Bellissima, bravissima, richiestissima. Elena Salmistraro è stata appena proclamata “Best designer of the year” da Frame Magazine. Un premio che sancisce globalmente il successo che l’ha accompagnata per il 2021-2022, anni nei quali ha realizzato progetti iconici per brand altrettanto iconici.

Qualche esempio? Da Apple a Disney, da Vitra a Bosa, Nike, Driade ed Alessi, passando per Natuzzi e Cedit, Technogym, Scapin e Cappellini, solo per citarne qualcuno.

Che si tratti di tappeti, sedute, gioielli, borse, scarpe, vasi, mobili contenitori, installazioni, non importa: la sua produzione di oggetti spazia e si contamina, rimanendo però sempre riconoscibile.

“È come se l’arte e il design si fondessero in un’unica disciplina, superando vecchie concezioni ortodosse e restrittive”.

Può piacere o non piacere, ma ogni suo lavoro, puntalmente, è un successo di pubblico e critica. Forse per questa sua smisurata fantasia, o per il modo in cui proietta la sua creatività ed emotività nei pezzi che disegna. Possiamo affermarlo: Elena Salmistraro è una trend setter. Anzi, è una shaper, vale a dire tra coloro che grazie al lavoro che svolgono sono capaci di plasmare il mondo intorno, di definire tendenze, di vedere i cambiamenti prima degli altri.

Elena, presentati sinteticamente (se ancora ce ne fosse bisogno)

Sono una designer, nel senso più ampio del termine. Con il mio studio ci occupiamo principalmente di product design, ma il nostro lavoro spazia dalla grafica all’installazione, passando per la moda e l’illustrazione. Mi affascinano molto le ibridazioni e credo che siano un ottimo modo per rappresentare la contemporaneità e proprio per questo cerco spesso di lavorare su quelli che sono i confini tra le varie discipline.

Colore, pattern, materia: raccontaci da dove arrivano il tuo stile e le tue collaborazioni creative

Da una formazione artistica, ho frequentato prima il liceo artistico, per poi laurearmi sia in fashion che product design al Politecnico di Milano.

Da piccola, quando ho iniziato a disegnare, l’ho fatto perché avevo la necessità di esprimermi, era la mia valvola di sfogo – e probabilmente lo è anche adesso – è il mezzo di comunicazione che preferisco. Con il tempo mi sono resa conto che i miei disegni si orientavano sempre più verso la descrizione di spazi, di luoghi carichi di oggetti e creature immaginarie, una naturale evoluzione che mi ha poi portato a riconoscere e individuare “elementi”, che ho imparato a codificare e sviluppare in un vero e proprio linguaggio espressivo che mi supporta e accompagna nella definizione dei miei progetti.

Un percorso lungo, di maturazione sia professionale che personale, in cui ho compreso che durante l’atto del disegno, della progettazione, anche inconsciamente, trasmettiamo parte di noi stessi all’oggetto: esiste uno scambio tra autore ed opera che è impossibile nascondere o negare. Questa consapevolezza mi ha permesso e invogliato a lavorare nella definizione di un segno personale altamente riconoscibile, fatto appunto di colori e pattern, che mi permettesse, attraverso un processo empatico, di descrivere e formalizzare emozioni e racconti. È come se l’arte e il design si fondessero in un’unica disciplina, superando vecchie concezioni ortodosse e restrittive.

Intersezioni disciplinari, tangenze, sovrapposizioni, cortocircuiti, nuovi paradigmi. Questa complessità sembra essere parte del tuo processo creativo, con realizzazioni che spaziano dai mobili alle scarpe, dalle borse agli imbottiti, dai rivestimenti alla tecnologia (penso al recente progetto per Huawei). Pensi questa sia una tendenza di tutta la tua generazione di designer?

Parlare di tendenze rispetto al design mi spaventa sempre un po’, ma capisco perfettamente cosa intendi. Credo che la mia generazione, a differenza delle precedenti, abbia abbandonato completamente il concetto di stile, di gruppo, di movimento, a favore di una sorta di individualismo, un’autorialità progettuale, fatta di contaminazioni e legata agli insegnamenti del passato, ma comunque sempre molto autonoma e consapevole, indipendente e non subordinata.

“Credo che la mia generazione, a differenza delle precedenti, abbia abbandonato completamente il concetto di stile, di gruppo, di movimento”.

Questo slegarsi dall’ortodossia della disciplina – che è già di suo un cortocircuito – fa sì che aumentino le sovrapposizioni e le intersezioni, che sono tra l’altro sempre esistite. Credo che l’attuale panorama del design internazionale fortunatamente non abbia una unica direzione, ma una molteplicità, una vastità di vedute ed intenti. Cosa che se da un lato può apparire come un mare confuso e privo di direzione, dall’altro è una fonte inesauribile di stimoli e possibilità.

Design di Prodotto: la tua produzione è vasta. Raccontaci 3 progetti significativi.

Devo obbligatoriamente partire dai Primates, una collezione di vasi che ho disegnato per Bosa Ceramiche nel 2017. È il primo progetto dove sono riuscita a mettere in pratica quello che intendo per ibridazione; ho disegnato appunto dei vasi che ricordano vagamente le teste di moro Siciliane, ma che ritraggono degli animali primitivi, utilizzando come linguaggio stilistico, lo stesso che fino al quel momento utilizzavo solamente per i dipinti e le illustrazioni, quindi un linguaggio molto pop, flat, dove non esiste tridimensionalità e dove i volumi e i colori sono netti, privi di ombre (che nella trasposizione tridimensionale compaiono come se il disegno bidimensionale prendesse vita).

Poi sicuramente arriva Chimera, la collezione di lastre in grés porcellanato realizzata per Cedit-gruppo Florim, dove racconto in quattro capitoli differenti quelli che sono i miei punti di riferimento nella definizione di un progetto: Ritmo, Empatia, Radici e Colore. Macro capitoli che vengono sviluppati e approfonditi soprattutto attraverso l’utilizzo di texture tattili innovative, di colori e linguaggi differenti. Una collezione stratificata, densa, contemporanea.

E infine Posidonia, disegnata per Natuzzi, dove cerco di raccontare la Puglia e la mediterraneità attraverso il racconto del mare. È un progetto dove ho cercato di sommare tutti gli elementi in mio possesso e soprattutto di confrontarmi con una scala nuova, rispetto a quella a cui ero abituata. Penso ad esempio al divano reclinabile, dove ho gestito dimensioni e tecnologia senza dimenticare la componente estetica ed onirica.

“Il  mio interesse si rivolge principalmente ai giovani, ai nuovi approcci, e ai nuovi punti di vista, è lì che prendono vita le sperimentazioni, che l’incoscienza aiuta a superare i limiti”.

Chissà che lavoro sognavi di fare da piccola. Chi sono, oggi, le tue ispirazioni? 

Quando ero bambina sognavo di fare la pittrice. Ricordo mio nonno che mi portava a vedere le mostre in giro per Milano o le meraviglie della pinacoteca di Brera e avrei voluto essere io la pittrice di quelle opere. Oggi non sono proprio una pittrice, ma comunque mi ritengo molto fortunata nell’essere riuscita a fare ciò che amo e che credo di riuscire a fare bene.

Non ho particolari punti di riferimento artistici, se proprio devo guardare e scoprire qualcosa, il mio interesse si rivolge principalmente ai giovani, ai nuovi approcci, e ai nuovi punti di vista, è lì che prendono vita le sperimentazioni, che l’incoscienza aiuta a superare i limiti.

Il tuo stile non può essere certo definito minimalista. Che valore dai alla decorazione?

La decorazione è parte integrante del mio lavoro, mi piace dire che è funzionale al progetto. Non è semplice aggiunta, non è sterile abbellimento, ma è parte di una complessità stratificata.

Sono convinta che non si debba aggiungere solo per il piacere di farlo, per questo nei miei lavori ogni tratto, ogni segno, ogni linea, ha la sua giusta e giustificata collocazione. I pesi, le valenze sono molto importanti all’interno della composizione generale e spesso puntinare una superficie mi permette di renderla più evidente, di esporla, di attribuirle un peso specifico, un significato, una luce differente.

L’arricchimento delle superfici è anche una necessità stilistica che deriva dal mio modo di disegnare, che è molto simile a quello dei fumetti e dove l’assenza di ombre viene colmata con pattern e tratteggi.

Per quanto riguarda invece gli spazi intesi come installazioni il processo compositivo è molto simile. Amo gestirli nella loro interezza e nel pieno della loro luce, come se fossero dei contenitori, degli scrigni, perché altrimenti si rischierebbe confusione e sovrapposizioni che andrebbero a rendere meno evidente il contenuto.

Se non vivessi a Milano, la città del design per eccellenza, dove altro ti piacerebbe lavorare e perché?

Ho sempre sognato di vivere a New York, ma per ora l’ho solo visitata da turista.

Il mio lavoro si nutre di energia vitale, ho bisogno di osservare e comprendere quello che sta accadendo oggi, per poterlo poi raccontare ed elaborare, e credo che non esista un posto migliore al mondo per fotografare la realtà. Se come dicevi il mio lavoro è frutto di tangenze, sovrapposizioni, cortocircuiti e nuovi paradigmi, New York è in assoluto il posto che ha esaltato e reso uniche queste caratteristiche, facendone il suo punto di forza.

Futuro prossimo: qual è il tuo sogno nel cassetto?

Il mio sogno nel cassetto è sempre quello di andare oltre, di fare qualcosa su cui non mi sono ancora confrontata, ricercare la novità per evitare di ripetermi e annoiarmi, che è il mio incubo peggiore. Credo che il giusto sogno sia qualcosa di grande, quasi utopico, tipo quello di confrontarsi con progetti ad una scala superiore, che vadano oltre l’installazione spaziale e che magari che tocchino l’architettura o la città.

Articolo: Giulia Mura
Foto: Giulia Riva, Juliano Araujo, Virginia Bettoja

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È un luogo straordinario per varietà e qualità di piazze, strade, vicoli e scorci che intersecano la vivacità contemporanea, rendendola davvero multiforme. Ma, come tutte le città, non è esente dalla presenza di luoghi abbandonati e in degrado e dall’esistenza di strutture erette e poi dimenticate la cui funzione potrebbe essere rivitalizzata traendone, in questo modo, nuova luce e dignità. Questo è l’obiettivo principale dell’associazione A.G.I.L.E (Arte Giovani Impresa Lavoro Ecc.), un gruppo di giovani professionisti appartenenti a diversi settori, accomunati dall’amore per la propria realtà urbanistica e guidati dalla precisa volontà di ripensare e recuperare spazi che, altrimenti, andrebbero definitivamente perduti.

Li ho incontrati in una delle loro attività di sensibilizzazione sul tema, scoprendo dei ragazzi pragmatici e convinti del fatto che solo con l’impegno attivo è possibile provare a cambiare la prospettiva delle cose. A raccontarmi la loro storia ci hanno pensato Michele De Mori e Francesca Lui.

(ndr: le immagini del presente articolo sono riferite alla visita alla ex provianda di Santa Marta, illuminante esempio di recupero e riuso di complessi di archeologia industriale. Michele De Mori, presidente di A.G.I.L.E, ci ha fatto da guida in questa visita).

Quali sono state le premesse che hanno portato alla costituzione di A.G.I.L.E.?

Francesca: possiamo dare la “colpa” ad una convergenza di idee di persone che per mentalità, sensibilità e visione d’insieme hanno deciso di fare qualcosa per riportare alla luce il patrimonio edilizio abbandonato o poco conosciuto della nostra città.

Michele: tutto è nato nello studio di un ingegnere che stava lavorando alla possibilità di portare sui Bastioni Austriaci della città una manifestazione legata alla street art. Alessandro, futuro membro di AGILE, stava infatti sviluppando la sua tesi di laurea in architettura proprio sul recupero della cinta magistrale durante il suo tirocinio presso lo studio dell’ingegnere. Da questo incontro è nata l’idea dell’Associazione.
Questa prima esperienza ci ha convinto della bontà dell’idea che vi stava alla base: la necessità di proporre idee nuove e concrete per il recupero edilizio dei luoghi abbandonati nostra città e cercare di creare luoghi di aggregazione per realtà giovanili che hanno bisogno di spazio per non essere soffocate.

Da questa riflessione è nata, nell’estate del 2012, l’Associazione A.G.I.L.E (Arte Giovani Impresa Lavoro Ecc.) formata dal sottoscritto, Alberto Bragheffi, Roberto Tavella, Alessandro Scalia, Barbara Alberti, Filippo Olioso e Rossana Boni. Nacque come associazione multidisciplinare, con una spiccata propensione verso l’architettura, ma ad oggi si può considerare quasi alla stregua di uno studio professionale, avendo tra le nostre fila professionalità quali sociologi, architetti e anche organizzatori di eventi.

Francesca: l’associazione ha preso poi vita nel corso degli anni, raggruppando persone e professionalità che avevano come comune interesse il recupero e il riuso del territorio. Il motivo di tale comunione d’intenti è presto detto: non si può continuare a costruire edifici senza soluzione di continuità e senza criteri di sostenibilità.

«Non si può continuare a costruire edifici senza soluzione di continuità e senza criteri di sostenibilità».

Michele: Il primissimo progetto di A.G.I.L.E mirava proprio a sensibilizzare l’opinione pubblica su questo tema ed era costituito da un piano di proposte per il recupero delle strutture dell’ex zoo comunale. Si trattava di un progetto da veri e propri “sognatori”, dove l’innocenza dettata dall’entusiasmo non ci ha permesso di capire subito quali fossero le problematiche reali da affrontare quando si parla di un recupero di tali dimensioni.

Messa nel cassetto questa prima idea, ci siamo dedicati a qualcosa che fosse alla nostra portata.
Con il nostro secondo progetto, denominato “Dietro L’Angolo”, abbiamo selezionato degli spazi urbani, come il sottopasso pedonale di Porta Vescovo e il sotto cavalcavia di viale Piave, nei quali, nonostante lo stato di abbandono,  avevamo intravisto grandi potenzialità, grazie alla struttura integra e al buono stato di conservazione generale. Abbiamo quindi presentato al Comune delle idee che consentissero di ridare vita a questi luoghi: ottenuto l’assenso dalle autorità comunali, il nostro progetto ha avuto inizio.
Una volta riscontrato il grande successo di questa iniziativa, abbiamo proseguito proponendo altre idee e accendendo piccoli raggi di luce su altre situazioni urbane abbandonate che meritavano una seconda opportunità.

Come vi collocate nel contesto politico – sociale della vostra città?

Michele: A.G.I.L.E ha un interesse principale: attirare l’attenzione sul potenziale inespresso del territorio urbano, in particolare quello in disuso, e sulla sua storia. L’Associazione è assolutamente apartitica: ci preme evidenziare le problematiche del territorio e studiarlo. Siamo senza colore politico e così vogliamo rimanere.

Vi siete occupati del censimento del patrimonio edilizio abbandonato di Verona, proprio con lo scopo di portare i cittadini alla consapevolezza di quanto non conoscono del contesto urbano in cui vivono.

Francesca: abbiamo mappato Verona, strada per strada, palmo a palmo, segnalando tutti i luoghi abbandonati ed evidenziandone le caratteristiche in termini di superficie e dimensioni. Analizzare in prima persona ogni metro della propria città a piedi o in bicicletta, sapendo che i tuoi compagni stanno facendo lo stesso, porta a scoprire edifici e aree urbane che in nessun’altra occasione avremmo esplorato in modo così diretto. Una volta terminato il lavoro di rilievo siamo passati alla fase operativa di assemblaggio dei dati e della loro analisi, restituendo una realtà costituita da 555 luoghi abbandonati, tra case, capannoni e interi palazzi.

«Abbiamo mappato Verona, strada per strada, palmo a palmo, segnalando tutti i luoghi abbandonati ed evidenziandone le caratteristiche in termini di superficie e dimensioni».

Avete constatato nella vostra ricerca alcuni casi eclatanti di abbandono con un potenziale di recupero elevato?

Francesca: senza dubbio il magazzino approvvigionamenti dismesso delle Ferrovie dello Stato di Porto San Pancrazio. Ogni luogo abbandonato ha una storia, antica o recente che sia, ed è importante conoscerla per poter capire se e come sia possibile intervenire sul suo abbandono.

Il deposito, costruito negli anni ’80, era uno dei centri tecnologicamente più avanzati in Europa per lo smistamento dei materiali. Dopo circa un decennio di attività è stato chiuso, nonostante un impegno notevole di risorse e suolo. È composto da una serie di ampi capannoni in ottimo stato con banchine perfettamente utilizzabili e difficilmente demolibili. Si tratta di un esempio di una vasta area recentemente edificata e urbanizzata, con grandi potenzialità, ma inutilizzata a causa del mancato raggiungimento di un accordo territoriale su cosa farne in caso di dismissione.

Michele: Il caso dell’Arsenale di Verona è a mio avviso l’esempio più eclatante. Il passaggio di consegne dalla gestione dell’Esercito al comune di Verona è datato ai primi anni ‘90 e all’epoca lo stabile si trovava in buone condizioni. Ad oggi lo stato di degrado e di incuria è inaccettabile. Il problema sta nel lasso di tempo che intercorre tra il primo giorno della dismissione di un edificio e l’inizio del degrado. Se si fosse trovato un accordo immediato sull’utilizzo degli spazi disponibili oggi non staremmo assistendo ad uno spettacolo desolante.

Facendo le dovute proporzioni, ci sono realtà metropolitane, soprattutto europee, che stanno facendo del recupero dell’abbandono il loro mantra. Ad esempio, a Londra sono stati tolti ad una situazione di degrado svariati quartieri, riuscendo a convertire vecchie strutture in luoghi di aggregazione. Anche in Italia si possono citare casi virtuosi, come ad esempio il restauro delle Officine Reggiane. A Verona pare, invece, che manchi la sensibilità verso questo tema.

Michele: è sempre necessario contestualizzare le cose, altrimenti il paragone non regge. Verona ha delle caratteristiche che rendono difficile la riflessione sul recupero creativo e innovativo dei luoghi abbandonati. Parliamo di una città dalla grande tradizione agricola, con un background culturale sicuramente differente da Londra. Una città che, anche dal punto di vista storico-urbanistico è rimasta per secoli isolata all’interno delle sue mura.
Verona è poi legata a due simboli: il mito di Giulietta e Romeo e l’Arena. Due fonti di attrazione talmente forti da far dimenticare quante potenzialità inespresse abbia la città. È come se Verona vivesse di rendita. Il fatto non costituisce di per sé un elemento negativo, ma questo apparente benessere fa sì che si faccia molta fatica ad esplorare nuove risorse.
Verona è seduta su di una poltrona e la trova molto comoda.

«Verona è legata a due simboli: il mito di Giulietta e Romeo e l’Arena. Due fonti di attrazione talmente forti da far dimenticare quante potenzialità inespresse abbia la città. È come se Verona vivesse di rendita. Il fatto non costit».

La sfida si fonda nel tentare di far convivere più sensibilità e sul mostrare come questa città possa vivere anche arricchendosi di contaminazioni, sia recuperando contesti urbani ed edifici del passato sia aprendosi a nuovi sviluppi.

Si possono annoverare esempi virtuosi di recupero urbano che possano indicare una sorta di via per il futuro?

Michele: sicuramente l’ex provianda di Santa Marta, per quanto ancora l’intero complesso non sia ancora terminato. Si tratta senza ombra di dubbio di un ottimo intervento dal punto di vista architettonico, mentre rimane ancora da valutare il rapporto con il quartiere di Veronetta.

Questo lo si potrà fare solamente quando tutto il comparto sarà terminato ed entrerà a regime. La speranza è che si riesca a creare quella mixitè tanto importante per avviare un vero recupero del territorio. Fondamentale sarà l’apporto del nuovo parco e molto dipenderà da come questo verrà mantenuto e gestito, perché un parco pubblico può diventare il gioiello di una città come anche il suo incubo peggiore.

Massimo Vignelli, indimenticato designer italiano, amava sostenere che la propria vita poteva essere definita una lotta perpetua contro la bruttezza. Nel vostro caso la bruttezza può essere rappresentata dall’abbandono di contesti architettonici urbani che potrebbero essere in grado di tornare a nuova vita?

Francesca: la mia lotta personale contro la bruttezza consiste nel contribuire ad indagare e far conoscere il patrimonio edilizio inutilizzato o poco valorizzato, sia antico che contemporaneo. In questo modo si agisce in favore di quelle zone della città considerate di scarso valore o degradate. Motivo, questo, ritenuto sufficiente per realizzare interventi poco rispettosi del contesto e del territorio e noncuranti dell’impatto che avranno in futuro.

Michele: l’esistenza di un luogo abbandonato non costituisce di per sé elemento di bruttezza ma, al contrario, può sviluppare un grande interesse: quello della sua trasformazione e rivitalizzazione per tornare ad avere una nuova vita. Come in una sorta di sogno ad occhi aperti, tutti possiamo immaginare una nuova città.
Mi piace ricordare l’esempio degli ex Magazzini Generali di Verona, i quali, nel lungo periodo di abbandono dai primi anni ’90 ai primi anni 2000, si trasformarono in un importante polo culturale (nel vero senso del termine) nato in modo spontaneo grazie all’attività di alcuni visionari e alla libertà di movimento ed espressione tipica di quei luoghi, dove la presenza più importante è quella dell’assenza.
L’aspetto orribile per me è rappresentato dalla banalità del costruito, dalla superficialità sia della pianificazione in grande scala, sia dei dettagli (penso all’arredo urbano e a quanto sia poco considerato). La bruttezza è legata alla paura nell’assumere decisioni e alla burocrazia che spesso ostacola il pensare in modo creativo.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Luca Wallner

A.G.I.L.E. è una libera associazione di giovani. costituita con lo scopo di stimolare, accrescere e diffondere l’interesse verso le dinamiche architettonico-urbanistiche e sociali del territorio. L’interesse di A.G.I.L.E. è particolarmente rivolto ai luoghi abbandonati e in disuso, ossia spazi strategici della città e del territorio nei quali è possibile avviare oggi importanti processi di rigenerazione urbana e di promozione di attività culturali e sociali, sensibilizzando la cittadinanza sull’importanza ricoperta da questi luoghi .

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Carlo, la vetrina dei tuoi lavori presente sul tuo sito presenta già una serie cospicua e varia di progetti realizzati in svariati ambiti del product design. Qual è stata la molla che ti ha portato a diventare un product designer?

Sinceramente? Da ragazzo non sapevo nemmeno cosa fosse il design. Da studente di ragioneria termini come grafica, interior e product design erano per me concetti vuoti, coperti da una coltre di nebbia. La svolta nacque quando, finite le scuole superiori, ebbi l’occasione e l’intuizione di provare a entrare all’ ISIA di Faenza, l’Istituto per l’alta formazione artistica. In quel momento quella foschia che mi impediva di vedere si diradò piano piano. Ho scoperto in breve tempo la meravigliosa sensazione che può provare un animale nel suo habitat naturale: come un pesce ho capito quale fosse la mia corrente e ho imparato a nuotare con tranquillità e naturalezza.

«Ho ripreso negli ultimi anni la passione mai sopita per la realizzazione di oggetti di scena per il cinema; una sorta di ritorno al passato». Carlo Trevisani

Dopo quattro anni di percorso accademico, ho dedicato altri diciotto mesi alla stesura della tesi. Di questi ne ho persi sei in una ricerca legata alla produzione di oggetti di scena per il cinema e il teatro: non essendo oggetti di produzione seriale sono stato costretto a virare lo studio verso altro, e ho affrontato le proprietà chimico-fisiche della cera e della paraffina in un ambito illuminotecnico. Ho realizzato dei prototipi di lampade non producibili in serie se non a costi assurdi; un’ottima palestra che mi ha motivato ad affrontare tematiche progettuali legate alla professione e al rapporto con il mercato. Ho ripreso negli ultimi anni la passione mai sopita per la realizzazione di oggetti di scena per il cinema; una sorta di ritorno al passato.

Finita la tesi ti sei dedicato da subito alla libera professione?

La libera professione rappresenta per me più un obbligo legale che un percorso. Una volta laureatomi iniziai a lavorare in uno studio di Milano; contestualmente iniziai a seguire anche alcuni miei progetti realizzando piccole produzioni di serie.

Questa e successive collaborazioni sono proseguite fino al 2009, anno in cui ho iniziato sia a bussare alle porte delle aziende sia a dedicarmi anima e corpo alla produzione propria in tutte le sue fasi: dai primi prototipi fino alle esposizioni nelle fiere di settore. Quest’esperienza mi ha fatto comprendere come io non sia davvero un imprenditore: non sono in grado di gestire un business plan. Da allora tanti miei lavori sono stati integrati nei cataloghi prodotti di varie aziende nei più diversi ambiti del design.

Come è possibile instaurare, oggi, un rapporto duraturo tra un designer indipendente ed un’azienda?

Non esiste una regola fissa. In alcuni casi mi affido al mio istinto e alla mia iniziativa: cerco di identificare quali sono i brand a cui proporre e indirizzare un mio progetto, calibrandolo correttamente verso i clienti reali e possibili.

Come nascono le collaborazioni con brand importanti come, ad esempio, Atipico e Seletti?

Con alcuni marchi nasce una comunione d’intenti profonda. Ad esempio il brand Atipico ha acquisito inizialmente una mia autoproduzione di candelieri. È nata una sintonia e da quel momento è scaturita tutta una serie di progetti successivi: da una linea di specchi fino ad alcune poltroncine. Mi piace stabilire un rapporto personale solido con il committente, che deve essere dettato dal confronto e dal rapporto umano al di fuori della logica strettamente commerciale di dover rilasciare per forza un prodotto entro sei mesi solo per una mera dinamica di vendita.

Proprio da questa necessità di andare oltre le dinamiche meramente commerciali ho iniziato a collaborare con Hands On Design: un marchio creato da due designer che ha come obiettivo il dialogo tra professionisti italiani e maestri artigiani giapponesi. Grazie a loro ho avuto l’opportunità impagabile di lavorare con Takeo Shimizu, un maestro nella lavorazione del legno, realizzando insieme a lui una lampada con una qualità di lavorazione manuale impareggiabile. Oppure con Shibai Ochiai, un maestro nell’utilizzo delle lacche. O anche Sushi Nakagawa, artigiano che ha reso contemporanea la produzione tradizionale dei caratteristici secchi in legno, espandendola in modo da assecondare i bisogni contemporanei di design e di arredo.
Con ognuno di loro ho avuto il privilegio di veder realizzato un mio disegno o una mia idea. Questi pezzi realizzati in partnership sono presenti, oltre che nel flagship store milanese, anche nei più importanti show room di design in Giappone e rinomati negozi on-line.

«Gli oggetti sono delle interfacce, abbiamo relazioni con loro, ci possiamo perfino affezionare perché ci possono dare delle emozioni importanti». Carlo Trevisani

C’è un oggetto tra quelli realizzati che ti contraddistingue maggiormente?

L’oggetto che mi contraddistingue maggiormente è sempre il prossimo che realizzerò. Ce ne sono alcuni che mi rappresentano, altri che mi fanno stare molto bene e che ridisegnerei esattamente come sono, ma quello che mi piace di più sarà sempre il prossimo, perché mi donerà sempre stimoli e punti di vista differenti. Sto aggiungendo all’oggettistica anche la progettazione di elementi di arredo, e mi piacerebbe pensare ad un nuovo sistema di oggetti reinterpretando gli stessi non da un concetto meramente funzionale, ma dal punto di vista esperienziale.
Pensando, ad esempio, a come l’essere umano si rapporta con lo spazio intorno a sé. Prendiamo ad esempio le sedie: è palese che oggi si viva in modo diverso rispetto a decenni fa. Ci sediamo a tavola in maniera differente rispetto ai nostri nonni, con tempi diversi e spesso estremamente ridotti.

Questo è già un buon motivo per cominciare a ripensare il vivere contemporaneo: è una giustificazione sufficiente per dare ad una nuova produzione un motivo di esistere, piuttosto che aggiustare un dettaglio per rinnovare una linea.
I miei sforzi sono concentrati nell’unire questi cambiamenti evidenti nel nostro stile di vita correlandoli all’esperienza di chi di questi stili è il protagonista.
Oggi abbiamo un modo di vivere completamente diverso rispetto a qualche anno fa: non possiamo limitarci a cambiare due soli segni estetici nello sviluppo di un progetto. Gli oggetti sono delle interfacce, abbiamo relazioni con loro, ci possiamo perfino affezionare perché ci possono dare delle emozioni importanti.

È un percorso ancora nebuloso, ma affascinante, che sto cercando di sviscerare e identificare. Ho solo una certezza: cambiare solo qualche dettaglio senza tentare di proporre un nuovo paradigma oggi non ha più alcun senso.

«Non si tratta di copiare, ma di evolvere: prendere un qualcosa di già fatto e riproporlo in chiave innovativa, se si è bravi». Carlo Trevisani

Stiamo assistendo ad un ritorno in auge di linee stilistiche direttamente riconducibili a epoche passate. Cosa ne pensi di questa rinnovata tendenza nel realizzare prodotti dal design dichiaratamente retrò?

In qualsiasi studio di design si possono trovare colonne intere di volumi con segnalibri su oggetti famosi del passato o passati in sordina. Non si crea nulla da zero. È un fatto legato strettamente alla necessità di ricondurre uno stile al nostro vivere contemporaneo: è cambiata la tecnologia produttiva, i materiali, il modo di sedersi o di stare al mondo.

Non si tratta di copiare, ma di evolvere: prendere qualcosa di già fatto e riproporlo in chiave innovativa, se si è bravi. Altrimenti il tutto rischia di apparire come una copia spudorata.

C’è un oggetto da te realizzato che ti ha fatto capire di essere sulla strada giusta, nel tuo percorso da product designer?

Tutti, altrimenti non diventerebbero oggetti e rimarrebbero solo su un pezzo di carta. Sono disposto a lavorare il doppio per far raggiungere all’oggetto il motivo di esistere.

Ci sono oggetti che invece metti a riposare in attesa di dargli nuova vita dopo averli visti da un’altra prospettiva?

Non sono un designer che “mette in castigo” un oggetto. Preferisco parlare di un percorso progettuale che deve trovare ancora un’identità definita, e prima di scoprirla possono passare anche degli anni. Quando l’idea arriverà alla produzione sarà un oggetto in tutto il suo essere.

Durante la tua attività hai trascorso diversi anni a Milano, città che sta vivendo una sorta di nuovo Rinascimento. Cosa rappresenta questa città per chi, come te, “vive” di nuove tendenze per sviluppare il proprio lavoro?

Milano, fatte tutte le debite proporzioni, sta all’Italia come New York sta agli Stati Uniti: costituisce l’unica metropoli italiana in cui puoi vivere “in potenza” perché si può trovare di tutto: dalle massime espressioni della ristorazione italiana e mondiale ai maggiori eventi culturali e fieristici in Italia. Una sorta di polo di gravità per le nuove tendenze.

«Perché, in fin dei conti, ad oggi sono un designer con la valigia». Carlo Trevisani

Questo non vuol dire che non ci siano altre realtà interessanti in giro per la penisola. Ma a Milano hai tutto. Anche se il mio attuale percorso professionale mi sta portando prevalentemente verso il nord-est, ho sempre un’orbita stretta e personale che gira intorno a questa città. Non è detto che Milano non torni a essere presto o tardi il mio luogo fisico e abitativo. Perché, in fin dei conti, ad oggi sono un designer con la valigia. Non vedo l’ora di avere una vita meno vagabonda e una base in cui stabilirmi. Come una sorta di una Fortezza Bastiani personale da cui poi ripartire.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Anna Mainenti 

Si ringrazia Lyno’s & Co per la location.

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Scegliere una forma, il preciso andamento grafico di una lettera, una suggestione visiva per trasmettere un concetto, spesso emozionale. Utilizzare le lettere non per ciò che significano nel linguaggio quotidiano, ma per rivestirle di nuovo senso e di messaggi inediti. Soprattutto in un’epoca come la nostra, dove all’indiscussa vittoria della riproducibilità tecnica di ogni (leggi qualunque, n.d.r.) cosa non può che contrapporsi una comunicazione che si fa sempre più ricerca. E arte. Perché «se tutto è già stato detto e tutto si può rifare, sono le parole per dirlo, e le forme per raccontarlo, a fare la differenza».

Inizia così il suo racconto Davide Pagliardini, che ha trasformato la sua passione per il lettering, ovvero l’utilizzo sapiente e in termini pubblicitari strategico delle forme grafiche per trasmettere contenuti, in una professione che l’ha portato, di recente, anche alla sua prima mostra personale “Look here and smile“.

Ho iniziato alcuni anni fa – ha spiegato Davide Pagliardini – su delle tavole da skateboard rovinate che mi sono divertito a personalizzare. Sono poi arrivati i primi lavori importanti, tra cui quello per Cargo Design. Oggi è tra i più seguiti e ricercati artigiani italiani di questa tecnica creativa.

Come hai scelto di dedicarti al lettering?

Ogni mio lavoro, che sia lettering o in qualità di graphic designer e motion designer, altre attività delle quali mi occupo, si lega fortemente all’aspetto dell’artigianalità. Il lettering mi ha conquistato perché offre ampie possibilità creative. Studiare e creare caratteri con una particolare forma è una sfida: con sé stessi, con le esigenze del messaggio che si vuole comunicare e con l’immagine stessa che un oggetto o un concetto evocano o potrebbero evocare.

«Il Lettering mi ha conquistato perché offre ampie possibilità creative». Davide Pagliardini

Quindi l’aspetto visual del tuo lavoro diventa fondamentale?

È alla base di tutto quello che faccio, il perno sul quale creo le forme grafiche finalizzate a veicolare la comunicazione, a provocare emozioni e reazioni. Ogni linea, ogni curva, ogni dettaglio è potenzialmente un contenuto e un veicolo di comunicazione. A volte anche più del significato stesso della parola.

Come coniughi l’artigianalità creativa del tuo lavoro con l’utilizzo delle moderne tecnologie?

Tra le due cose c’è una continua tensione dialettica. Direi che, all’interno di essa, le tecnologie supportano e sollecitano la spinta creativa che rimane comunque, e per fortuna, ad esclusivo appannaggio della mente umana.

«Ogni linea, ogni curva, ogni dettaglio è potenzialmente un contenuto e un veicolo di comunicazione. A volte anche più del significato stesso della parola». Davide Pagliardini

Quali sono le forme d’arte che influenzano il tuo lavoro?

Sicuramente la cultura underground, che è un’inesauribile fonte di ispirazione. Poi la Street Art, ma anche le arti applicate, soprattutto il graphic design. E ovviamente tutto ciò che cattura la mia attenzione, da un murales di cinque metri in pieno centro alla lavagna nera che espone il menu all’esterno di un ristorante alla periferia della città.

È possibile comunicare tutti i sentimenti con il lettering?

Credo di sì: ci sono decine di font e di caratteri sui quali lavorare. E se non bastano, si possono inventare.

Quale emozione o concetto ritieni sia più difficile da comunicare?

Lo stupore è un’emozione difficilissima da evocare, poi sicuramente l’ironia. Tra i concetti nei quali mi imbatto spesso, e che richiedono un grande lavoro concettuale, c’è sicuramente l’eleganza, già di per sé non univocamente definibile.

«Lo stupore è un’emozione difficilissima da evocare». Davide Pagliardini

Se dovessi usare un font per rappresentare la comunicazione contemporanea, quale sarebbe?

Credo sia impossibile pensare ad un solo tipo di carattere per identificare la comunicazione contemporanea, che è estremamente diversificata e mutevole; inoltre, come per quasi tutto quello che è comunicazione, ci sono trend e mode, che caratterizzano i diversi periodi.

In questo momento, per esempio, mi piace molto la famiglia del Berthold Akzidenz-Grotesk, ricca di varianti e adatta ad essere distorta e modificata in tanti modi.

Articolo: Silvia Antenucci  Shooting fotografico: Leonardo Kurtz

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«Nel 1997 sono venuta a NYC come turista e mi sono letteralmente innamorata della città. In particolare sono rimasta colpita dai grattacieli e soprattutto dall’Empire state building, dalla sua eleganza. Mi ha ricordato un gentiluomo, mi ha trasmesso un senso di protezione. Mi sono detta: ‘prima o poi voglio venirci a vivere’. E così è stato. Oggi esco di casa e non mi scordo mai di salutare quel gentiluomo elegante, che è proprio qui a due passi».

Patrizia parlaci di te. Innanzi tutto da dove vieni e quando hai deciso di trasferirti a New York?

Le mie origini sono calabresi. Sono nata a Corigliano Calabro, in provincia di Cosenza. Mia madre è però di origini toscane per cui mi sento di appartenere ad entrambe le regioni. Durante il periodo universitario mi sono trasferita a Firenze per studiare architettura e lì ho cominciato a lavorare in uno studio, come architetto appunto. Nel 1997 sono venuta a NYC come turista e mi sono letteralmente innamorata della città. In particolare sono rimasta colpita dai grattacieli e soprattutto dall’Empire, dalla sua eleganza. Mi ha ricordato un gentiluomo, mi ha trasmesso un senso di protezione. Mi sono detta: prima o poi voglio venirci a vivere. E così è stato. Oggi esco di casa e non mi scordo mai di salutare quel gentiluomo elegante, che è proprio qui a due passi.

A New York però non fai l’architetto, ma sei famosa per la tua linea di gioielli: raccontaci come è nata questa passione che poi è diventata un mestiere.

Per raccontarvi questo passaggio mi viene in mente una frase molto famosa di Ernesto Nathan Rogers, l’architetto che ha progettato torre Velasca a Milano: «dal cucchiaio alla città». Rogers l’ha usata per spiegare come l’approccio creativo dell’architetto, il metodo, sia alla fine lo stesso, dalla piccola alla grande scala, dalla progettazione di un cucchiaio, di una sedia, di una lampada a quella di un grattacielo. Mi ritrovo molto in questa frase. Penso che l’architettura sia una disciplina capace di offrire una visione del mondo a 360 gradi, è solo una questione di scala.

E così sono passata dalla progettazione architettonica a quella dei gioielli. La scala è indifferente, tutto si affronta per gradi a seconda del livello di difficoltà, suddividendo in step. Alla fine la difficoltà maggiore è quella di avere una visione globale del progetto e così, come i grattacieli seppur a scala ridotta, anche i gioielli diventano piccole opere di architettura.

Come è avvenuto per te il passaggio dalla piccola alla grande scala, da Firenze a New York?

Ogni passaggio è stato graduale in realtà. Dopo la prima visita mi ci sono voluti tre anni per prendere la decisione di trasferirmi a New York. Una mia compagna di liceo all’epoca viveva a Boston ed è stata per me un primo fondamentale appoggio. Da lì ho trovato una posizione all’interno di un’azienda di arredamento a New York: è stato proprio come trovarsi nel posto giusto al momento giusto, e a volte nella vita serve anche questo. L’azienda mi ha sponsorizzato il visto per cui mi sono finalmente trasferita ed ho cominciato a lavorare prima come dipendente poi come arredatrice d’interni freelance.

Quando mi sono trasferita a New York è accaduta una cosa molto spiacevole: mi sono entrati i ladri in casa e mi hanno rubato tutto. Gioielli, soldi, tutto il mio passato praticamente. È stato difficile accettarlo e soprattutto ricominciare. Ma è stato per me l’impulso e la motivazione di partenza. Trasformare il negativo in positivo. Da quel momento ho deciso che i miei gioielli me li sarei creati da sola. Una provocazione, uno schiaffo morale a quanto accaduto. E così è stato, è partito tutto così. Ho iniziato a frequentare dei corsi da un orafo, a imparare le tecniche e a creare i miei primi gioielli. L’ispirazione me l’ha data e continua a darmela questa città con tutti i suoi colori, gli scarti e soprattutto la gente, osservo molto la gente, è grande fonte di ispirazione per me.

Parliamo di stile: i tuoi non sono classici gioielli, tutto nasce dal concetto di riciclo. Gioielli eco-chic, cosa sono e come nasce questa idea?

Esatto. I miei gioielli nascono proprio dal riciclo di oggetti che usiamo tutti i giorni e che poi gettiamo via. Ho iniziato a collezionare i tappi del latte attratta dai colori, da lì ho avuto l’idea di fare il calco in metallo prezioso e creare quindi un oggetto che avesse in sé il prezioso e il non prezioso. Tutta l’idea di base è quindi partita da questa collezione chiamata “Milk cap”, una collana che ha come pendente proprio il tappo del gallone di latte insieme al calco in argento pieno. Il concetto di partenza sono gli scarti del quotidiano. Oltre ai metalli, col tempo ho aggiunto perle e pietre preziose.

Molto spesso sono le persone che, mettendo da parte oggetti che non utilizzano, mi danno l’idea. Pezzi su cui sfogare la mia creatività. La cosa bella è che questi oggetti non vengono solo da persone conosciute, ma al contrario soprattutto da persone a me sconosciute, amici di amici o vicini di casa che sentono o leggono di quello che faccio e che mettono da parte il materiale; senza di loro non sarebbe possibile raccogliere tutto il necessario. Una mia amica, ad esempio, non sapeva cosa fare con delle molle e ne abbiamo realizzato una collana; un’altra collana è stata ricavata dai contenitori monouso di collirio che mi ha messo da parte un amico dopo un’operazione agli occhi e che ha preso il nome dalle sue iniziali “LU”. Le macchinine del figlio di un’amica si sono trasformate invece in elementi per una coppa in silicone. Dalla raccolta degli elastici dei broccoli, collezionati dal mio amico cuoco Sal, è nata la collezione “SAL”, dalle lenti a contatto la collezione “Eye” e cosi via. Ho iniziato così, per gioco, per provocazione, ma poi ho avuto bisogno di un passaggio. Sono stati la mia amica Carmencita Bua, la stessa ad avermi ospitato a Boston, ed il suo compagno Gianfranco Zaccai ad aprirmi gli occhi. Quando gli ho mostrato le mie opere sono rimasti entusiasti: «this is genius!». Allora, quando ho iniziato, l’idea del riciclo non era ancora sviluppata nel campo dei bijou e dei gioielli di lusso. Sono stati proprio loro ad aprirmi gli occhi da questo punto di vista. Per me era un hobby, loro mi hanno dato la spinta per passare dal divertimento alla creazione del brand, del logo e di tutto il necessario per iniziare a vendere.

Nel 2007, grazie a Gianfranco, è nato “GlobalcoolO”, un nome irriverente, ironico e provocatorio che proprio lui mi ha suggerito. Un nome che ha all’interno l’antitesi data dal riciclo di oggetti: contro il riscaldamento globale propongo un’alternativa ecologica, un “raffreddamento”. La “O” finale è del tutto ironica, richiama la mia natura e il mio essere italiana, che nel tempo si è trasformata in un mondo.

Oltre alle persone quanto è stata importante New York nel darti la possibilità di intraprendere questa strada?

New York è stata fondamentale. Nel mio modo di vivere, nelle mie creazioni c’è il riflesso di una certa classicità, data dalla mia formazione, dalla cultura italiana in cui sono cresciuta, ma c’è di più, c’è la marcia in più di New York, c’è il saper osare. In Italia avrei avuto molto timore ad intraprendere questa strada, paura di sperimentare o di non essere capita, mentre qui hai la sensazione di poter essere te stesso al 100%, nessuno ti giudica, anzi, troverai sicuramente qualcuno che ti capisce e ti apprezza. Rendere i sogni possibili, reali, è ciò che mi ha insegnato New York.

Nella tua carriera hai diverse collaborazioni alle spalle e i tuoi gioielli sono apparsi sia alla Couture Fashion Week sia al Museum of Art and Design di NYC, ma chi sono i tuoi clienti ora?

Con le collezioni, molto diverse tra loro, mi rivolgo a tutti, bambini compresi. Con il passare del tempo il target si è rivelato un pubblico adulto, dai 40 anni in su, amante dei pezzi unici e dell’arte, ma non solo. È da aggiungere che non faccio solo gioielli ma anche alcune opere a scala più grande: oggetti, pezzi d’arte o lampadari rivolti a spazi espositivi. Un’opera cui sono molto affezionata è esposta in uno showroom di Chelsea: si tratta di un lampadario realizzato con più di 500 tappi di acqua minerale. Quando sarà dismesso lo regalerò a Carmencita e Gianfranco, senza di loro tutto questo non sarebbe stato possibile.

Gioielli unici, pezzi unici, nomi molto particolari ed ironici: cosa altro ricorre nelle tue opere?

Due altri aspetti che ricorrono sono la musicalità e l’utilizzo del colore. Ogni mio oggetto in qualche modo comunica non solo un messaggio, quello ecologico, ma si esprime anche a livello visivo e sonoro.  È per questo che molto spesso i miei oggetti piacciono anche ai bambini, li trovano attraenti, colorati, musicali. Ciascun oggetto produce un suono proprio, ciascuno ha una propria plasticità e può trovare più forme di utilizzo. Un mio amico batterista utilizza alcuni miei bracciali tra i suoi strumenti, ad esempio. Un’altra ricorrenza nelle mie opere è la forma del tondo. In tutte le mie creazioni ritorna il cerchio, come il ciclo della vita, l’infinito. Non credo che sia un caso che ritorni anche nella “O” finale del logo, il mondo, la circolarità, la perfezione. Tra i nomi ironici dei miei gioielli invece mi piace ricordare il “Warm Hug”, il nome che ho scelto per una stola che in sé dovrebbe essere calda, ma che ho realizzato assemblando le gabbiette metalliche che assicurano il tappo allo spumante ed è pertanto, essendo metallica, “fredda”.

La creatività che esprimi con il tuo lavoro si riflette in altri aspetti della tua vita?

Credo che una personalità creativa rifletta la sua creatività in tutti gli ambiti che la circondano. Un ambito del quale sono particolarmente fiera, e da cui sta nascendo un nuovo progetto, è quello della cucina. Sono cresciuta in una famiglia che mi ha insegnato tanto da questo punto di vista e mi ha trasmesso tanta passione. Cucino da sempre. Da quando vivo in America tengo a rispettare la mia tradizione culinaria, tengo a far conoscere la mia terra, la Calabria e la Toscana. Penso, inoltre, che il processo creativo alla base dei miei piatti sia molto simile a quello della creazione dei gioielli: io, la cucina e la mia creatività. Seleziono le materie prime, le lavoro e le trasformo.

Mi appassiono alle cose ricercate, sofisticate, amo sperimentare, soprattutto giocare con le spezie. Posso passare ore a pulire delle bacche di pepe del Sichuan o giorni ad essiccare, polverizzare e macinare rape rosse per ottenere gli ingredienti per i miei piatti, tutti rigorosamente lavorati a mano, colorati. È come quando pulisco 100 pezzi di argento, mi piace quel lavoro manuale, ripetitivo, minuzioso, mi trasporta in un’altra dimensione. Il colore, poi, ricorre molto, oltre che nei miei gioielli, anche nella mia cucina: mi piace cucinare avendo a tema un colore e presentarlo per tutte le portate.

«Casa per me è dove un giorno avrò una famiglia. In questi anni ho capito che non c’è niente di bello nel tornare in una casa vuota».

Ci hai parlato di un nuovo progetto legato alla cucina: di che si tratta?

Una cosa su cui sto spingendo molto adesso è quella di propormi come chef a domicilio. È iniziato tutto dalle lezioni di italiano ai figli di una cliente. I bambini si annoiano subito, per trovare un modo divertente ed interattivo di fare lezione sono partita dalla cucina. Abbiamo cominciato ad andare al supermercato con l’unica regola di parlare solo italiano, imparando quindi direttamente dagli oggetti, nominando gli ingredienti, la frutta e la verdura, per poi passare alla cucina dove i piatti preferiti sono le polpette con il cuore di mozzarella filante ed il Tiramisù.

La nomea di questo dolce mi accompagna sin dai tempi dell’università, ero famosa tra i compagni per il mio Tiramisù e lo sono anche in America. Dal cucinare con i bambini all’idea di chef a domicilio il passo è stato breve. Le mie ricette sono molto apprezzate e, come rimedio alla fretta newyorkese, un’altra idea molto apprezzata dalle famiglie è quella del menù settimanale. Ogni settimana propongo un nuovo menù e cucino in una giornata per l’intera settimana delle cose che la famiglia può mettere in frigo o congelare e mangiare quando preferisce. Ogni settimana nuovi ingredienti, nuove sperimentazioni; per Natale ho già in mente una serie di nuove idee ma per i bimbi non mancano mai le polpette!

Un vulcano di idee e tante possibilità di sperimentazione qui a New York, ma cosa è “casa” per Patrizia? Pensi che tornerai in Italia prima o poi?

“Casa” per me è dove un giorno avrò una famiglia. In questi anni ho capito che non c’è niente di bello nel tornare in una casa vuota. Molti mi rimproverano come le scelte fatte fino ad ora siano andate nella direzione opposta, mi vedono, e sono, una persona molto indipendente: questa volontà di cambiare, di rischiare, di fare sempre cose nuove ed anche reinventarsi. Ma è proprio reinventandomi giorno dopo giorno che ho imparato chi sono, quello che voglio e soprattutto quello che non voglio dalla mia vita. New York per me è stata tutto e il contrario di tutto e l’adorerò sempre, come sempre adorerò il suo essere fluida e destabilizzante. È proprio vivendo questo che ho capito, che ho riscoperto quanta tradizione ci sia dentro di me e quanto in questo riemerga la mia italianità, l’essere legata a certi valori, la famiglia prima di tutto. Ogni passaggio ti insegna qualcosa. Dal 2010 ho la doppia cittadinanza, ma solo perché ho potuto mantenere quella italiana, altrimenti avrei rinunciato.

Oggi sono qui, ma so da dove vengo. In risposta a chi mi chiede se credere nei propri sogni abbia un senso, o se sia vero che non sia mai troppo tardi per realizzarli o realizzarsi, mi piace rispondere: why not? In fondo, l’unico limite a te stesso sei solo tu.

Articolo e shooting fotografico: Maria Elia Natali

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La storia professionale di Maurizio De Marchi potrebbe confondersi con migliaia di altre del settore imprenditoriale del Triveneto: laurea in economia e commercio, un lavoro solido e ben retribuito come commerciale estero in una realtà imprenditoriale tessile di marchi blasonati quali Cerruti e Moncler, nel 2005 decide di dedicarsi all’azienda familiare, con l’intenzione di portarla ad abbandonare le lavorazioni conto terzi e trasformarla in un brand di articoli di pelletteria di lusso.

Maurizio De Marchi ci accoglie nel laboratorio produttivo dell’azienda, Mariella Martinato, nel centro di Trebaseleghe, non molto lontano da Padova.

Cosa c’è alla base di una scelta decisamente non conservativa come quella di abbandonare clienti e fatturati consolidati e avventurarsi nel mercato del  tessile di lusso?

La verità? Ogni scelta comporta l’accettazione di una certa percentuale di rischio. Eravamo consapevoli che da lì a qualche anno il mercato della moda avrebbe costretto i grossi marchi ad ulteriori delocalizzazioni all’estero della produzione. Ha prevalso la nostra ambizione e l’istinto di sopravvivenza. Allo stesso tempo eravamo consapevoli che, per quanto fossimo bravi a produrre, lanciarci a proporre un  monoprodotto nel settore del tessile e della pelletteria sarebbe stato un rischio troppo grande, con ingenti investimenti senza una concreta possibilità di successo.

Abbiamo deciso perciò di non scendere a compromessi e ci siamo specializzati nella produzione artigianale di oggetti di lusso. Il primo investimento, del quale ancora sono orgoglioso, è stato quello di acquisire un’impresa artigianale dedita alla lavorazione del corno di bue al quale affiancare la nostra esperienza nella lavorazione delle pelli. Sono passati solo dieci anni, ma mi sembra un’era geologica fa se penso a quello che siamo in grado di realizzare oggi.

Cosa ha portato un decennio di attività in termini di esperienza acquisita nel tuo lavoro?

La consapevolezza che, senza innovazione ed intuito, non si va da nessuna parte. Se avessimo semplicemente continuato a ripetere quanto prodotto negli anni precedenti, ora non saremmo qui a parlarne. Se da un lato la mia estrema fiducia nelle nostre capacità mi ha portato a rifiutare ogni compromesso, continuando così a lavorare con gli artigiani locali, dall’altro questa scelta ha comportato un girovagare tra l’Italia e l’Europa alla ricerca continua di collaborazioni sia con realtà di nicchia sia con aziende prestigiose e affermate, che ci permettessero di rinnovare le nostre collezioni mantenendo la qualità a livelli superiori alla media.

Ad oggi noi realizziamo borse da viaggio, accessori per la cura del corpo sia uomo che donna e complementi d’arredo per alberghi di categoria superior. Non esiste una produzione in serie: ogni oggetto, dalla spazzola in corno di bue ai pennelli da barba in radica, dalla scatola portagioie con copertina in ardesia ad intarsio e interno in tessuto Fortuni, allo spazzolino da denti con manico in corno, è realizzato a mano e quindi personalizzabile secondo il desiderio dell’acquirente.

Tra le varie collaborazioni mi piace ricordare l’accordo con Swarovski, di cui utilizziamo i cristalli per impreziosire alcune delle nostre linee di prodotti per la cura del corpo; forse uno dei più classici esempi di come esistano ancora colossi in grado di  riconoscere l’eccellenza anche nelle imprese artigianali.

«Se si vuole trasmettere l’emozione e l’unicità di uno stile italiano dobbiamo rinunciare a qualunque compromesso. Per questo affido la lavorazione dei miei prodotti solo ad artigiani qualificati».

Questa concezione di unicità di prodotto si riflette anche in altri aspetti del tuo lavoro?

Deve essere così. Ci siamo posti l’obiettivo di affermarci nel segmento del lusso. Se vogliamo trasmettere l’emozione e l’unicità di uno stile italiano dobbiamo rinunciare a qualunque compromesso. Per questo affido la lavorazione dei prototipi, così come le commesse, solo ad artigiani qualificati. Quello che, per ovvi motivi logistici, non si riesce a produrre nel nostro laboratorio viene realizzato da altri artigiani italiani qualificati. Ad esempio, per realizzare la linea di spazzolini con manico in ottone galvanizzato in oro, ho stretto da anni una collaborazione con diversi orafi vicentini. O come la lavorazione della radica per le scatole portagioie: in quel caso mi affido ad artigiani cremonesi, forse i migliori al mondo in questo campo. La stessa filosofia la perseguo per i materiali: per realizzare la linea di borse da viaggio in pelle, ad esempio, mi rivolgo alle concerie toscane: solo in quelle zone si trovano pelli di bufalino con conciatura vegetale. Ecco cosa intendo quando ti parlo della qualità che voglio per le mie collezioni.

Chi si occupa del design delle nuove collezioni?

Il sottoscritto insieme a due architetti specializzati nell’interior design. Forse la cosa potrebbe stupire, ma ho sperimentato sulla mia pelle che chi si occupa di design in questo settore, pur vantando esperienze decennali, molto spesso ha esaurito la propria forza creativa limitandosi a ripetere ciclicamente modelli già visti senza aggiungere alcunché di innovativo. A mio parere, designer provenienti da altri campi potranno anche sbagliare nel breve periodo, ma hanno quella freschezza di idee e punti di vista differenti che sono preziosi per l’evoluzione delle linee di prodotto.

«ho sperimentato sulla mia pelle come molto spesso chi si occupa di design in questo settore vantando esperienze decennali ha esaurito la propria forza creativa, LIMITANDOSI a ripetere ciclicamente modelli già visti, senza aggiungere alcunché di innovativo».

Il fatto di partire da un paese di provincia, per quanto al centro di un distretto manifatturiero d’eccellenza, può rappresentare un handicap rispetto ad altri marchi e rispetto ai buyer internazionali?

Se dovessi risponderti da un punto di vista di mera logica commerciale, avere la sede in un piccolo paese di provincia può rappresentare uno svantaggio. Ma per la nostra filosofia non esiste luogo migliore dove mantenere le nostre produzioni e conservare la nostra identità. Qui si trovano gli artigiani con le professionalità indispensabili a mantenere altissima la qualità delle lavorazioni. Uno spostamento verso città commercialmente più appetibili, come Milano ad esempio, snaturerebbe i rapporti che abbiamo instaurato con fatica in questi anni di collaborazione. Oltretutto, finalmente sta crescendo una nuova generazione di giovani interessati a studiare e ad apprendere quei mestieri che sembravano ormai a rischio estinzione. Quindi no, non ci sposteremo dalle nostre zone.

E, ad essere sinceri, la soddisfazione di vedere buyer importanti nel settore del lusso raggiungere un piccolo paese del padovano per toccare con mano il nostro campionario e i nostri materiali non ha pari con nessuna sede prestigiosa in qualunque parte del mondo.

Maurizio De Marchi, Fashion Designer per Mariella Martinato: →www.martinato.com

Shooting fotografico:  Susanna Sfilio

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È stata una scelta impegnativa quella di Adriano, infatti ha deciso di proporre il suo lavoro di orafo con le sue opere artistiche in due contesti differenti: un contesto veronese, terra di vini e arte, e un contesto estivo, quello che popola l’estate della Costa Smeralda.
Ed è in prossimità di Porto Cervo che Adriano ha scelto di stabilire il suo negozio-laboratorio di oreficeria, mentre il suo nuovo studio da visual artist e fotografo, inaugurato nel 2014, è stato aperto nell’elegante centro storico veronese, ed è un raro esempio di laboratorio aperto ad eventi e incontri dove si possono apprezzare opere in cui l’artista reinterpreta in maniera del tutto nuova il simbolismo urbano. Incontriamo Adriano Mujelli nel suo atelier di Verona, appena in tempo prima del suo trasferimento estivo in terra Sarda.

Inizio seguendo un ordine cronologico: Adriano quando hai deciso di investire in proprio aprendo un laboratorio orafo in Sardegna?

La mia decisione è nata dall’amore spropositato che nutro per questa terra e per lo stile di vita che mi poteva regalare.
Aria pulita, il mare a portata di mano, un clima sempre ventilato e dolce, ritmi lavorativi intensi ma mai frenetici.
La possibilità di confrontarmi a livello lavorativo con una clientela internazionale è stato molto stimolante, e mi ha portato a sviluppare linee nuove, che senza la Sardegna non sarebbero mai nate.
A tutto questo si aggiunge l’incredibile serenità che mi dà questa terra che è stata spesso rifugio per riordinare idee e raccogliere energie, e fonte di ispirazione per progetti fotografici che solo qui potevano prendere forma.

“Verona e Sardegna” sono due realtà diverse, che ti hanno portato percorsi creativi profondamente differenti, e dopo anni trascorsi in queste due realtà sei riuscito a raggiungere una sintesi della tua dimensione artistica?

Potrei dire di sì, anche se di vera e propria sintesi non parlerei, al contrario, vivere costantemente due luoghi molto diversi con stili di vita estremamente differenti mi ha portato ad assorbire una moltitudine di stimoli creativi ampia e differenziata, come se vivessi due vite contemporaneamente.
Oggi porto avanti diversi progetti, creando contaminazioni continue fra i tre miei strumenti d’espressione artistica preferiti, la gioielliera, la pittura e la fotografia.

Come reputi Verona oggi per la crescita di un artista?

Sicuramente Verona non è Londra o New York, però credo fermamente che ciò che dipingo oggi non sarebbe mai potuto nascere nelle grandi metropoli sopracitate.
Gli influssi dei muri cittadini della mia Verona, i sapori, i colori, sono sempre presenti nei miei quadri.
Premesso questo, ti dico che parlando con altri colleghi artisti sparsi per tutta Italia, incontro problematiche similari a quelle che incontro a Verona, ma questo non mi scoraggia, anzi lo prendo come uno stimolo per fare.
Io non sopporto le persone che sanno solo lamentarsi di ciò che non va, poiché lo considero un atteggiamento poco costruttivo.
Se ci sono delle rivoluzioni da fare nel mondo dell’arte, chi può farle meglio degli artisti?

I tuoi lavori di fotografia sono più diversificati rispetto alla tua produzione di quadri o trovi un continuum nelle due forme espressive?

Il percorso fotografico è ancora in una fase di definizione, in uno stato embrionale, per questo cerco di spaziare e sperimentare il più possibile, anche se ho dei progetti in fase di sviluppo che seguiranno una linea ben definita.
I miei quadri al contrario hanno delle fondamenta molto più mature, e questo porta a una crescita stilistica e di contenuti molto più graduale.
Un continuum attualmente non esiste, perché fondamentalmente pittura e fotografia sono due strumenti espressivi estremamente differenti, anche se spesso la fotografia è fonte di ispirazione di alcuni miei quadri.

Sono realmente affascinato dalla tua reinterpretazione del simbolismo urbano; quali sono per te gli elementi indispensabili che ti portano a catturare un’immagine, un dettaglio per poi reinterpretarlo su tela?

I luoghi dove nascono le idee per i miei quadri sono i più disparati, posso essere ebbro in un locale alla moda della “Costa”, come in pub alternativo di Verona, o passeggiando per le vie di Berlino o Londra.
In realtà non  esiste un luogo ben definito, ma esistono spazi che predispongono uno stato mentale, e in quei momenti per me è fondamentale avere sotto mano il mio taccuino, per congelare con un rapido appunto quella idea, forma o pensiero.
C’è da dire inoltre che sicuramente gli influssi degli anni Ottanta sono tangibili in molte mie opere a livello iconografico, e tuttora la cultura metropolitana underground gioca un ruolo fondamentale nel loro sviluppo.
Come qualsiasi persona che vive nel mondo occidentale subisco un bombardamento passivo costante di immagini, ma invece di raggiungere una assuefazione, assorbo come una spugna e rielaboro e disegno disegno disegno…

L’apertura di uno spazio fruibile anche al pubblico di tuoi estimatori e clienti rappresenta indubbiamente un investimento di tempo ed economico non indifferente. Al contempo altri artisti stanno concentrandosi maggiormente sull’utilizzo di social network , in primis Instagram, addirittura per la vendita delle loro opere.  Ritieni l’affidarsi ai social  sia un passo necessario e imprescindibile o la relazione visiva diretta tra opera e cliente è ancora un passo fondamentale?

Social network e internet non possono sostituire l’esperienza di fruizione dell’arte ma oggi sono un fantastico strumento per diffondere e attrarre persone verso l’arte, e se poi qualcuno vuole comprare un’opera vista on line, ben venga.
In realtà, anche se in chiave differente questa problematica esiste già da prima dell’avvento di internet e del fantastico mondo dei social.

Ho studiato per tanti anni storia dell’arte, prima al Liceo Artistico e poi in Accademia di Belle Arti, quasi sempre sui libri, alcuni pieni di illustrazioni e foto, spiegazioni dettagliate, ottimi per avere una infarinatura dell’arte, conoscerne la storia, la filosofia, le dinamiche che stanno dietro un’opera, un gruppo, un periodo, ma assolutamente inutili per restituire l’interezza dell’opera al suo lettore.
Per questo siamo sempre stati spronati dai professori più capaci a viaggiare, andare a vedere le opere d’arte nei luoghi in cui si trovano.
Quindi a meno che un’opera non sia progettata e realizzata espressamente per essere fruita dal web, e ne abbiamo diversi esempi, il 98% di informazioni cognitive vengono perse.
L’esperienza diretta, opera spettatore, è fondamentale e insostituibile.
Secondo me i social come la rete possono giocare un ruolo forte nel raccontare l’arte, le sue dinamiche, tendenze, nel presentare progetti, raccogliere spettatori, e mettere in comunicazione artisti da tutto il mondo.

Articolo: Mauro Farina  Shooting fotografico: Adriano Mujelli e Susanna Sfilio

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