«Crescere circondato da donne mi ha fatto sviluppare una sorta di sensibilità femminile della quale vado molto fiero. Nella mia vita, in particolare, ci sono state due figure di donne a cui sono molto grato: mia madre e mia nonna Nina. Mia madre era una donna eccezionale. Ha iniziato a lavorare a dieci anni in un cotonificio, oggi si tratterebbe di sfruttamento minorile bello e buono, ma a quei tempi era la normalità. Non era una donna istruita, ha fatto sempre lavori molto umili ma era una donna di una tenacia e una forza d’animo immense. Poi quando io e mia sorella siamo cresciuti si è iscritta alle scuole medie. Mi ricordo che tornavo a casa e la trovavo che studiava con tanta tenecia, per lei prendere la terza media aveva lo stesso significato di vincere un Oscar. Era una grandissima amante della musica, una sorta di hippie. Mi portava a tutti i concerti: Guccini, Bertoli, De Andrè li ho visti tutti in braccio a mia madre. Nonna Nina era la madre di mia madre, sicuramente la figura più forte di tutta la nostra famiglia. Aveva una marcia in più e mi ripeteva sempre che anche io, Gemelli come lei, avevo qualcosa in più. Quando con i Timoria abbiamo partecipato la prima volta a Sanremo era orgogliosissima: nel cassetto del suo comodino ho trovato un mio 45 giri e delle nostre foto proprio di quell’edizione. Lì ho davvero capito che l’avevo resa orgogliosa per aver scelto di intraprendere la carriera del musicista».

Cosa pensi dell’amore?

«Io credo nell’amore puro e sincero. Non credo nell’amore che si misura con gli anelli e con gli altari, credo in quel grido che nasce dalle montagne che ripeti ed arriva fino alle foreste. Majakovskij dice: “Amare significa uscire a petto nudo in cortile e tagliare la legna”. Il segreto dell’amore è supportare l’altro, capirlo, aiutarlo quando è ammalato pulirgli il culo. L’amore non è quella immagine romantica, l’amore vero è quello di ogni giorno, è condividere la vita di tutti i giorni quella che a volte puzza, ci vuole tanta pazienza significa essere davvero parte dell’altro. È un lavoro l’amore. Se cerchi sempre l’emozione del primo momento l’amore finisce, forse la chiave per trovare una storia definitiva è comprendere semplicemente che l’amore è una continua trasformazione. Ho avuto tante donne, ma ne ho amate poche. Non sono uno da storie brevi, mi piace la profondità dei sentimenti. Le coppie che si amano davvero, quelle che resistono a sessant’anni di vita insieme, sono quella che io considero la trasgressione più vera, più della droga e del sesso in camerino».

Mi piacerebbe che mi consigliassi un vino, un libro e un disco.

«Sul disco non ho dubbi, “White album” dei Beatles. In realtà avrei voluto consigliarti qualcosa dei Pink Floyd, visto che ho tutta la collezione in vinile, ma i Pink sono più settoriali dei Beatles, devi amarli incondizionatamente. I Beatles sono grandiosi, hanno condiviso un’alchimia pazzesca. In sette anni insieme hanno prodotto una quantità di musica bella allucinante. Perché nascano nuove band del genere ci vorranno cento anni.

Per quanto riguarda il vino mi piacerebbe consigliarti un vino in base a quello che abbiamo condiviso oggi. Parlando della mia famiglia un po’ è come se avessimo parlato di Veneto, della Valpolicella e del Lago di Garda, quindi ti direi un Amarone, anche se è un vino per chi già ne capisce. A un neofita consiglierei una bollicina della Franciacorta.

Come libro oggi consiglierei un libro a scelta di Bauman, in particolare ai giovani. I ragazzi di oggi hanno un grande bisogno di guide e di poesia. Le nuove generazioni hanno un mondo veramente difficile da interpretare con tanti problemi in più della mia generazione, che era già la generazione senza vento rispetto a quella dei nostri padri. I nostri figli, secondo me, hanno ancora più difficoltà di noi: non hanno un lavoro, non hanno una chiara direzione, spesso non hanno ideali, quindi c’è bisogno di una guida per questa società liquida che possa aprire l’anima dei ragazzi».

Articolo: Maria Pia Catalani  Shooting: Barbara Rigon

L'articolo Omar Pedrini, chitarrista: se è ancora qui, Dio ha un piano per lui sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Alice è una talentuosa cantautrice toscana definita dalla rivista Rolling Stones “la nuova stella dell’indie italiano”, un pezzo da novanta che non è stato lanciato e pubblicizzato da alcun format televisivo ma che ha fatto tutto da sola, crescendo assieme alla sua più grande passione: la musica. Con il suo album di esordio “Born in the wood” ha ottenuto grossi consensi sia nel panorama nazionale che in quello internazionale, ha calcato prestigiosi palcoscenici come quelli dell’SXSW, Eurosonic e Canadian Music Week, e ha aperto concerti ad artisti del calibro di PJ Harvey.

Ho incontrato Alice Bisi una situazione molto particolare ed emozionante, durante un Sofar Sounds a Verona: una dimensione di secret live lontana dal frastuono dei festival e delle platee dissonanti di migliaia di persone in cui i partecipanti hanno la possibilità di vivere un’esperienza musicale intima e riservata, in un luogo che rimane ignoto fino a pochi giorni prima dell’esibizione.

«È un contesto fuori dal comune, dove l’atmosfera e la musica sono le vere protagoniste della serata. Non esistono pregiudizi di scaletta e di band e l’ascolto è attento e rispettoso». Alice Bisi Birthh si è esibita in chiave acustica in una location inconsueta per ascoltare un concerto ma suggestiva come poche: un’officina che customizza moto e che in passato abbiamo avuto il piacere di raccontare sulla nostra rivista.

Ciao Alice, sono molto felice di conoscerti, ho avuto il piacere di ascoltare il tuo album “Born in the woods” e onestamente sono rimasta di stucco quando ho scoperto la tua età! È un album raffinato e maturo che presuppone anche tanto ascolto e tanta cultura musicale alle spalle. Come hai costruito il tuo background?

«I miei genitori sono separati da quando avevo due anni, mio padre vive in Emilia a due ore di macchina da me. Mi ricordo di lunghi viaggi in cui mio padre, grande appassionato di musica nonché musicista, mi faceva ascoltare di tutto, da Tom Waits alla musica popolare irlandese, passando per Elio e le Storie Tese e Vinicio Capossela. Grazie a lui ho fatto scorpacciate di musica e sono cresciuta con la curiosità e l’abitudine di ascoltarne tanta, nuova e diversa allo stesso tempo. Grazie al web ho poi avuto accesso a tutto il mondo musicale e cominciando a scegliere in prima persona cosa ascoltare mi sono appassionata alla musica indipendente britannica stile Wombats».

La musica, quindi, ti ha sempre accompagnata, in qualche modo, sin da quando eri bambina. Che significato ha per te?

«Faccio fatica a ricordare un momento della mia vita in cui la musica non sia stata presente in qualche modo, di conseguenza non riesco a darle un vero e proprio ruolo o significato. Per me è alla pari del cibo: è vitale e necessaria per vivere e crescere. Penso di crescere da sempre con la musica, sia attraverso la scrittura che con l’ascolto, aspetti che considero entrambi fondamentali.

La scrittura ti da l’opportunità di riflettere mentre l’ascolto ti consente di entrare nel mondo di chi ha scritto un brano. È un po’ come entrare nella mente di chi ha concepito il pezzo: riesci ad assorbire l’essenza dell’autore e da un certo punto di vista hai anche l’impressione di conoscerlo. Ascoltare musica è un po’ come conoscere persone nuove, ti arricchisce, al di là del fatto che ti piaccia oppure no».

«Per me la musica è alla pari del cibo: è vitale e necessaria per vivere e crescere». Alice Bisi, BIRTHH

Il tuo progetto musicale “Birthh'” è ben strutturato e ti ha portata a ottenere importanti risultati dopo l’album d’esordio. C’è stato qualcuno in particolare che ti ha consigliata, supportata e indirizzata in questo percorso?

«Una volta finito il disco ho cominciato a mandare delle e-mail a varie etichette: sono arrivate diverse risposte e quindi ho avuto la fortuna di poter scegliere l’opzione che meglio potesse rappresentarmi optando per la WWNBBC. I ragazzi dell’etichetta con cui è uscito il disco sono stati e sono ancora oggi fondamentali nella gestione di tutto ciò che va al di là dell’ambito musicale, dal booking all’ufficio stampa. Il bello di questa etichetta è l’entusiasmo per questo lavoro al di là del ritorno economico, l’amore per la musica nel senso più romantico, che si sposa esattamente con quello che sono io, una sinergia perfetta».

«Quello che mi spaventa è il rischio di poter diventare ridondante ad un certo punto della mia carriera. Il successo è qualcosa che hai in relazione alle altre persone e alla risposta che gli ascoltatori danno e questo non mi crea paura». Alice Bisi, BIRTHH

Ti spaventa l’idea di un successo superiore alle tue aspettative?

«In realtà non è qualcosa a cui penso, quello che mi spaventa è il rischio di poter diventare ridondante ad un certo punto della mia carriera. Il successo è qualcosa che hai in relazione alle altre persone e alla risposta che gli ascoltatori danno e questo non mi crea paura. Piuttosto, l’ansia che provo è strettamente legata a me stessa, è personale, è il timore di non avere più nulla da dire».

Cosa senti di voler comunicare con la tua musica e le tue canzoni?

«Ritengo che la musica sia un vero e proprio linguaggio e io voglio dire quello che mi passa per la testa. Vorrei che in un certo senso i miei pensieri fossero universalizzati, cosa che solo la musica è in grado di fare.

La musica ha un ruolo molto importante nella vita delle persone perché è uno specchio: se ascoltata attentamente ci si può riconoscere. Per far sì che le canzoni vengano recepite in questo modo bisogna però rimanere sinceri e non dire quello che le persone vogliono sentirsi dire, ma parlare di ciò che si conosce davvero».

Come mai hai scelto di cantare in Inglese?

«Cantare in inglese non è stata una scelta vera e propria, ma qualcosa di spontaneo e naturale. Ho iniziato a comporre fin da bambina, lo preferivo a giocare con le bambole, però scrivevo canzoni in italiano. Da adolescente, poi, ho iniziato a scrivere in inglese perché la musica che ascoltavo in quel periodo era principalmente in inglese.

Adesso l’idea di poter raggiungere più persone possibili con la mia musica è qualcosa che mi gratifica molto, quindi la scelta dell’inglese è quasi obbligata. Purtroppo in Italia questo costituisce un grande limite e mi dispiace».

L’album si intitola “Born in the woods”, con un chiaro riferimento alla natura. Come e quanto ti influenza l’ambiente esterno nella tua fase compositiva?

«Mi influenza molto perché cerco di raccontare attraverso i miei occhi quello che mi succede. Non riesco mai a descrivere in modo oggettivo la realtà che mi circonda, tutto passa sempre attraverso la mia personale visione. Io abito in collina e accanto a casa mia c’è una montagna con tanti alberi: mi piace molto stare lì, amo la natura, credo che sia un bel compromesso fra caos e razionalità. Questa è una logica che ho fatto mia e che ha influenzato la mia personale percezione della realtà».

Come nasce il nome del tuo progetto “Birthh”?

«Si ritorna sempre alla natura perché sono sempre stata affascinata dal concetto di origine in sé. La nascita è una delle poche certezze che abbiamo perché tutto ha avuto origine da qualcuno o qualcos’altro. Tuttavia, allo stesso tempo, se vogliamo tornare indietro e trovare la genesi del “tutto”, anche se esistono numerose teorie, non esiste una risposta assoluta.

Il nome Birthh è una sorta di elogio a questa riflessione, la doppia h invece è semplicemente un modo per distinguersi, e in fin dei conti non mi dispiace.

Articolo: Maria Pia Catalani  Shooting fotografico: Simone Toson

L'articolo Birthh, cantante: la musica che arricchisce sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

La musica, e tutto ciò che ruota attorno ad essa, ha un potere inestimabile: è in grado di cambiarti la vita, di aprirti il cuore, la mente e gli occhi, consentendoti di guardare il mondo sotto un’altra luce, di scovare l’introvabile e raggiungere l’irraggiungibile.

Ho avuto il piacere di scambiare quattro chiacchiere con un vecchio amico, Alessandro Zampini aka Zampa; dai suoi occhi, mentre mi parla del suo viaggio assieme alla musica, traspaiono tutta l’emozione e la gratitudine di chi è stato travolto da quel potere e ha deciso di raccontare, a suon di rime e beat, le gioie, i dolori, le riflessioni e i sogni della propria quotidianità: “Cerco l’amore in ogni cosa che vivo e che faccio e se lo trovo lo scrivo, ne rido, lo abbraccio”.

Zampa aka Zesh aka Mr. Zampini è uno dei nomi più influenti della scena rap veronese, nonché un veterano nel panorama Hip Hop italiano. Un lupo solitario, come lui stesso ama definirsi, un MC che si distingue dal branco. Il suo stile è inconfondibile e personale, fatto di atmosfere malinconiche e al tempo stesso di messaggi positivi che invitano a mettersi in gioco e a non arrendersi mai, un mix di cuore e originalità, in cui a parlare alla fine è solo la Musica.

Ciao Alessandro sono trascorsi diversi anni ormai dal tuo primo lavoro come solista, “Gorilla Guerriglia”, anni in cui la musica ti ha regalato innumerevoli soddisfazioni come persona e come artista. Partiamo dalla genesi: come è iniziata questa incredibile avventura?

«Sicuramente la musica non è una tradizione familiare per me, non c’è l’ombra di un musicista Zampini neanche andando a rovistare fra i miei antenati più lontani. Da ragazzino ho iniziato ad appassionarmi alla musica ascoltando quello che piaceva ai miei genitori: Lucio Battisti, Vasco Rossi, Lucio Dalla, Mina, i grandi classici della musica italiana di quegli anni. D’indole sono una persona molto curiosa e un giorno, intorno ai dieci anni, ho deciso che volevo a tutti i costi imparare a suonare la chitarra. Ho rotto talmente le scatole ai miei genitori che sono stati costretti a prendermene una. Da lì ho iniziato a strimpellare tutti i giorni: pensa che all’esame di terza media, a scuola, ho portato la chitarra e ho suonato “Wish you were here” dei Pink Floyd.

Dopodiché ho cominciato a scrivere delle canzoni, i testi e la musica, e lì mi si è aperto un mondo. Scrivere mi è sempre piaciuto molto, a scuola i miei temi erano lunghissimi. La musica mi consentiva di usare le parole e di aggiungere qualcosa di più a quello che componevo. Dalla chitarra classica sono passato a quella elettrica e con altri ragazzi della mia età ho messo su un paio di gruppi a Verona. Il genere era quello che andava in quegli anni, facevamo cover dei Guns&Roses, Metallica, Nirvana, Vasco, Litfiba, Timoria».

La tua formazione musicale, quindi, è molto più vicina al rock che all’Hip Hop. Quando hai incontrato il mondo del rap?

«Da adolescente ascoltavo tantissimo la radio, soprattutto di notte. Ho iniziato a seguire alcuni programmi che passavano delle canzoni rap, fra tutti “Venerdì Rappa” su radio DeeJay. Quello dell’Hip Hop era un mondo molto distante da ciò a cui ero abituato, tuttavia, il fatto che rispetto alla canzone tradizionale rock o pop, come forma-canzone, il rap avesse molte più parole, mi ha affascinato sin da subito. A me piaceva scrivere e il rap mi avrebbe consentito di scrivere di più e di avere, in generale, molta più libertà nella metrica. Nel rap è possibile scrivere senza una melodia, la melodia è nel ritornello… Quando c’è.

Ho cominciato a fare un po’ di free style, da solo, semplicemente per il gusto e la curiosità di imparare; dopodiché, sempre per gioco, al termine dei primi concertini con le mie band, toglievo la chitarra e prendevo in mano il microfono per improvvisare un paio di cover rap.
Poi è arrivato quello che posso definire, forse, il mio vero battesimo: negli anni novanta, al termine dei concerti rap, si usava sempre lasciare il microfono aperto per fare del freestyle, quindi, chi aveva le palle poteva salire sul palco ed esibirsi. Durante un concerto dei Codice Rosso, una mitica formazione Hip Hop veronese composta da tre MC (Voce, Rumore e Ego) ed un DJ (Zeta), mi sono fatto coraggio e sono salito sul palco a fare le mie rime. In quell’occasione ho conosciuto altri ragazzi con la mia stessa passione. Da allora ho cominciato a dedicarmi completamente alla musica rap e non l’ho più abbandonata».

Il rap nasce alla fine degli anni sessanta negli Stati Uniti, nelle periferie, nei sobborghi delle grandi città e in luoghi disagiati, nasce come forma di protesta. Il tuo rap si discosta da questo stile ed è molto più introspettivo e personale. Da dove nasce la tua musica?

«Quando ho cominciato negli anni novanta, il rap e più in generale tutto l’Hip Hop italiano, erano particolarmente legati a contesti come i centri sociali e i movimenti militanti. Da lì, volente o nolente, mi porto dietro l’imprinting indelebile che per me il rap è, e sarà sempre, messaggio. Negli Stati Uniti il rap, invece, nasce come musica dei ghetti e degli afroamericani, un amplificatore straordinario per esprimere tutto il disagio di una certa classe sociale. Tuttavia, io provengo da Verona, una città piccola, con una storia completamente diversa alle spalle rispetto a New York e Los Angeles, una città in cui, per fortuna, ai tempi il rischio più grande non era quello di essere ucciso per strada in una sparatoria, ma di morire di noia durante i lunghi inverni fatti di nebbia e apatia.

Zampa: «Quando ho cominciato negli anni novanta, il rap e più in generale tutto l’Hip Hop italiano, erano particolarmente legati a contesti come i centri sociali e i movimenti militanti. Da lì, volente o nolente, mi porto dietro l’imprinting indelebile che per me il rap è, e sarà sempre, messaggio.»

Per forza di cose, quindi, ho sempre cercato di svincolarmi dal cliché del rap americano, pur amandone la forma, lo stile e la potenza. Costretti a vivere in una città culturalmente morta e opprimente, con l’Hip Hop, io e la mia crew potevamo ogni giorno creare, esprimerci, sfogarci, confrontarci e migliorarci. Come tutti i miei coetanei da ragazzini ci facevamo il viaggio di fare le cose come nel Queens, nel Bronx, i graffiti come in Wild Style, le sfide di freestyle come nei quartieri di Harleem. Ma non avrebbe avuto senso e non sarebbe stato reale affrontare nelle mie canzoni argomenti che non mi riguardavano; ho preferito raccontare la mia vita, quella di tutti i giorni, fatta di amicizie, amori, sogni, sconfitte, delusioni e bevute. La mia musica nasce dal bisogno di esprimermi e dall’esigenza di trovare un equilibrio con me stesso e poiché ho sempre scritto per me, nei miei testi c’è tanto della mia persona. Il rap è un genere di musica in cui ti metti particolarmente in gioco. È un po’ lo specchio di chi scrive, e se ti specchi in qualcosa che non è reale, il risultato non può mai essere credibile o arrivare davvero alle persone».

Nel corso degli anni ho avuto modo di conoscerti e so che sei una persona che tende a isolarsi, ma nello stesso tempo sei molto legato ai tuoi amici e al tuo branco. Questa solitudine è funzionale alla tua musica e alla scrittura?

«C’è una canzone in cui dico: “Mi chiamano Z.A.M.P.A e sono un tipo strano, giro col branco anche se sono un lupo solitario”, direi che questa frase descrive perfettamente il mio modo di essere.

Di sicuro per scrivere e registrare preferisco stare da solo, riesco a concentrarmi meglio. Ho iniziato a fare rap in solitudine, non conoscevo nessuno, ma la voglia di imbarcarmi in questa avventura era più forte del timore di essere da solo, quindi me ne sono fregato del fatto che non ci fosse qualcuno ad insegnarmi e ad ascoltarmi. Tuttavia la musica se condivisa ti dà dieci volte di più. Ed è proprio grazie al rap e a Verona che ho conosciuto persone e musicisti straordinari con i quali tuttora collaboro; molti di loro sono diventati dei veri e propri fratelli per me: Capstan, Non Dire Chaz, Sonbudo, Zeta, Jap e tutti i rapper di V.City All Star e della CS Crew. Condividere un live con persone che la pensano come te e hanno la stessa sensibilità artistica è straordinario; alla fine si può dire che io ami stare da solo… Ma in compagnia».

Zampa: «Nella mia immaginazione la musica è come un blocco di pietra per uno scultore e l’autore è quello che lavora con lo scalpello per dare una forma attraverso le parole. La musica deve parlarti e dirti quello che nasconde. Non esiste testo senza musica e non esiste musica senza testo».

 Come nasce un pezzo di Zampa?

«Le mie canzoni nascono sempre dalla musica, nella musica c’è sempre già tutto. Collaboro con diversi produttori che mi mandano dei beat (basi, n.d.r.) fatti da loro, io li ascolto attentamente e provo a capire qual è quello che mi fa scattare la scintilla, metto il beat in loop, scrivo, cercando di capire cosa c’è nascosto in quella musica. Ogni tanto parto da qualche appunto o immagine che mi sono annotato prima, qualche tema che mi ronza in testa ma che ha bisogno della musica giusta. Se la base si sposa bene con l’idea che avevo in mente, la sviluppo e comincio da lì.
Nella mia immaginazione la musica è come un blocco di pietra per uno scultore e l’autore è quello che lavora con lo scalpello per dare una forma attraverso le parole. La musica deve parlarti e dirti quello che nasconde. Non esiste testo senza musica e non esiste musica senza testo».

Nella maggior parte dei titoli dei tuoi album c’è sempre qualcosa di animalesco: “Lupo solitario”, “Gorilla Guerriglia”, “I giorni del Condor” e in ultimo “Il richiamo della Foresta”. Si tratta di pura casualità o è sapientemente studiato?

«In realtà è casuale, nel senso che i titoli degli album non sono legati fra loro. Di tutti, forse, Lupo solitario, come titolo, è quello più ragionato. In parte è legato ai libri di Jack London e alla figura del lupo, che mi piace molto come animale, mi affascina il senso di libertà che trasmette.

Inoltre, non so se ti ricordi delle serie di librogame che andavano di moda anni fa: erano libri che potevano esser letti diversamente, perché all’interno c’erano varie alternative. Fra questi, in particolare, c’era una saga intitolata proprio Lupo Solitario: ne ero molto appassionato e li conservo ancora tutti a casa. Per quanto riguarda Gorilla Guerriglia, il titolo è un po’ un tornare indietro nel tempo, a quando muovevo i primi passi col rap e fra di noi ci chiamavamo “gorilla”, perché eravamo come delle scimmie impazzite. I Giorni Del Condor, più semplicemente, è ispirato al film I tre giorni Del Condor.

Il mio ultimo album, invece, Il richiamo Della Foresta, è ancora una volta un omaggio al romanzo omonimo di Jack London. Quest’ultimo album è un po’ un riassunto di tutto quello che ho fatto fino ad ora. Mi serviva a fare il punto della situazione nella mia storia musicale e personale. Ho mescolato tutto con la testa e il cuore di un trentasettenne, chiudendo così un cerchio».

Ci sono delle figure nel mondo del rap e non solo che ti hanno influenzato e quali sono state quelle più significativi per te?

«Per rispondere a questa domanda ci sono tre aspetti fondamentali da considerare: da dove sono partito, il flow ed il modo di scrivere. Tutto è cominciato a Verona, grazie ai Codice Rosso. Sono stato molto influenzato da varie tematiche contenute nei loro brani, tipo quella del branco, che in seguito ho ripreso nei miei testi.

Parlando invece di ”flow”, quindi del modo di rappare, ho preso spunto di sicuro dall’Hip Hop di oltre oceano e poi da rapper italiani come: i Sangue Misto (il gruppo di Neffa), i Colle der Fomento e Bassi Maestro.
Infine, pensando al modo di scrivere, quello che mi porto dentro proviene dalla musica che ascoltavo da ragazzino, quindi direi che sono stato molto influenzato da Vasco Rossi. Quando scrivo mi piace farlo in maniera diretta e spontanea. Ci sono autori che usano parole troppo importanti, la musica per me è magica quando ti riesce a colpire in semplicità, senza troppi fronzoli o giri di parole inutili».

 Fra gli artisti contemporanei, quali sono quelli che apprezzi maggiormente?

«Ascolto tantissima musica, non solo rap. Per quanto riguarda l’hip hop seguo un po’ tutti gli artisti italiani, più che altro per la curiosità di conoscere la realtà del panorama musicale attuale. In particolare stimo molto Jack the Smoker e Bassi Maestro che conosco da tanti anni e con cui ho avuto il piacere di collaborare numerose volte. Poi reputo molto bravi Salmo e Marracash. Fra i rapper di oltreoceano, invece, i miei preferiti storici sono i Mobb Deep, Nas e The Lox, tra i nuovi mi piace molto Asap Rocky».

Riferendosi alla musica rap, in un’intervista, Bruce Springsteen ha detto: “Credo che la musica sia riuscita ad andare al di là di quella che veniva considerata solo musica di protesta e lo ha fatto in un modo fantastico”. Cosa ne pensi? Il rap può essere considerato l’attuale espressione cantautorale?

«In America il rap ha sempre rivestito una grande importanza e vanta numerosi ed illustri estimatori. La novità oggi è che questo genere sta riscuotendo un enorme successo anche in Italia .

Il rap si è sdoganato da qualsiasi cliché ed è diventato finalmente un genere musicale svincolato dai vecchi preconcetti. È ampio e con mille sfaccettature, si può mescolare bene col jazz, col rock, pop, la musica house, dub e con l’elettronica. Senza ombra di dubbio è una forma di musica cantautorale: il rapper scrive sempre in prima persona le cose che canta. La musica, in generale, per essere autentica deve essere libera e quale genere ti dà, potenzialmente, più libertà del rap? Bastano una batteria e un loop ed è possibile scrivere qualsiasi cosa».

Com’è cambiato il rap da quando hai iniziato tu e cosa ti manca maggiormente dei vecchi tempi?

«Il rap che ho conosciuto e amato va guardato sempre nel contesto dell’Hip Hop, che è una cultura che racchiude al suo interno tante discipline: rap, breaking, djing e writing. Io ho provato a ballare, a dipingere, a fare il dj… Ma visti gli scarsi risultati nelle altre discipline, ho dovuto ripiegare sul rap!

Hip Hop per me significava due cose: condivisione e aggregazione. Mi ricordo che era facile ritrovarsi in strada a Verona o in piazza Renato Simoni in quaranta, cinquanta persone, molte delle quali arrivavano dalla provincia e c’era chi cantava, chi ballava e chi dipingeva, insomma un vero spettacolo! Mi capitava spesso anche di prendere il treno e di andare a Milano dove c’era l’unico negozio che vendeva dischi rap, oppure andavo a Mantova e Vicenza alla ricerca di jam rap. Era bello condividere con altri ragazzi della mia età questa passione ed era bello stare insieme. Per carità, anche ai tempi c’erano le sfide, le invidie e gli scazzi, non era tutto rose e fiori.

Però le questioni si risolvevano in un “cypha” o in una battaglia di rime o di stile, con lealtà e onestà. Si sapeva comunque di far parte tutti di uno stesso, unico, movimento. E si era orgogliosi di questo senso di appartenenza. Oggi non esiste praticamente più niente del genere, probabilmente per pigrizia, o più semplicemente perché internet consente di avere tutto e subito restando sul divano di casa. Inoltre le discipline dell’Hip Hop non sono più legate tra di loro come una volta, si può ballare hip hop in palestra o fare pezzi rap senza sapere nulla di questa cultura».

Guardando il tuo pubblico, ma più in generale la maggior parte del popolo del rap, i fedelissimi sembrano essere molto giovani.

«Del rap ti innamori da ragazzino. Da adolescente hai più tempo libero e hai una percezione di quello che ti succede attorno molto più amplia. La musica a cui ci si affeziona in quegli anni riesce a darti delle emozioni più grandi, amplifica la rabbia, i sogni e le illusioni.

Quella musica te la porti dietro per tanto, tanto tempo. Il rap, in questi ultimi vent’anni, è riuscito a parlare ai giovani come nessun altro genere musicale, perché è un linguaggio molto diretto e coinvolgente e una musica più facile da ascoltare e da fare di tanti altri generi».

Ho avuto il piacere di conoscerti diversi anni orsono, quando eri appena tornato a Verona dall’Australia, ma smaniavi per ripartire. Il tuo ultimo album ora sembra dire il contrario: parla tanto di Verona, delle tue abitudini e dei tuoi amici. Cosa è cambiato da allora?

«A dire il vero in ogni album c’è sempre stato un pezzo dedicato a Verona, con questa città ho un rapporto di amore e odio. Verona racchiude in sé tutti i pregi e i difetti di una città di provincia. È piccola, si vive bene, però nello stesso tempo è chiusa, castrante e bigotta. Nella mia vita sono spesso scappato da Verona ho vissuto in tanti posti: a Milano, in Inghilterra, in Australia, in Belgio ma alla fine sono sempre tornato. Dopo tanti anni e tante delusioni sono riuscito a trovare un equilibrio con questa città, che mi fa vivere sereno, cosa che quando avevo diciotto anni non riuscivo a fare».

Fra i tanti viaggi che hai fatto, ce n’è stato uno in particolare, legato alla musica, che ti resterà nel cuore?

«All’inizio del 2000 ho partecipato assieme ad altri ragazzi provenienti dal Brasile, dal Belgio e dalla Colombia ad un progetto ideato da un’associazione veronese a nome Milal. L’obiettivo era quello di dimostrare come la musica, ed in particolare il rap, potesse aiutare a raccontare la propria storia a chiunque, esorcizzando contemporaneamente il proprio vissuto, soprattutto se difficile e doloroso. Durante questa esperienza ho conosciuto un gruppo di ragazzi di San Paolo, gli Z’africa Brasil, e nel 2008, dopo l’ennesimo invito, assieme ad altri rapper di Verona e di Milano – Capstan, Jack the Smoker e Kuno – siamo andati a trovarli in Brasile. Questi ragazzi ci hanno ospitato per tre settimane. Abbiamo vissuto con loro nelle favelas di San Paolo, suonato, abbiamo giocato a calcio con i bambini del luogo, parlato e scambiato le nostre esperienze con gli altri brasiliani e fatto festa con loro fino all’alba.

È stato meraviglioso percepire come la musica sia davvero un linguaggio universale e come sia in grado di farti provare un senso di appartenenza a persone sconosciute, fregandosene di diecimila chilometri di distanza. È stata una magia, un regalo incredibile ricevuto dalla vita».

Oltre alla musica hai molti interessi; qual è un’altra passione alla quale non potresti mai rinunciare?

«Facilissimo: il windsurf! Ho iniziato a star bene a Verona e ho trovato un equilibrio interiore quando ho scoperto il windsurf che, dopo la musica, è di sicuro la passione più grande che ho. Questo sport mi ha aperto un mondo: la sensazione di libertà, il vento che ti attraversa il corpo e il silenzio nel quale sei immerso; non so come spiegartelo ma il fatto di esser da solo, con la mente completamente libera mi fa sentire vivo al cento per cento. Da qualche anno sono felice possessore di un furgoncino, l’ho attrezzato con un letto e quando posso carico l’attrezzatura da windsurf e parto in cerca di pace, libertà e vento. Una tavola da windsurf, qualche beat su cui scrivere e una serata di musica con gli amici mi bastano per sentirmi in paradiso».

Con “Il Richiamo della Foresta” sei al tuo ottavo album; che progetti futuri hai?

«Mi piacerebbe portare avanti i live con i musicisti con i quali sto collaborando al momento, La Famiglia Cagnacci. Per ora quello che portiamo in giro sono essenzialmente i miei brani, arrangiati in modo tale da poter suonare con gli strumenti e non con delle basi durante i live.

In seguito, però, vorrei provare a fare il passo successivo e comporre musica direttamente con loro. Inoltre ho in previsione molte collaborazioni nei prossimi mesi senza trascurare l’esercizio quotidiano. Fare rap per me è molto simile a suonare uno strumento musicale: richiede studio, allenamento e pratica, occorre scrivere tanto, applicarsi ed esercitarsi. In particolare, al momento sono in una fase di sperimentazione, sto provando a scrivere su basi un po’ diverse, cercando di toccare tematiche a me meno familiari.

Una volta raggiunta la consapevolezza di capacità nuove acquisite l’obiettivo sarebbe quello di far uscire qualcosa che non ci si aspetta da me e rimescolare un po’ le carte: rinnovarsi è fondamentale».

“Alla mia età senza cibo per l’anima affoghi nella fredda banalità” (La Nostra Velocità – Zampa)

Articolo: Maria Pia Catalani  Shooting fotografico: Barbara Rigon

L'articolo Alessandro Zampini aka Zampa, Rapper: cerco cibo per l’anima sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

A curare la selezione per  questo primo appuntamento ci ha pensato  Florencia di Stefano, voce e anima dei disciolti Lava Lava Love (di cui mostriamo il singolo “Your Lite” tratto dal loro “A bunch of love songs and zombies”).

Dagli intramontabili Beatles, passando per quello straordinario animale da palcoscenico che risponde al nome di Freddie Mercury, sino ad arrivare ad un’artista pazzesca come Billie Holiday. Un viaggio attraverso suoni e colori diversi, generi e mood differenti che bene rispecchiano una personalità complessa e multi sfaccettata come quella di Florencia Di Stefano, la nostra creativa già ospite del nostro lifestyle magazine (qui la sua intervista) e voce dei disciolti, ma non dimenticati, Lava Lava Love, che potete riascoltare qui<

The Creative Mixsounds #01 a cura di:  Maria Pia Catalani 

L'articolo The Creative MixSounds #01: Florencia di Stefano sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

La casa in questione era quella di Alba, la mamma di Benjamin Stanford, aka Dub Fx.
Musicista italo-australiano, street performer, Benjamin Stanford si è fatto conoscere di piazza in piazza girando mezzo mondo, niente major, niente contratti, soltanto una loop station, creatività, talento estremo e tanto amore per la musica, sino ad arrivare a calcare i palchi dei più prestigiosi club e festival al mondo. Le sue esibizioni sono un mix goloso di beatbox, sonorità Drum’n’ Bass, Raggae e Hip Hop, senza trascurare contaminazioni Jazz e Nu-Jazz, il tutto ovviamente riadattato con uno stile personalissimo che coinvolge e che travolge. I suoi concerti sono carichi di energia e irresistibile positività.

Benjamin è un grandissimo comunicatore, dialoga quasi quotidianamente, attraverso i suoi canali web, con i suoi fan, che ormai sono decine di migliaia e sono sparsi in tutto il mondo. Dub Fx racconta di sé, della sua vita personale e aggiorna costantemente il suo pubblico sulle date dei concerti, anche perché la sua pagina Facebook e il suo sito web sono l’unico modo per venire a sapere in anteprima quando e dove si esibirà.
Benjamin Stanford è la dimostrazione vivente che se si crede nella propria passione e nel proprio talento, aiutati sempre da una buona dose di fortuna, ogni traguardo è raggiungibile.
Lo scorso 29 luglio lo abbiamo incontrato al circolo Magnolia di Milano, in occasione di una delle sue esibizioni.

Ciao Ben, prima di tutto mi piacerebbe che mi parlassi un po’ delle tue origini: so che sei nato in Australia ma che hai anche sangue italiano poiché tua madre è di Lucca. Ti senti più australiano o più italiano?

Mio babbo aveva ventun anni quando è partito dall’Australia per intraprendere un viaggio in giro per l’Europa. A Firenze ha conosciuto mia madre e si sono innamorati; dopo due mesi sono tornati insieme in Australia e mia madre era già in dolce attesa. Sono nato e ho vissuto in Australia fino ai nove anni, poi sino ai dodici in Italia, a Lucca, e successivamente sono tornato a Melbourne, ma è da quando ho ventun anni (oggi ne ho trentatré) che vivo in giro per l’Europa.

Benjamin Stanford è la dimostrazione vivente che se si crede nella propria passione e nel proprio talento, aiutati sempre da una buona dose di fortuna, ogni traguardo è raggiungibile.

Conosco bene l’Italia, quindi, e ho vissuto principalmente in Australia. Tuttavia non mi sento né italiano né australiano: mi sento europeo. Se dovessi trovare una cultura a me più affine, direi che è quella inglese, perché ne apprezzo profondamente tanto la musica quanto l’essenza britannica. Trovo che gli australiani abbiano un modo di fare molto simile a quello degli americani, troppo sicuri di sé stessi, mentre io preferisco gli inglesi, che trovo più umili e calorosi, anche se non appaiono esattamente così.

Chi ti ha trasmesso la passione per la musica? C’è stato qualcuno in particolare che ti ha incoraggiato ad intraprendere questo percorso?

Spesso, ahimè, quella del musicista non viene considerata una vera e propria professione al pari di quella dell’avvocato o del medico: nel mio caso nessuno mi ha mai detto che la carriera da artista non sarebbe stata una possibilità. In questo senso i miei genitori mi hanno sempre lasciato molto libero di scoprirmi, sperimentarmi e seguire le mie ambizioni. Probabilmente entrambi sono responsabili del mio amore per la musica.

Non sono figlio d’arte, ma considero mia madre una vera artista, anche se non lo fa di professione. Lo è nell’anima e nel cuore, è una persona molto creativa, si lascia andare facilmente e da questo punto vista è stata fonte di grande ispirazione per me. Il mio babbo, invece, nonostante provenga da una famiglia in cui ci sono molti artisti, ha una fabbrica di alluminio. Da piccolo era appassionato di musica e recitazione, tuttavia, poiché era il maggiore di cinque figli, quando è venuto a mancare suo padre ha dovuto iniziare a lavorare, mettendo da parte quelle che forse erano le sue reali ambizioni.

La tua musica è il risultato di un raffinato mix di generi diversi, si sentono varie influenze musicali dall’Hip-Hop al Jazz: questo lavoro è frutto di anni di studio o ti consideri più un autodidatta?

Non sono mai stato un grande studioso. Alle superiori ho scelto l’indirizzo in musica semplicemente perché era più semplice e perché sul palco mi sono sempre sentito a mio agio. Ho iniziato a cantare e a scrivere canzoni verso i quattordici anni, ero un teenager un po’ depresso, non mi sentivo molto australiano, avevo trascorso qualche anno in Italia e concepivo la vita diversamente dai miei coetanei. Mi sono rifugiato nella musica, ho iniziato a cantare e suonare per dare voce alle mie emozioni.

A diciotto anni seguivo parallelamente diversi progetti e tutti di generi differenti, e cantavo: Hip Hop, Heavy metal, Raggae, Jazz, mi esibivo con un dj nei bar oppure semplicemente da solo in acustico. Mi sono immerso contemporaneamente in questi generi musicali e quando sono arrivato in Europa ho portato con me tutto questo bagaglio artistico di ispirazione e cultura.

Quando e perché hai deciso di suonare per strada?

L’idea di esibirmi per strada mi ha sempre stuzzicato, desideravo farlo da tanto, soprattutto perché, prima di diventare un cantante, il mio sogno era sempre stato quello di fare l’attore ed ero estremamente affascinato dalle performance in strada di comici e clown. Avevo dodici anni quando, per la prima volta, ho visto esibirsi a Melbourne un musicista di nome Lindsay Buckland; quest’artista usava la loop station con uno strumento a corde, simile al mandolino, che si era costruito da solo. Ero ammirato da questo musicista e tornavo a guardarlo esibirsi tutti i giorni con estrema attenzione. In seguito, per me, è stato fonte di grande ispirazione. Ho avuto il piacere di ascoltarlo anche a Sidney e in Italia, lo spettacolo che proponeva era vincente, perché piaceva e nello stesso tempo gli procurava un guadagno. Qualche anno dopo mi sono imbattuto in un altro artista di strada che, solamente con microfono e una loop station creava delle basi incredibili.

All’epoca già sperimentavo degli effetti sulla voce, delay e riverberi dal vivo, avevo un’effettiera e mi piaceva manipolare la mia voce, lo facevo in tutti i gruppi in cui suonavo. Dopo aver visto quest’altro artista usare la loop station, ho pensato che avrei potuto farlo anch’io: mi è tornato in mente Buckland e ho iniziato a cantare per strada in giro per l’Europa.

«Avevo dodici anni quando, per la prima volta, ho visto esibirsi a Melbourne un musicista di nome Lindsay Buckland; quest’artista usava la loop station con uno strumento a corde, simile al mandolino, che si era costruito da solo. Ero ammirato da questo musicista e tornavo a guardarlo esibirsi tutti i giorni con estrema attenzione. In seguito, per me, è stato fonte di grande ispirazione».

Di sicuro viaggiando tanto ed esibendoti di piazza in piazza avrai molteplici aneddoti da raccontare: qual è il primo che ti viene in mente?

Sono successe tantissime cose per strada, tuttavia mi piace ricordare un episodio accaduto a Londra, a Camdem Town, dove mi trovavo per una performance. Poco distante da me c’era una poliziotta, le chiesi se potessi suonare e lei mi disse che senza permesso da parte del comune non era possibile. Allora chiamai il council per informarmi, ma mi risposero che non avevo bisogno di alcuna autorizzazione.

Quando suoni per strada, devi fare molta attenzione, se la polizia ti manda via, devi andare via senza fare opposizioni. Quindi aspettai che la poliziotta si allontanasse, montai la strumentazione e cominciai ad esibirmi. Generalmente quando canto ho gli occhi chiusi; ad un certo punto, però, mentre mi stavo esibendo, li aprii e con sorpresa vidi che la poliziotta era tornata; però ballava insieme al resto del pubblico, la mia musica aveva conquistato e coinvolto anche lei, e mi sono sentito molto gratificato.

Immagino che non sia stato facilissimo, all’inizio, poterti mantenere e ricavare un grosso profitto con le sole esibizioni in strada. Quanto tempo hai impiegato per far partire il business? Inoltre, non avendo una fissa dimora e una sala prove, come registravi i tuoi pezzi sui cd?

All’inizio in strada vendevo pochi cd al giorno. Poi gli amici hanno iniziato a darmi una mano e mentre mi esibivo li vendevano per conto mio: a quel punto i numeri delle vendite sono lievitati. I brani contenuti nei cd erano tutte registrazioni live delle mie performance: tutti i giorni, quando tornavo a “casa”, riascoltavo le registrazioni e selezionavo quelle che mi piacevano di più.

Erano tutti pezzi improvvisati, creati sul momento in base all’ispirazione. Non facevo alcuna prova prima di andare in strada, le prove erano sulla strada. Anni prima avevo scritto dei brani per chitarra, così ho iniziato cantando quelle melodie su basi diverse: Hip Hop, Raggae, Drum’n’Bass. I testi rimanevano gli stessi, stesse melodie cantate però su basi diverse: ogni giorno sperimentavo e facevo una selezione di quelle che mi sembravano più adatte.

Ho visto diverse fotografie sulla tua pagina Facebook di fan talmente devoti che hanno il tuo simbolo tatuato addosso. Cosa vuol dire e che significato ha per te?

Dal mio punto di vista racchiude molteplici interpretazioni. Volevo qualcosa che simboleggiasse l’infinito e per questo, inizialmente, avevo deciso di sostituire le due “o” della parola loop con il simbolo di infinito, ma era una scleta troppo banale e, inoltre, ricoLOOP lo aveva già inserito nel suo nome. A quell’epoca avevo solo tre loop: batteria, melodia e basso, quindi ho cercato di creare qualcosa che li combinasse graficamente tutti e tre. Inoltre, guardando il mio simbolo frontalmente, se si elimina un lato sembra una D, al centro c’è una U e dall’altro lato c’è una B, quindi c’è scritto DUB: bisogna guardarlo con attenzione, ma è lì, il senso è tutto lì.

C’è stato un momento in particolare in cui hai avuto la percezione di essere arrivato alla svolta e che la tua vita sarebbe cambiata?

Dopo i primi tre mesi da busker, ho tirato un po’ le somme e ho fatto un vero e proprio calcolo matematico; mi sono reso conto che se avessi venduto circa quaranta cd al giorno, come stavo facendo, per quattro anni, esibendomi tre volte a settimana, avrei venduto una quantità di cd impressionante, il che mi avrebbe consentito di diventare popolare e di farmi conoscere in giro.

Ai tempi, non avevo Facebook e non c’erano i miei video su youtube: avevo solo Myspace, dove già contavo trentamila followers. Col passare del tempo sono arrivato a vendere oltre cento cd al giorno, i numeri si sono moltiplicati velocemente. Poi, nel 2008, è arrivata la notorietà sul web grazie al regista inglese  Ben Dowden che, dopo avermi visto esibire in una galleria d’arte, mi ha chiesto di filmare una mia esibizione in strada e ha postato il video di “Love someone” sul suo canale YouTube. Tuttavia ci sono artisti molto noti su internet che non hanno riscosso lo stesso successo.

Ho lavorato tanto, costantemente, e credo di aver raggiunto questo livello di popolarità proprio perché mi sono messo in gioco prima di tutto sulla strada, ho creato un contatto diretto col pubblico, ho interagito fisicamente con la gente, prima della rete, prima del rapporto virtuale.

Sei passato dall’ammirazione di un pubblico di alcune decina di spettatori ad incendiare, con la tua musica, folle di migliaia di fan. Quale dimensione preferisci: la strada o i palchi?

Mi piace esibirmi ovunque, tuttavia la strada conserverà sempre un sapore speciale per me. Ogni tanto lo faccio ancora, per divertimento, quando devo girare un video o perché il promoter si rifiuta di pagarmi. Succede molto raramente però, per due motivi principali: il primo è che una volta dovevo esibirmi per strada perché era quello che mi dava da mangiare, mentre ora posso permettermi di non farlo; il secondo è una questione logistica: ho vissuto sei anni in un furgone in cui avevo tutta la mia attrezzatura, adesso non ho più la strumentazione al seguito, perché viaggio in aereo, e suonare per strada diventerebbe complicato.

«Mi piace esibirmi ovunque, tuttavia la strada conserverà sempre un sapore speciale per me».

Ho visto tanta tecnologia sul palco, sei partito dalla strada con una loop station e poco altro, cosa pensi della tecnologia in relazione alla musica?

In realtà, rispetto a prima, non ho molta strumentazione in più: oltre ad un’effettiera, una loop station e un mixer in aggiunta ho solamente una drum machine; quello che è cambiato è che in più c’è un bassista che ha un moo e una sua effettiera, e un tastierista che ha due loop station e il sassofono. Questo ci consente di mettere in piedi uno show completo, con molti più elementi.

Un’ora e mezzo di quello che facevo per strada è bello per 30 minuti, ma alla lunga diventa noioso. Credo che la tecnologia sia secondaria all’arte: per prima cosa scrivo un pezzo, la seconda parte è la performance, e qualsiasi cosa debba usare per la performance arriva al terzo posto.

Dopo tanti anni sei diventato molto famoso e apprezzato, soprattutto fra gli amanti del genere: a questo punto senti di essere “arrivato”?

Prima di diventare Dub Fx, a diciott’anni avrei voluto diventare una pop star, mi sarebbe piaciuto che un’etichetta importante come la Sony mi scritturasse, avrei voluto quel tipo di fama, ma non è successo e ho preso un’altra direzione: la strada.

Quando ho iniziato quest’avventura i miei pezzi erano molto pop e non interessavano a nessuno. Passando al Dubstep, Drum’n’Bass e roba un po’ più nuova e “incazzata”, la gente ha iniziato ad apprezzarmi e ad acquistare i miei cd. Così ho capito che non dovevo essere un prodotto, ma dovevo essere un artista. Se la mia musica fosse stata pop e commerciale sarei fallito subito. Quello che conta per me è fare arte col cuore e con l’anima: più soul metti in quello che fai, più la gente lo avverte e piaci.

La fama in sé mi importa davvero poco, ciò che realmente mi interessa è scrivere i pezzi e suonare. Non sono presente sulle radio, non vado in tv, non sono una persona “famosa” da questo punto di vista: sono conosciuto perché la mia performance è originale e piace alla gente. Non evito le radio, ma non sono un prodotto da radio perché non sono il fenomeno pop, tutto qui. Adesso sto per diventare padre, e per me questa è la cosa più importante. Questo significa essere realizzato, la musica potrebbe passare in secondo piano.

Come ti vedi fra dieci anni? E dove ti vedi?

Considerando gli ultimi eventi, innanzitutto mi vedo con una figlia di dieci anni e poi spero di ritrovarmi a fare quello che più mi piace e mi appassiona. Non voglio ripetermi e fare sempre le stesse cose, mi piacerebbe evolvere, vorrei scrivere un fumetto e forse tornare al mio sogno iniziale, quello di recitare.

Oggi, però, mi concentro solo sul momento, non mi piace pensare troppo al futuro. Per quanto riguarda il “dove”, mi piacerebbe vivere a Berlino o a Sanpaolo, perché sono due città dove arte e musica sono molto sentite.

Cosa pensi della musica italiana?

C’è musica molto bella in Italia. Quello che però è in classifica e va per la maggiore, oggi, non mi piace: non mi piacciono i Talent Show, non trovo nulla di originale, e dal punto di vista musicale non hanno reinventato nulla. Apprezzo molto, invece, la musica degli anni ‘70, che era davvero un’altra storia. Tuttavia ci sono artisti italiani che mi piacciono e che ho ascoltato tanto, soprattutto quando vivevo in Italia, tipo Jovanotti, i 99 Posse, Lucio Battisti e Pino Daniele.

«un luogo che ricordo con particolare affetto e che ho nel cuore, è dove è stato girato “Love someone”, a Bristol. Quando mi capita di tornarci mi emoziono tantissimo, perché se non fosse stato per quella piazza, e per l’artista che ha deciso di riprendere la mia performance, forse sarei ancora un artista di strada, forse avrei raggiunto il successo diversamente o forse nulla di tutto ciò».

Se avessi la possibilità di scegliere un artista con il quale fare un live, chi ti piacerebbe potesse essere?

Ce ne sono tantissimi: Damian Marley è sicuramente uno di questi, ma non so se si esibirebbe con me. Potrei lavorare un po’ con tutti anche per quanto riguarda il Jazz, che è un genere musicale che apprezzo tantissimo e del quale sono molto appassionato. Se ne avessi avuto l’occasione, però, fra tutti, di sicuro, mi sarebbe piaciuto molto collaborare con Amy Winehouse, ma ahimè non è più possibile.

Nel corso degli anni da busker hai girato mezzo mondo, visitato tanti posti, e ti sarai di sicuro esibito nelle situazioni più disparate: qual è il luogo che ti è rimasto di più nel cuore?

Ce ne sono davvero tanti, ho avuto la fortuna di vivere delle bellissime esperienze. Ad Amsterdam e Budapest, per esempio, mi sono esibito davanti a cinquemila persone, ed è stato incredibile.

Tuttavia un luogo che ricordo con particolare affetto e che ho nel cuore, è dove è stato girato “Love someone”, a Bristol. Quando mi capita di tornarci mi emoziono tantissimo, perché se non fosse stato per quella piazza, e per l’artista che ha deciso di riprendere la mia performance, forse sarei ancora un artista di strada, forse avrei raggiunto il successo diversamente o forse nulla di tutto ciò.

Articolo: Maria Pia Catalani  Shooting fotografico: Simone Toson

L'articolo Benjamin Stanford (Dub Fx), Musician, Australia sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Francesco Bottai “Checco” (Chitarra, Voce) e Tommaso Novi “Tommi” (Pianoforte, Voce e maestro di Fischio) in arte “I Gatti Mezzi” sono un duo pisano affiatato, divertente e travolgente, gente semplice e al tempo stesso ironica e schietta.  Sono due musicisti strepitosi, con cui è stato un piacere passeggiare per i vicoli di Pisa e farsi ammaliare dalle storie che hanno da raccontare. I Gatti Mézzi si prendono in giro, ridono di gusto e poi fanno calare il silenzio quando si esibiscono e il loro pubblico è partecipe, piange, si diverte e alla fine del loro concerto torna a casa appagato da uno spettacolo che incrocia cantautorato di qualità, arrangiamenti raffinati, teatro canzone e perle di saggezza in vernacolo. Al Lumiere a Pisa il 2 aprile per la presentazione del loro ultimo lavoro: “Perché Hanno Sempre Quella Faccia”, fra il loro pubblico c’ero anch’io.

I Gatti Mézzi sono un gruppo attivo dal 2005, numerose esibizioni e collaborazioni (Appino, Bobo Rondelli, Petra Magoni, Bandabardò, Dario Fo, Ascanio Celestini, ecc) premi, una colonna sonora per il film: “Fino a qui tutto bene” e sei album. Insomma, un bel po’ di soddisfazioni.

Chi eravate prima di diventare dei “Gatti Mezzi”? Quando è avvenuto il vostro incontro con la musica?

Tommaso: Ho iniziato a studiare pianoforte da piccolo, grazie a mio padre, che negli anni ’70 era il chitarrista di una band a nome “I Gatti Neri”. Ricordo di essere entrato in casa di amici mano nella mano con lui e di aver visto un organetto della Bontempi acceso, mi ci sono avvicinato e dal nulla ho cominciato a suonare Fra Martino Campanaro. Mio babbo, incuriosito e stupito, mi chiese dove avessi imparato e mi disse: «Se ti piace troviamo un insegnante per imparare a suonare». Ed è stato così che a sei anni e mezzo ho iniziato la mia avventura col pianoforte. Ho cominciato studiando musica classica, poi pianoforte Jazz con Andrea Pellegrini e Mauro Grossi, e successivamente composizione al conservatorio senza però diplomarmi. All’università mi sono iscritto e ho sostenuto un paio di esami solo per saltare il servizio militare, poi ho conosciuto Francesco e ho mollato gli studi. Con I Gatti Mézzi è iniziata la mia carriera da musicista professionista.

Francesco: Mio padre suonava la chitarra, è stato lui ad insegnarmi i primi accordi. Poi ho preso qualche lezione e per il resto, fatta eccezione per un periodo in cui ho studiato con Gabrio Baldacci, sono sempre stato autodidatta. Nel frattempo mi sono laureato in Storia Contemporanea all’Università di Pisa, ma la vocazione vera è sempre stata la musica.

Come vi siete conosciuti e quando avete dato vita a questo fortunato connubio?

Tommaso: Siamo nati entrambi a Pisa, nella stessa zona, e abbiamo trascorso l’infanzia negli stessi luoghi ma non ci siamo mai incontrati da piccoli. Francesco l’ho conosciuto da ragazzo, suonava ne La Ghenga, un gruppo ska pisano del quale ero un grande fan. La loro musica era accattivante e travolgente, ed io ero attratto dal fatto che alcune canzoni fossero scritte in Vernacolo, fra tutte: “Cacciucco Blues” un brano che, da bravi pisani, prende bonariamente in giro i nostri fratelli livornesi. Io scrivevo poesie in Vernacolo per puro diletto, perché ho sempre avuto un grande godimento nel sentire parlare mio nonno: quando apriva bocca tutti si ammutolivano e l’ascoltavano in silenzio. Di tanto in tanto leggevo i miei scritti in pubblico e quando mi è stato chiesto di presentarli con un accompagnamento musicale all’Anfiteatro Di San Giuliano Terme, ho pensato a Francesco: chi meglio di lui avrebbe potuto condividere con me questo piacere? Allora l’ho contattato.

 

«Siamo partiti per passione: non c’è stato nessun calcolo, non abbiamo pensato al fatto che potesse funzionare o meno. Abbiamo iniziato quest’avventura, presentato il progetto alla gente, che si è riconosciuta in quello che avevamo da dire».

Francesco: Ho ancora oggi in mente la scena: Tommaso ed io seduti ad un tavolino, a sorseggiare un bicchiere di vino, a sentire come suonava il vernacolo accompagnato da queste marcette, valzerini e blues. Ci faceva ridere, ma sentivamo tutto il potenziale di un progetto del genere, ce ne siamo innamorati e da lì abbiamo deciso che dovevamo assolutamente condividere con altra gente quello che stavamo sperimentando noi due. Credere in Tommaso è stato facile, l’idea era bella e originale e musicalmente sapevo quanto fosse valido, avevo stima di lui.

Siamo partiti per passione: non c’è stato nessun calcolo, non abbiamo pensato al fatto che potesse funzionare o meno. Abbiamo iniziato quest’avventura, presentato il progetto alla gente, che si è riconosciuta in quello che avevamo da dire ma soprattutto si è divertita. Durante la prima serata, quella che si può considerare “la serata punto zero”, non riuscivamo a finire i pezzi a causa delle risate fragorose del pubblico.

Avete pubblicato i primi due album in vernacolo autoprodotti, dopodiché avete vinto il Premio Ciampi nel 2007 e poi cos’è successo?

Francesco: Abbiamo iniziato un percorso con Mirco Mencacci, un rinomato montatore del suono del cinema che ha fondato una casa discografica a nome Samworld. È un audiofilo, ci ha fatto comprendere l’importanza del suono. Ai tempi Tommaso ed io cercavamo di fare molta attenzione al suono, in particolare, in quel periodo, ascoltavamo tanto i Buena Vista Social Club, perché ci interessava un tipo di “musica panoramica”, in cui i microfoni siano lontani, disposti in modo tale da avere la percezione, quando ascolti, di essere nella stessa stanza con i musicisti. Mirco è capitato al momento giusto e ci ha consentito di sperimentare mondi nuovi e inesplorati del suono.

Tommaso: L’incontro con Mirco sembra una scena tratta da un film: Francesco ed io, giovani, e quest’omone cieco, con gli occhiali e il sigaro, che dopo un concerto ci dice: «Ragazzi avete voglia di fare un po’ di strada insieme a me? Vi porto a vedere un posto» e ci ha mostrato il suo studio. Era un luogo pieno di strumentazioni che non avevamo mai visto, siamo rimasti a bocca aperta davanti al banco degli anni ‘70 dove era stata registrata Crêuza de mä di Fabrizio De Andrè, ai microfoni valvolari degli anni ‘50 e ad un fantastico Steinway a coda. La sensazione è stata quella di sentirsi parte della storia della musica. Da questo fortunato incontro sono nati due album: “Struscioni” e “Berve fra le berve” scritti interamente in vernacolo.

A questo punto non posso non chiedervelo: l’ultimo album “Perché Hanno Sempre Quella Faccia”, prodotto da Picicca Dischi, è cantato interamente in Italiano. È stata la casa discografica a suggerirvelo?

Francesco: La domanda è legittima, tuttavia è stata una richiesta “viscerale”. Quando abbiamo presentato l’album alla casa discografica ci hanno chiesto: «Ma siete sicuri? È una scelta importante». È stato un parto necessario ed inconscio, un’evoluzione naturale. Come quando ti innamori di una donna, non lo sai perché avviene; anche qui è successo e basta. Ho riscoperto delle potenzialità della lingua italiana che trascuravo, ho sempre avuto l’impressione che per comunicare un concetto semplice l’italiano non ammettesse grandi scorciatoie e non fosse immediato come il vernacolo. Ecco, ho imparato che posso concentrare in due parole quello che voglio dire anche in italiano. Ed ora in questa dimensione mi ci ritrovo perfettamente.

Tommaso: Il vernacolo ci serviva per comunicare con il pubblico con una certa immediatezza. Le storie che volevamo raccontare erano intrise di vernacolo, non potevamo descrivere i vicoli di Pisa in un’altra maniera, questo modo di parlare era talmente efficacie e diretto che le canzoni andavano scritte così. Ora abbiamo quarant’anni, quello che vogliamo raccontare ha bisogno di un altro linguaggio, e non perché desideriamo che ci capiscano al di fuori della Toscana, questa è una conseguenza logica, ma semplicemente perché, per quello che abbiamo da dire oggi, il vernacolo non è più naturale e appropriato.  L’ultimo è un disco a cui abbiamo voluto bene in tanti, già prima che uscisse. Basti pensare ad Andrea Ciacchini, produttore artistico, che ha passato giorno e notte chiuso in studio, per mesi, con il rischio di scambiare noi con la sua famiglia. Ha sfiorato la pazzia a furia di star dietro al progetto: pensa che ogni tanto, all’alba, ci recapitava dei video di lui che danzava davanti al mixer nel cuore della notte!

«Il vernacolo ci serviva per comunicare con il pubblico con una certa immediatezza. Le storie che volevamo raccontare erano intrise di vernacolo, non potevamo descrivere i vicoli di Pisa in un’altra maniera, questo modo di parlare era talmente efficacie e diretto che le canzoni andavano scritte così».

Nelle vostre canzoni raccontate tanto Pisa e i suoi vicoli, e parlate di “sagome” tipiche della cultura popolare toscana. Da cosa nasce questo interesse?

Francesco: Parto da un verso di un brano di Paolo Conte (Gelato al limon) che dice: «E la sensualità delle vite disperate, ecco il dono che ti farò». Le “sagome”, i personaggi grotteschi mi hanno sempre affascinato. Quando vedo la gente che “ciondola” e che va avanti per luoghi comuni rimango ammirato, in quanto credo che nel luogo comune spesso ci siano delle grandissime verità. Nei vicoli di Pisa ho conosciuto delle persone intellettualmente interessantissime, dotate di una carica di verità interiore, una leggerezza e una libertà che molte volte cerco in me stesso ma che non riesco a trovare.

Tommaso: Le nostre famiglie sono semplici, di conseguenza riportare tutto ad una dimensione “di vicoli” è stato un modo per rendere giustizia alle nostre origini e impregnare di verità le nostre canzoni. I vicoli sono parte della mia gioventù; lì ho passato le notti, ho visto l’alba fare capolino, mi sono lavato alle fontane, ho fatto l’amore. Per me Pisa è i suoi vicoli, queste sono cose che mi appartengono.

Al concerto ho visto gente piangere, ridere, ammutolirsi e ballare fino allo sfinimento. Il vostro pubblico vi vuole bene, partecipa alla vostra esibizione. È un po’ come se venissero a sentire cantare degli amici. Nel momento in cui doveste avere più successo e allargare la platea di seguaci, pensate che questo prezioso rapporto con il pubblico rimarrebbe invariato? Avete timore di cambiare?

Francesco: Sono convinto che la relazione che instauriamo con il nostro seguito rimarrà la stessa anche nel caso di una platea più allargata, perché portiamo in scena noi stessi, di conseguenza se ad ascoltarci ci sono cento, mille o diecimila persone, il nostro modo di porci nei loro confronti non cambia, “abbiamo sempre la stessa faccia”, come dice il titolo del nostro ultimo album! Nel contempo, personalmente non sono convinto che le persone coerenti siano persone interessanti. La contraddizione è interessante. Il cambiamento non mi spaventa. Se cambiare significa diventare scontroso e scostante, allora non mi ci ritrovo, ma se cambiare vuol dire prendere una barca e lasciarsi trasportare dal fiume, docile agli eventi, allora va bene. Ma questo non ha nulla a che fare con il rapporto con la gente.

Tommaso:  L’ultimo disco è frutto di una campagna di crowdfunding, e quello che abbiamo sperimentato è stato incredibile. Avevamo chiesto diecimila euro e siamo arrivati a quindicimila! Senza questo amore diretto, vero e singolare con il pubblico, non esisteremmo. Per via del crowdfunding abbiamo dialogato con ogni singola persona, siamo andati a suonare ai campanelli, abbiamo mandato e-mail personali, abbiamo messo in palio lezioni di fischio, cene a casa e giri in barca e la risposta è stata sconvolgente e commovente. Se un giorno avrò uno yacht non sarò più un gatto mézzo, e magari non farò nemmeno più musica.

I gatti sono indissolubili da questo rapporto diretto con le persone. Finché hai la gente che sente il tuo “puzzo”, il tuo odore, il tuo sudore e la puoi guardare negli occhi c’è magia, lo scalino successivo non ci interessa ora. Ho paura di perdere queste cose.

Avete dei ricordi in particolare legati a qualche fan?

Tommaso: “Soltanto i tuoi baffi”, brano contenuto nell’album “Vestiti Leggeri”, parla della morte di mio padre e racconta un aneddoto un po’ grottesco realmente accaduto. Nel trasferire mio padre in un’altra tomba, mia madre ed io lo abbiamo ritrovato con un calzino.

Con i I Gatti Mézzi abbiamo suonato questo pezzo a Spilamberto, un paesino vicino Modena, in un locale dove c’erano tre persone: una ci ascoltava e le altre due no. Alla fine del concerto una signora sulla sessantina si è avvicinata e visibilmente commossa mi ha detto: «Come hai fatto? Hai raccontato la storia che è successa a me, chi te l’ha raccontata?». Il mondo è piccolo e la musica rende possibile queste cose.

Ancora oggi anch’io mi chiedo come sia possibile che sia successo anche a lei! Non so se l’avesse inventato o se questa coincidenza fosse reale, fatto sta che dopo una serata in cui nessuno ti ha considerato, una cosa del genere ti riempie il cuore e ti fa pensare che grazie alla musica puoi ritrovarti in situazioni importanti e nel contempo buffe.

Francesco: Grazie a Musiche Metropolitane ci siamo esibiti al di fuori dell’Italia, a Parigi e in Canada. In particolare, al termine di un concerto a Parigi, un ragazzo di Bari mi si è avvicinato e mi ha detto: «La mia ragazza francese si chiama Marina e adora il pezzo “Marina”, ci sente tanto Nino Rota nonostante non capisca la lingua». 

Questo mi ha fatto riflettere su come la musica sia un linguaggio talmente trasversale che non abbia nemmeno tutta questa appartenenza, puoi emozionarti per un pezzo di Tom Waits senza capire esattamente di cosa parli.

In Canada abbiamo portato una carica di gioia e coinvolto il pubblico come non ci saremmo mai aspettati! La nostra musica parla da sola, anche senza parole. Durante quel tour abbiamo tradotto le presentazioni dei brani in francese tramite google translate, una traduzione davvero approssimativa e il pubblico ovviamente se ne è accorto, ma si è divertito e ha apprezzato la nostra disponibilità e voglia di comunicare con loro.

Qual è, quindi, il punto di forza dei Gatti Mézzi?

Francesco: La schiettezza, la cura maniacale degli arrangiamenti e dello spettacolo in ogni sua parte sono tutte cose che ci avvicinano al pubblico e ci consentono di trasmettere emozioni e instaurare un rapporto sincero e autentico con le persone. Scherziamo, ma nello stesso tempo facciamo sul serio, senza voler prendere in giro nessuno ma presentando un progetto su cui abbiamo versato il sangue e su cui abbiamo messo cuore e passione.

Tommaso: Suonare dal vivo trasmette delle vibrazioni che non recepisci ascoltando la musica a casa, la prospettiva cambia. Come Gatti Mézzi abbiamo investito tanto sulla sincerità, a volte anche a costo di sembrare grotteschi e presuntuosi, perché quando metti così a nudo la tua figura si rischia di essere fraintesi e di dare l’impressione di aver costruito il personaggio a tavolino. Ci siamo presentati per come siamo sin dall’inizio e siamo stati ripagati.

Passate moltissimo tempo assieme e vi conoscete da altrettanto. Che tipo di rapporto avete? Vi capita di litigare?

Tommaso: Francesco ed io siamo una coppia artistica, tuttavia ci sono tante similitudini con la coppia matrimoniale. Io credo che Francesco possa essere paragonato all’uomo della coppia e io alla donna, nel senso che lui è molto impulsivo e diretto, se ha qualcosa da dirmi lo fa subito a caldo. Io, al contrario, sono la donna che monta e poi esplode! Abbiamo questa asincronia nel dire le cose che poi porta al litigio.

Francesco: In effetti litighiamo spessissimo. Per la vita, per un’incompatibilità naturale che possono avere due persone quando stanno tanto tempo insieme e hanno un progetto comune che di base ha emozioni e sentimento. Se a questo aggiungi il fatto che lavoriamo con altri musicisti, dobbiamo coordinarci con il booking, la produzione, l’ufficio stampa, è inevitabile avere conflitti.

Nelle vostre canzoni sono presenti dei ricordi legati alla figura paterna. Oggi siete entrambi genitori: cosa vi piacerebbe dire ai vostri figli?

Tommaso: Io vivo nel terrore che la tenerezza che c’è oggi fra me e mio figlio Furio evolva in qualcosa che non mi piace o, peggio, finisca. Quindi gli ripeto di non odiarmi quando crescerà, perché saremo molto distanti un giorno. Quotidianamente, quasi a voler piantare un semino, anche se non capisce perché ha 5 anni, gli dico: «Mi prometti che saremo così uniti anche quando io sarò vecchio e antipatico e tu non mi sopporterai?» e lui mi guarda, fa un sorriso e dice che mi vuole bene… In realtà non ha capito.

Francesco: A mia figlia Bianca direi che nella vita non bisogna fermarsi mai, si deve guardare il mondo con curiosità. Le persone che io ritengo interessanti sono quelle che hanno una grande passione, la vivono e vanno a fondo nelle cose. Per fare questo occorre essere onesti, prima di tutto con sé stessi e poi con gli altri. Io vorrei, quindi, che mia figlia fosse onesta con sé stessa, che viaggiasse, cercasse di mettersi in gioco anche rischiando, osando, allontanandosi da una vita comoda e superficiale, e che vivesse di passioni.

vernàcolo s. m. e agg. [dal lat. vernacŭlus, agg., «domestico, familiare», der. di verna (v.)]

Parlata caratteristica di un centro o di una zona limitata. Si contrappone a lingua ed è distinto da dialetto, rispetto al quale è più popolare e locale (un po’ come in francese patois si contrappone a langue e si differenzia da dialecte), ed è usato più spesso, per ragioni storiche, con riferimento alla situazione toscana o dell’Italia centrale: i v. toscani, umbri, laziali; il teatro in v. fiorentino; una ninna nanna in v. senese; «noi si va» per «noi andiamo» è un uso tipico del v. toscano.

Articolo: Maria Pia Catalani  Contributi fotografici: Paolo Marchetti

L'articolo I Gatti Mezzi, Musicians, Stage, Pisa, Italy sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Ci sono diversi modi, tuttavia, per “fare una cover”: si può scegliere il brano che conoscono tutti, canticchiarlo e suonarlo alla meno peggio, si può prendere spunto dalla storia narrata nel pezzo, trarre ispirazione e rivivere l’emozione, oppure si può letteralmente indossare il brano, impossessarsene, diventarne amante e farlo proprio, al punto da sconvolgere i sensi di chi ascolta. Ecco, questo è quello che abbiamo avuto il piacere di sperimentare al Bravo Caffè di Bologna grazie a Moris Pradella, perfetto per dar voce a Jimi Hendrix e i Quintorigo, semplicemente geniali nel riarrangiamento dei brani, in una “Quintorigo Experience”, che ripercorre i successi di questo mostro sacro della musica rock.

 

Ci sono diversi modi, tuttavia, per “fare una cover”: si può scegliere il brano che conoscono tutti, canticchiarlo e suonarlo alla meno peggio, si può prendere spunto dalla storia narrata nel pezzo, trarre ispirazione e rivivere l’emozione, oppure si può letteralmente indossare il brano, impossessarsene, diventarne amante e farlo proprio, al punto da sconvolgere i sensi di chi ascolta.

 

Moris Pradella è uno stupefacente musicista di Revere, in provincia di Mantova: un talento formidabile made in Italy ma di origine eritrea. Una voce soul, penetrante ed accattivante che vanta numerose esperienze ed eccellenti collaborazioni. Mi ha aperto le porte di casa sua a Ostiglia, fra pile di centinaia di CD, chitarre di ogni genere e le sinuose note di Miles Davis in sottofondo. Mi sono lasciata incantare dai suoi racconti e successivamente travolgere dalla sua voce. Impossibile non avere il classico pugno allo stomaco quando lo si sente cantare, ed essere ipnotizzati dalla sua performance.

Ciao Moris, raccontaci la tua storia dal principio: quando è iniziata questa splendida avventura con la musica, quando hai cominciato a suonare?

Suono da sempre, anche perché onestamente non avrei potuto fare altro nella vita. La musica è l’unico linguaggio che parlo e capisco realmente fin da bambino. In casa avevamo una chitarra che apparteneva a mio padre e ho iniziato a suonarla a sette anni. Ero, allora come adesso, molto curioso e sensibile alla magia della musica, mi emozionava, mi faceva ridere e mi faceva piangere, un’autentica storia d’amore; così a 12 anni, terminata la scuola media, ho voluto intraprendere un percorso formativo più serio e sono entrato al conservatorio di musica “Lucio Campiani” di Mantova, per studiare pianoforte. Purtroppo, però, non ho terminato gli studi.

Tu sei il classico musicista a tutto tondo, canti, suoni la chitarra, il basso, il pianoforte e hai anche un’altra peculiarità: l’orecchio assoluto. Ce ne parli? Di cosa si tratta?

Riconosco una nota musicale senza l’ausilio di uno strumento. Sento un suono qualsiasi e distinguo la nota, ascolto una canzone e riesco a riprodurla esattamente com’è. A detta di molti è un dono prezioso, è una cosa che non ho cercato, è genetico, ce l’hai e basta, non serve l’educazione musicale o essere un musicista. Per quanto mi riguarda, ho scoperto di avere l’orecchio assoluto in conservatorio. Ad accorgersene è stato l’insegnante di coro. È un bene perché, in quanto musicista, di certo ti facilita, allo stesso tempo, però, può essere un male per un amante della musica, perché si perde una delle cose più belle che la musica regala: il lasciarsi andare.

Ti perdi quello che puoi sentire solamente tu nella musica che stai ascoltando. A 5 anni ero più spensierato: mi ricordo che un giorno, mentre la radio trasmetteva la “Donna cannone” di De Gregori, ho cominciato a piangere disperatamente, nemmeno mia madre riusciva a calmarmi; il motivo è che avevo sentito la bellezza della musica e l’emozione mi aveva travolto. Ora, quando ascolto un brano, mi emoziono meno perché è come se avessi lo spartito davanti.

C’è stato qualcuno in particolare che ha notato il tuo talento quando eri piccolo e ti ha incoraggiato a intraprendere la carriera da musicista?

Sicuramente un’insegnante delle scuole medie: la vicepreside. Non ero molto bravo a scuola, passavo tutto il tempo a suonare e a preparare il saggio di fine anno, con la complicità anche dell’insegnate di inglese. All’esame di terza media ho suonato, la commissione mi ha chiesto cosa avessi preparato per la prova di ingresso al conservatorio, hanno portato una tastiera in aula e mi hanno fatto suonare, erano perfettamente consapevoli che volevo e avrei potuto fare solo quello nella vita e non mi hanno voluto ostacolare con una bocciatura… anzi, in questo modo, mi hanno favorito e mi hanno fatto andare incontro al mio destino.

Si può dire, quindi, che siano stati degli insegnanti molto comprensivi; in proposito, cosa pensi dell’insegnamento?

Insegnare è una cosa delicata da fare, non basta studiare o prepararsi per farlo, bisogna avere una predisposizione a trasmettere un’emozione. Io ho sempre avuto insegnanti validissimi: quello di composizione (Paolo Perezzani), per fare un esempio, non ascoltava solo Bach, ma anche gruppi come i King Crimson. Era bello interagire con lui perché parlavamo di Hendrix e al tempo stesso di Beethoven.

L’insegnante deve trasmettere quello che ha dentro: le sue esperienze e i suoi viaggi. La vita di un musicista non è fatta solamente di spartiti e note, ma di serate, esperienze e arrabbiature; tutto questo devi categoricamente comunicarlo, insegnare musica non deve essere noioso, ma accattivante e coinvolgente.

«L’insegnante deve trasmettere quello che ha dentro: le sue esperienze e i suoi viaggi. La vita di un musicista non è fatta solamente di spartiti e note, ma di serate, esperienze e arrabbiature; tutto questo devi categoricamente comunicarlo, insegnare musica non deve essere noioso, ma accattivante e coinvolgente».

Sei a tua volta un insegnante di musica?

Sì, mi piace molto insegnare ma, al momento, riesco a seguire solo un ragazzo. È mio allievo da quando aveva 8 anni e mi ha dato grandi soddisfazioni: è un chitarrista eccellente. Come insegnante sono schietto e diretto, nel bene e nel male. Se ritengo che qualcuno non sia valido glielo dico subito, senza mezzi termini. Mi è capitato di vedere di tutto in passato, i più terrificanti sono quelli che arrivano a lezione con la stratocaster imballata e amplificatori potentissimi, ma, nonostante le chitarre da 4000 euro, per mesi non riescono a fare progressi. Il mio consiglio: vendi la chitarra e usa quei soldi per fare davvero quello che ti piace fare nella vita! Bisogna fare quello per cui si è portati e che piace davvero, non insistere in cose che non portano a nulla.

John Cage diceva che per imparare la grammatica musicale ci vogliono 20 minuti, i successivi 10 minuti possiamo cominciare a parlare di jazz e musica contemporanea; questo per dire che gli ingredienti sono pochi e molto semplici, se sei portato per la materia sai come utilizzarli.

Cosa ti rende davvero soddisfatto e completo in quanto musicista?

Alla fine l’unica cosa che mi interessa è proprio fare il musicista. Io non ho particolari ambizioni, il successo non mi ha mai interessato. Mi è sempre importato di capirne di musica e basta, è per questo che ne ascolto anche tanta. La musica mi ha regalato delle gioie infinite, nasce da dentro. Ancora oggi mi capita di piangere grazie alla musica. Con “K3”, un progetto che mi vede a fianco di Stefano Cappa (basso) e Adriano Molinari (batteria), per esempio, mi succede spesso. C’è una sintonia particolare che non è studiata; considera che noi non proviamo mai perché non abbiamo tempo, ma quando suoniamo insieme si crea una magia particolare, c’è un’empatia incredibile ed è una cosa che percepisce anche il pubblico. Quello che succede nella serata è tutto vivo e spontaneo, accade solo in quel momento e a me spesso scendono i lacrimoni. È lì la bellezza della Musica.

«Alla fine l’unica cosa che mi interessa è proprio fare il musicista. Io non ho particolari ambizioni, il successo non mi ha mai interessato. Mi è sempre importato di capirne di musica e basta, è per questo che ne ascolto anche tanta. La musica mi ha regalato delle gioie infinite, nasce da dentro».

Fra i musicisti a cui sei più legato, chi sono quelli che non smetteresti mai di ascoltare?

Primi fra tutti: Jimi Hendrix e Miles Davis. In casa ho tutto originale, italiani da una parte, stranieri da un un’altra e una pila di cd solo di Miles Davis. È stato un musicista incredibile. Forse, ma è una considerazione personale, Mozart a parte, è stato il più grande musicista di tutti i tempi. Era un camaleonte, cambiava sempre. I suoi pezzi sembrano scritti da mani diverse. È stato un innovatore e pochi musicisti hanno questa dote: cambiare e non annoiare mai, stupire ogni volta, senza andare fuori tema, perché altrimenti non “arriva” niente. “Play the theme”, anche quando stai facendo l’assolo, pensa al tema, tu sei il Maestro che dirige l’orchestra e devi assicurarti che ci sia sempre armonia.

Per tutti i musicisti arriva l’adrenalinico momento dell’esibizione “live”, della condivisione delle proprie esperienze e del confronto con se stessi e il palcoscenico. Che ricordi hai delle tue prime esibizioni?

Ho iniziato ad esibirmi a 16 anni, suonando in trio la musica di Hendrix. A Revere (MN) c’era un bel giro di musicisti e io suonavo con delle persone molto più grandi di me, sebbene fossi un adolescente. Tuttavia era sempre lo stesso giro ed io ero curioso e desideroso di imparare altro, così un giorno, assieme ad un mio amico batterista, ho partecipato ad una Jam session jazz, a Modena. Sono andato a questa jam tutti i sabati per tre mesi di seguito, senza mai suonare, ascoltavo e basta, imparavo. Non sapevo nulla di jazz. Ho iniziato a imparare sonorità nuove e a me sconosciute, a crescere musicalmente, a sperimentare e a mettermi alla prova. È stato in quel periodo, pieno di stimoli ed esperienze nuove, che mi sono ritrovato per caso sul palco con Sugar Blue  (armonicista dei Rolling Stones); mi ero esibito prima di lui, mi ha sentito suonare, gli sono piaciuto e mi ha invitato ad accompagnarlo con la chitarra, ho fatto praticamene tutto il live con lui! Questa è una delle prime esperienze veramente belle che mi ricordi.

Vorrei che mi parlassi di alcune esperienze musicali. Ti sei trovato in situazioni prestigiose come quella del Montreaux Jazz Festival e sei stato impegnato in tour di tutto rispetto come “Sun” con Mario Biondi: che ricordi hai in merito?

Il Montreux Jazz Festival è qualcosa di pazzesco, si tratta di uno dei festival più importanti al mondo. È stata una di quelle occasioni che ti capita poche volte nella vita. Suonavo quaranta minuti alla fine del festival, nell’albergo che ospitava i musicisti che si esibivano. Il repertorio era di 180 pezzi perché ogni sera dovevamo cambiare scaletta. Nella sala ad ascoltarci c’erano tutte le sere: Quincy Jones, Santana, George Benson, Chaka Khan, insomma una situazione surreale. Erano tutti lì: la storia della musica. L’ultima sera del festival la direzione artistica ci ha chiesto di terminare con “Smoke on the water”. Questo brano pare sia stato composto dai Deep Purple proprio a Montreaux mentre il casinò bruciava, la leggenda dice a causa di un mozzicone di sigaretta di Frank Zappa, in realtà fu in seguito ad un razzo segnaletico sparato da uno spettatore durante il concerto di Zappa. Quasi al termine della serata, quando mancavano ancora quattro pezzi per ultimare la scaletta, entrano in sala proprio loro: i Deep Purple, che quell’anno avevano chiuso il festival. Il mio gruppo non voleva assolutamente suonare “Smoke on the water” davanti a loro, io mi sono fatto coraggio e ho iniziato suonare il riff. È cominciato il delirio in sala, il pezzo è durato venti minuti e i Deep Purple sono saliti in piedi sui tavoli e si sono messi a ballare e ad applaudirci! L’emozione è stata indescrivibile, riesci ad immaginare qualcosa del genere?

Con Mario Biondi ho partecipato come corista al tour “Sun” del 2013. Mi aveva contattato la sua manager perché stavano cercando un corista e Mario, che mi aveva conosciuto molti anni prima, quando io avevo 18 anni e, soprattutto, lui aveva ancora i capelli e per giunta lunghi, si è ricordato di me. Biondi ha una memoria incredibile e io mi sono trovato al posto giusto nel momento giusto. Mi ha dato un grande insegnamento, mi ha sempre detto: «Fai tutto, porta a casa tutte le esperienze». Ed è quello che faccio, non ho mai avuto un agente, i musicisti mi conoscono perché mi esibisco tanto. Questo non vuol dire che io abbia sempre detto di sì a quello che mi è stato proposto, ho sempre valutato soprattutto la qualità delle esperienze, ma non mi sono lasciato sfuggire delle occasioni.

Di recente abbiamo avuto il piacere di ascoltarti al Bravo caffè di Bologna con i Quintorigo. Come e quando è iniziata la collaborazione con loro?

È stato un passaparola, una coincidenza: i Quintorigo si esibivano a Bari per il concerto del primo maggio, stavano cercando un cantante che potesse seguirli nel progetto su Hendrix, il loro fonico mi conosceva e ha suggerito il mio nome. Ho fatto il provino e mi hanno preso, tutto qui. Ed ora sono quattro anni che giriamo l’Italia con il progetto “Quintorigo Experience”, il cui nome si rifà all’originale “Hendrix Experience”. Con i Quintorigo ho avuto il piacere di esibirmi al Blue Note di Milano, all’Umbria Jazz e all’Umbria Jazz Winter, assieme anche ad Eric Mingus, figlio del genio del jazz Charles Mingus. Ero molto nervoso, io amo il jazz ma non lo suono, quindi mi sentivo emozionatissimo. È un progetto del quale sono molto soddisfatto e sono certo che lo porteremo sul palco ancora per molto tempo.

Hendrix è un argomento immortale e l’arrangiamento messo in piedi dai Quintorigo è strepitoso, non avrei mai potuto immaginare che un organico così inconsueto potesse dare questi risultati: violino (Andrea Costa), violoncello (Gionata Costa), contrabbasso (Stefano Ricci) e sassofono (Valentino Bianchi) al posto della chitarra distorta e infuocata di Jimi Hendrix! Sono dei musicisti incredibili, degli innovatori, sperimentatori e inventori di nuove sonorità, ti catturano, ti sorprendono! Suonare con i Quintorigo è un viaggio che vale la pena godere fino in fondo.

Attualmente collaboriamo assieme ad altri due progetti: “Quintorigo & Roberto Gatto play Frank Zappa”  e “Play Mingus”

Il progetto su Frank Zappa tecnicamente è molto più complesso di quello di Hendrix. Alla batteria abbiamo l’onore e il piacere di avere Roberto Gatto, fuoriclasse del jazz italiano ed internazionale. Mi sta dando delle grandi soddisfazioni, è molto bello quando chi ti ascolta ti dice: «Non conoscevo Zappa, ma dopo stasera penso che andrò ad ascoltarmelo», significa che hai toccato le corde giuste.

Adesso mi piacerebbe molto suonare in un tour all’estero con i Quintorigo. A chi non piacerebbe?

Nello stesso tempo mi sto dedicando alla scrittura di canzoni mie, mi piace molto, però scrivo tutt’altro, canto soul, blues etc. ma quando mi metto alla chitarra sono pop, non so perché! Tuttavia non mi ritengo un cantautore ma un interprete, anche se non so ancora cosa farò da grande. I musicisti restano sempre un po’ bambini, non crescono mai.

Articolo: Maria Pia Catalani  Contributi fotografici: Maria Elia Natali

L'articolo Moris Pradella & Quintorigo, Stage, Bologna, Italy sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Veronica Marchi intraprende molto presto la sua carriera artistica. Sin da bambina ottiene numerosi consensi esibendosi in svariate manifestazioni e concorsi.

Una carriera precoce la sua, costellata di successi e illustri collaborazioni con artisti del calibro di Cristina Donà, Niccolò Fabi, Nada, Antonella Ruggiero, Marta Sui Tubi, Davide Van de Sfroos, Eugenio Finardi solo per citarne alcuni.

Il debutto ufficiale come cantautrice arriva nel 2005, con l’album omonimo “Veronica Marchi” prodotto artisticamente dalla stessa cantautrice in collaborazione con Mauro Magnani.

Il 2008 è l’anno del suo secondo album “L’acqua del mare non si può bere” che contiene il singolo “Splendida Coerenza” grazie al quale si aggiudica il primo posto ed il premio della critica al Giffoni Music Concept. Da qui inizia un percorso lungo e solitario sino all’agosto del 2011, quando Veronica Marchi entra in studio con Maddalena Fasoli, Andrea Faccioli e Nelide Bandello per registrare il terzo album intitolato “La guarigione”. Nel giugno 2014, dopo una fortunata campagna di raccolta fondi sulla piattaforma Musicraiser, Veronica Marchi pubblica il suo primo album da interprete intitolato “coVer”.

Il nostro incontro con Veronica Marchi ci ha svelato una donna genuina, delicata e senza maschere. Una musicista raffinata, oltre che una preziosa interprete, alla quale non serve molto, è sufficiente l’accompagnamento di una chitarra acustica per coinvolgere il pubblico in un’atmosfera intensa e al contempo intima.

Veronica Marchi ci accoglie nella sua casa, un appartamento affacciato sul verde delle Mura di Porta San Zeno, a Verona, dove vive assieme a Marvel, il suo affettuoso golden retriever, e il suo gatto Batú.

Grazie Veronica per averci accolto in casa tua. Possiamo considerare il tuo appartamento come il tuo spazio creativo principale e nello stesso tempo il luogo in cui tieni le tue lezioni di canto?

Casa mia è entrambe le cose. Qui è dove trovo ispirazione per comporre e dove svolgo la mia attività di insegnante di canto. Per questo motivo il mio appartamento non è solo un luogo dove tornare la sera, ma è parte fondamentale della mia vita.

La scelta di  vivere in questo quartiere è stata una scelta consapevole, legata anche al tuo percorso emotivo e professionale?

Ho cambiato tantissime abitazioni negli ultimi anni. Mi è sempre piaciuta l’idea di avere la possibilità di scegliere; tuttavia, quando sono entrata in questa casa, ho percepito una sensazione diversa. Forse non incanta quanto altri appartamenti in cui ho vissuto, ma qui dentro ho sentito un’energia nuova, una sorta di risonanza quasi perfetta.

Anche se coltivo ancora un sogno: quello di avere una dimora con all’interno il mio studio di registrazione. La immagino in un posto più isolato, come ad esempio un bosco. È un desiderio che serbo dentro di me da tanto e sono sicura che prima o poi diventerà realtà. Tuttavia, per quanto io ritenga la mia casa il rifugio ideale per comporre e suonare, ho imparato, per forza di cose, ad adattarmi. Una volta ero molto legata alla casa dei miei genitori dove componevo sempre nello stesso angolo, vicino ad una finestra.  Iniziando a viaggiare in tournée ho imparato a scrivere canzoni e provare melodie in qualsiasi contesto.

«coltivo ancora un sogno: quello di avere una dimora con all’interno il mio studio di registrazione. La immagino in un posto più isolato, come ad esempio un bosco. È un desiderio che serbo dentro di me da tanto e sono sicura che prima o poi diventerà realtà».

Come catturi i momenti d’ispirazione che ti portano a realizzare un nuovo pezzo?

Da bambina ero legatissima a determinati luoghi nei quali mi sentivo a mio agio per poter scrivere nuovi brani. Crescendo ho cominciato a catturare anche le idee che sopraggiungono in un istante. È cambiato profondamente il modo di lasciarmi ispirare dalle cose e dagli ambienti, e così ora registro tutto quello che mi sento di dire. Mi lascio andare a quello che accade intorno a me. Ad esempio, il brano “La passeggiata” è nato esattamente così, mentre camminavo, e le parole mi sono venute in mente una dietro l’altra dando inizio ad un processo inarrestabile.

Hai scritto la tua prima canzone all’età di nove anni, mostrando subito un grande talento musicale e canoro. Hai mai percepito una sorta di aspettativa nei tuoi confronti?

Il fatto di aver cominciato così presto ha creato subito un’aspettativa esagerata per questo classico caso di “enfant prodige”. Mi sono sentita spesso fuori tempo, come costretta a  rincorrere qualcosa che mi stesse sempre sfuggendo. È un po’ quello che succede quando il curriculum si fa di volta in volta sempre più lungo e arrivano i commenti delle persone che riversano enormi aspettative sull’artista. Il mio carattere mi ha portato ad allontanarmi un po’ dall’idea che gli altri si erano fatti di me. Oggi posso dire di sentirmi appagata della mia carriera: il fatto di vivere di musica rappresenta già un successo di per sé; tuttavia, quando passa così tanto tempo dagli esordi di una carriera, ti senti volente o nolente,  sempre un po’ in ritardo.

In questo percorso uno dei miei capisaldi è stata la mia famiglia: partecipando a concorsi canori fin da bambina, non ho avuto quella che si può definire un’infanzia convenzionale per una bambina di quell’età, tuttavia ho sempre fatto esattamente quello che volevo, senza nessuna imposizione esterna. E in questo ho avuto il loro totale appoggio.

C’è stato un preciso momento in cui hai deciso di voler diventare una musicista?

No. La volontà di vivere e respirare musica ha sempre fatto parte di me. Ho un carattere molto determinato: vado dritta per la mia strada, e a volte fatico a vedere gli angoli.

Ci sono stati anche momenti difficili in cui ho dovuto soffermarmi e capire quali fossero le cose più importanti. Se dovessi trovare un momento preciso lo collocherei subito dopo aver scritto la mia prima canzone all’età di nove anni. È un ricordo estremamente vivido perché mi sono sentita esattamente me stessa.

«La volontà di vivere e respirare musica ha sempre fatto parte di me. Ho un carattere molto determinato: vado dritta per la mia strada, e a volte fatico a vedere gli angoli».

Fra le tante cose, hai rivestito anche il ruolo di produttrice. Come ti ritrovi in questa veste?

Recentemente ho prodotto un talento emergente, la cantante Maria Sole . L’ho fatto perché ritengo che la sua voce trasmetta delle emozioni. Oggi mi piace misurarmi con artisti diversi, non devo produrre per forza qualcosa che rimandi necessariamente al mio stile.

La produzione è un aspetto del mio lavoro che mi interessa molto, in quanto costituisce la naturale evoluzione dell’insegnamento, significa andare oltre il ruolo del coaching vocale ed essere parte integrante di un progetto.

Nella mia carriera ho scritto tantissimi brani, solo per me. Ora è come se volessi iniziare a condividere con altri la mia esperienza di musicista, non solo con l’insegnamento ma anche attraverso le canzoni. Si tratta di una strada con un percorso lunghissimo ma autentico. Ultimamente mi è capitato anche di comporre su commissione. Ho scritto una canzone per un progetto dal titolo “Anatomia Femminile”, nato dall’idea del giornalista musicale Michele Monina e piú recentemente ho partecipato alla stesura di un libro interattivo per una ditta che produce pale eoliche con un brano che parla del vento.

La mia carriera è sempre stata contraddistinta dal rifiuto dei compromessi. Di conseguenza, scrivere per conto terzi ha rappresentato, fin da subito, una sfida con me stessa, soprattutto nel confronto con stili musicali diversi dal mio. Se sono libera di esprimermi, però, la trovo un’occasione in grado di arricchirmi dal punto di vista professionale.

Credi che si tratti di un’evoluzione personale oltre che di una scelta professionale?

Direi che le cose coincidono. Per chi fa un tipo di musica come il mio, dove non si punta praticamente mai sull’immagine ma sul contenuto, quest’ultimo coincide per forza con la tua vita, la tua evoluzione e la tua crescita. Ho imparato con il tempo a smussare lati del mio carattere: aspetti che hanno ostacolato inconsapevolmente la mia carriera, soprattutto in momenti in cui avrei potuto prendere al volo treni molto importanti. Ero convinta di non dover cambiare nulla di quello che componevo. Con il tempo e l’esperienza ho imparato a essere più malleabile.

Negli ultimi tempi ti sei cimentata anche in un tour in Europa dell’Est. Come valuti un’esperienza in un contesto geografico e musicale così differente da quello italiano?

Mi sono esibita in contesti molto particolari ed intimi sia in Polonia che in Repubblica Ceca. Posso dire di avere vissuto un’esperienza incredibile e al contempo straordinariamente intensa. Di solito, durante le mie esibizioni tendo a parlare con il pubblico tra un brano e l’altro, quasi a voler coprire i silenzi. In questa tournèe non ho proferito parola. Questo perché ho percepito un’attenzione e una partecipazione talmente forti, da rendere superflua qualsiasi cosa che non fosse semplicemente musica.

Quest’esperienza mi ha fatto pensare che, alla fine, l’intensità dei momenti che si crea in un concerto regala sempre un’emozione, anche nel caso in cui il testo non venga compreso perché in lingua straniera. Un’emozione è in grado di passare oltre le parole.

«Un’emozione è in grado di passare oltre le parole».

Hai ricordi di altre esibizioni dal vivo che ti hanno regalato delle forti emozioni?

Di emozioni ne ho vissute a centinaia ma se proprio dovessi raccontarne una, la scelta cadrebbe sul mio primo incontro con Niccolò Fabi nel 2004. Ero in procinto di pubblicare il mio primo album di inediti e venni contattata dalla responsabile comunicazione dell’università di Verona che mi prospettò l’opportunità di suonare un mio pezzo durante l’intervento che Niccolò avrebbe tenuto sul tema della scrittura di canzoni da lì a pochi giorni.

Essendo una sua fan fin dai tempi di suoi esordi, la sola idea di poterlo incontrare mi aveva già regalato un’emozione indescrivibile. Quando lo incontrai nel camerino mi accolse abbracciandomi e chiedendomi cosa avrei cantato sul palco. Con una disinvoltura che stupì anche me risposi che avrei voluto esibirmi con “Lasciarsi un giorno a Roma”. Niccolò mi chiese di sentirla; in un attimo ci trovammo a cantare insieme. I brividi mi presero dalla punta dei piedi fino alla testa: non alzai mai lo sguardo durante questo duetto improvvisato e quando mi chiamò sul palco, durante il suo intervento, cantò assieme a me, lui al pianoforte e io alla chitarra, e successivamente mi invitò a suonare un mio brano; cantai “Bambina”, una canzone che ho scritto quando ero adolescente e che parla di sogni, di volare via dalla realtà e di tornare a giocare, a vivere. Forse in quel momento della mia vita ho davvero sognato di volare: fortunatamente però era tutto reale e Niccolò è esattamente come appare, una persona genuina. Mi ha insegnato molto di quello che sono ora.

In merito al fatto di esibirsi davanti a platee numerose, cosa ne pensi invece della tua partecipazione ad un evento veronese di Sofar Sound, un progetto di musica dal vivo in cui luogo e artista sono sconosciuti al pubblico fino a pochi attimi prima dell’inizio della performance?

È un’esperienza che ha un sapore di imprevedibilità e conquista nello stesso tempo. La reazione del pubblico si percepisce immediatamente: lo stupore, la sorpresa, la recettività o semplicemente la delusione. La condizione intimista mi piace molto, spesso sono stata io a ricercarla esibendomi tanto in locali quanto in contesti domestici e confidenziali.

Il tuo ultimo album “coVer” contiene 11 brani che, in modi diversi, hanno lasciato un segno indelebile nella musica degli ultimi anni. Ad ognuno di questi brani hai conferito una nuova personalità reinterpretandoli secondo il tuo stile e le tue sonorità. Cosa significa per te “affrontare” testi musicalmente così importanti?

Quando realizzo una cover mi dimentico dell’artista, arrivo quasi a scordarmi la composizione originale: è come se riscrivessi da capo la canzone. Cerco di percepire l’emozione del testo e di comprendere se il brano può star bene addosso a me, quasi come fosse un abito sartoriale. Così è stato per ognuno degli undici pezzi contenuti nell’album, in modo particolare per “Walk” dei Foo Fighters. Sono da sempre innamorata di questa canzone e ascoltandola ad un loro concerto sono letteralmente impazzita. È un brano nel quale mi identifico molto, soprattutto in questo periodo in cui ho l’esigenza, ancora una volta, di rinnovarmi per me stessa e soprattutto per chi mi segue da tanti anni.

A proposito di rinnovamento e cambiamento, tu sei nata a Verona ed eserciti la tua professione di musicista principalmente in questa città: non hai mai avuto voglia di andare via? Ad esempio all’estero.

La prima volta che ho pensato di andare via da Verona è stato in seguito ad una crisi personale. Volevo trasferirmi a Roma. Ho capito, però, che il problema era un altro e ho deciso di risolverlo qui. Ho preferito scavare dentro di me anziché portarmi i problemi dietro.

È affascinante l’idea di abbandonare il “nido”, perché si fanno nuove esperienze, tuttavia io preferisco muovermi per poi ritornare a Verona, perché questa città mi piace, è bella e mi piace l’Italia. Potrei valutare di muovermi dal mio Paese solo nel caso in cui avessi un progetto vero e concreto. Ma in fondo, perché non proviamo ad essere coraggiosi e rimanere?

Articolo: Maria Pia Catalani   Shooting fotografico: Adriano Mujelli 

L'articolo Veronica Marchi, Songwriter, Stage & Home, Verona, Italy sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.