Ho sempre amato la moda e tutto ciò che le ruota attorno. I designer, le sfilate, le modelle, il prêt-à-porter, la haute couture… per me non erano solo abiti, quelli che ammiravo sfogliando il Vogue acquistato da mia madre, bensì il riflesso di chi e cosa eravamo in quel preciso momento storico. La moda, ai miei occhi di bambina e a quelli più scafati d’adulta, costituiva una fotografia in grado di raccontare l’identità della società e della cultura all’interno della quale ero – anzi, sono – immersa. Per questo motivo mal sopporto chi la definisce stupida o superficiale, dimostrando di non riuscire ad andare oltre una gonna midi a vita alta in popeline di cotone o ai volti che calcano la passerella.

All’inizio degli anni ’90, in un’epoca dominata da amazzoni come Claudia Schiffer, Linda Evangelista, Naomi Campbell, fa capolino una ragazzina che, dal basso del suo metro e settanta scarso, delle sue gambe vagamente storte e della sua dentatura non esattamente perfetta, inizia a scardinare e a sovvertire le logiche che (fino a quel momento) avevano regolato la bellezza e l’estetica femminile.

L’arrivo di Kate Moss rimescola le carte in tavola e ci pone innanzi due grandi interrogativi. Il primo, di natura se vuoi più filosofica: lo yuppismo anni ’80 non ci rappresenta più?

Il secondo, di natura se vuoi più prosaica: perché, nonostante i suoi evidenti difetti, siamo così irresistibilmente attratti da lei?

Libri di storia e manuali di sociologia avrebbero provveduto in maniera adeguata a spiegare l’ascesa del minimalismo anni ’90; per quanto riguarda invece la Moss si trattò della fortunata intuizione di Sarah Doukas, fondatrice dell’agenzia Storm, che era stata capace di «vedere prima dagli altri come stava cambiando l’estetica, proponendo al mondo qualcosa che avrebbe spopolato nell’immediato futuro».

A chiarire l’importantissimo ruolo di Doukas è Vanessa Contini, casting director milanese per testate come Icon, GQ, L’Uomo Vogue, che ha lavorato per brand come Moschino e Pinko. Dopo una laurea in lingue comincia a lavorare in una galleria d’arte milanese; lì conosce una ragazza che la convince a passare alla moda e lei – seppur innamorata dell’arte – la segue. Nel 2002 è nell’ufficio stampa di Costume National. «Facevo la PR ma non mi piaceva. Di natura mi ritengo una persona piuttosto intima, e in generale non amo essere così esposta: dopo un po’ di tempo mi sono licenziata di punto in bianco e la mia strada ha nuovamente incrociato quella di Andrea Tenerani (l’attuale direttore di Icon, ndr), che era stato chiamato a fare lo styling della sfilata di Moschino. Gli avevano chiesto se facesse anche casting, e lui ha pensato a me: mi ha chiamata chiedendomi se volevo salire a bordo, io gli ho spiegato che non avevo mai fatto un casting in vita mia ma lui ha voluto provare lo stesso».

In un certo senso scopre una vera e propria vocazione, perché «sin da subito sono riuscita a vedere le persone, le modelle, i modelli, a riconoscerli». Galeotta fu quindi la sfilata di Moschino, grazie a cui decolla da zero una nuova carriera da casting director. «Tecnicamente il casting director è colui che seleziona una rosa di modelli e modelle che potrebbero corrispondere a ciò che si vuole raccontare in una storia di moda. Si tratta di un lavoro che viene fatto in sinergia con fotografo, stylist, fashion editor. Il casting director trova i visi, le facce, li ‘pesca’ e li propone. La scelta viene poi fatta insieme, ma il primo punto d’osservazione è il suo».

Già, perché definirli ‘servizi di moda’ è altamente riduttivo. «Sono di ‘storie’, storie di moda. In ognuna c’è un racconto, un’ispirazione: bastava sfogliare il Vogue Italia di Franca Sozzani per notare quanto fossero legate al contesto sociale in cui viviamo. Ovviamente c’è dietro una professione, non solo un lavoro, nonché tantissima ricerca: bisogna sintetizzare in poco tempo un messaggio potente, e ogni cosa dev’essere perfetta, dal trucco, ai capelli, passando per la location, gli abiti, le luci, e – ovviamente – le modelle».

Contrariamente a quanto si pensi, non basta scegliere un fotografo della madonna per portare a termine un bel lavoro. «Qualsiasi fotografo ha bisogno di una brava interprete, ed è lì che la modella diventa fondamentale. È lo stesso discorso del regista con l’attrice: nonostante si tenda a ritenete l’immagine un qualcosa di superficiale, privo di contenuto, dietro c’è un mondo di studio, di ricerca e di narrazione».

«A parità di condizioni, tra due modelle ugualmente bellissime, vincerà quella con più personalità». Vanessa Contini

Il casting director s’inserisce in questa dinamica cercando di «immaginare una determinata persona all’interno del contesto in cui la si vuole proporre. Se ad esempio si deve fare una campagna stampa ispirata a un film di Antonioni, si tenterà non tanto di ricalcare quei canoni estetici (già molto alti), bensì di volgere lo sguardo, di spingersi un po’ più in là anticipando quello che il pubblico ancora non sa di volere. Spesso il casting director è un precursore: si accorge di come sta cambiando il concetto di bellezza attraverso i modelli e le modelle che gli sfilano davanti agli occhi, trovando interessante qualcuno che rappresenta una sorta di ‘rottura’. Oggi la personalità vince sull’estetica, tanto che adesso si tende a privilegiare la street people, persone vere, della strada, mentre una volta la modella doveva essere perfetta. Prima c’era una sorta di ‘rigore’ nella fisicità, che ora non è più così imprescindibile».

La conversazione con Vanessa Contini, che è pacata, a tratti timida, e non possiede quegli atteggiamenti dispotici e arroganti tipici dell’élite del fashion, sfocia in una riflessione sui due sessi e sulle loro diverse ‘funzioni’ nel nostro personale immaginario. «In generale non ci si identifica col modello maschile, che non rappresenta un punto di riferimento: qui l’estetica si scollega, perché l’uomo in primo luogo dev’essere affascinante, interessante, colto e non bello in senso stretto. Alla donna tocca invece aderire a canoni estetici, e la modella assolve a un duplice ruolo: da un lato pare inarrivabile, ma dall’altro risulta pure in fondo rassicurante, in quanto diventa qualcuno a cui ispirarsi, una sorta di ideale».

Vero è che oggi, rispetto al passato, ognuno è libero di scegliere il suo canone estetico, che non risulta più imposto dall’alto. «A parità di condizioni, tra due modelle ugualmente bellissime, vincerà quella con più personalità: la vedi arrivare e lo senti, lo noti da com’è vestita, da come si muove, da piccoli dettagli che ti fanno capire che ha carisma e stile. E alla fine ti interessa maggiormente ciò che quella persona è in grado di comunicare».

«Devi ricordati i nomi, i cognomi e i volti di tutti i modelli che incontri nella tua vita». Vanessa Contini

Lei, che per una sfilata di moda vede almeno 200 modelle (e ne seleziona al massimo 30), ormai ha sviluppato «un occhio sempre più sharp, sempre più affilato» per non assuefare la vista. «Riesci a notare dettagli sottilissimi perché è un allenamento costante: in poco meno di un minuto decidi se una modella entrerà nelle proposte che farai al cliente. Per una sfilata la prima cosa che si guarda è che sappia camminare, una cosa non da poco. Significa non solo che tecnicamente sappia sfilare, ma che mentre sta camminando ‘incanti’».

Il discorso per certi versi si complica quando si parla di una campagna pubblicitaria, ossia quando occorre scegliere il volto che accompagnerà un brand di moda per una o più stagioni. «La modella è l’immagine che si trasmette al pubblico, l’immagine che comunica lo stile al consumatore finale. È un ruolo chiave, ma non dovrebbe mai essere più importante del marchio perché altrimenti rischia di cannibalizzarlo. Inoltre, occorre cercare di non entrare mai in conflitto con l’immagine precedente, bensì di andare avanti, evolvendola». Semplice a parole, non a fatti. «Mi capita spesso di avere clienti che hanno determinate necessità, e quando porto ciò che hanno chiesto si rendono conto di non volerlo. Ho imparato col tempo a dare loro quello che vogliono, ma anche quello che non pensano ancora di volere, provando a vedere se sono disposti a fare un passo avanti. Spesso i grossi marchi di moda tendono a essere conservativi, della serie ‘squadra che vince non si cambia’, però così rischiano di diventare vecchi in un secondo, di rimanere indietro. Un esempio su tutti è quando Karl Lagerfeld scelse Claudia Schiffer come modella per la Maison Chanel, lei che era decisamente troppo sexy. Ha osato e ha avuto ragione: la piccola giacca di tweed con la doppia C non è mai stata tanto desiderabile».

Anticipare: ecco l’asso nella manica di un qualsiasi casting director che si rispetti, ma non solo. «Il marketing tende a voler dare al pubblico ciò che si aspetta, e la lotta di chi scrive, di una fashion editor o di un casting director è proprio di dare al pubblico ciò che ancora non sa di desiderare. Le persone vanno incuriosite, stimolate, e un simile obiettivo si raggiunge soltanto scuotendole con qualcosa di inaspettato. È un discorso ascrivibile a ogni ambito creativo: nessuno vuole prendersi dei rischi, ma così alla fine si scontentano tutti. Lasciare la propria comfort zone è difficile, e il mio ruolo in tale contesto è faticosissimo: devo capire i bisogni delle varie figure coinvolte – fotografo, cliente, stylist – che spesso non coincidono affatto, e trovare il miglior compromesso possibile».

Per Vanessa Contini, la dote principale che occorre possedere per intraprendere la sua professione è la memoria, visiva e non solo, «perché devi ricordati i nomi, i cognomi e i volti di tutti i modelli che incontri nella tua vita». È un po’ come giocare al Memory, le faccio notare, e lei si trova d’accordo: senza vista e memoria non si va da nessuna parte. Ma ci vuole anche «parecchio istinto, oltre a ottime capacità diplomatiche di mediazione. Bisogna capire se e quando è il momento di insistere o di mollare il colpo e aspettare. Mi è capitato recentemente di aver proposto un modello per un anno di seguito, ricevendo solo dei rifiuti; l’altro giorno mi è arrivata una mail con un suo screenshot in cui il cliente mi implorava di prenderlo. Succede molto spesso, che dalle foto del book non lo si riesca a ‘vedere’, e in tal senso i social sono stati di aiuto. Infatti, quando si presenta un modello, oltre al link del book, le polaroid, quello di models.com, adesso si aggiunge anche il suo Instagram. Nella pratica si propone una rosa di circa 20 modelli, si screma arrivando a 10, dopodiché si riduce il numero a 5: è quello il momento più difficile, quando il casting director si ritrova col fotografo, lo stylist e il cliente a dover prendere insieme la decisione finale».

Mentre la nostra chiacchierata volge al termine, mi viene naturale chiederle quale sia il suo ‘casting dei sogni’. Lei replica senza esitazioni, quello di Prada. «È il casting che tutti attendiamo con curiosità, perché è forse uno dei pochi che riesce ancora a sorprendere. Non sai mai cosa aspettarti da quel casting, la sfilata di Prada non è una semplice sfilata, è racconto in movimento come accade da Chanel o Dior. La musica, l’allestimento, il casting, lo styling: nulla è lasciato al caso e tutto l’insieme concorre a narrare una storia. Quando un cliente sa osare, per un casting director è davvero il massimo. Anche perché le scelte comode o facili, di solito sono le più insidiose».

In un’epoca dominata dal tema dell’accessibilità della moda, Vanessa Contini va controcorrente e ritiene che questa non debba essere per forza per tutti, pena la perdita di desiderabilità. «Se non la desideri non compi poi il passo successivo e si perde la sua ragion d’essere. I brand di moda devono essere in grado di farti entrare in un mondo: non compriamo solo una gonna o un vestito, bensì il racconto dietro a quella gonna e a quel vestito. E nel momento stesso in cui l’indossiamo, diventiamo a nostra volta parte integrante di quel racconto».

Annuisco, e di riflesso ripenso a quelle montagne di Vogue sfogliati da bambina: no, non erano mai ‘solo’ vestiti e non erano mai ‘solo’ top model. Erano – e sono tuttora – una delle storie più affascinanti del nostro tempo.

Articolo: Marianna Tognini  Shooting fotografico: Lorenzo Morandi 

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“I giorni sono forse uguali per un orologio, non per un uomo” è la citazione proustiana che calza a pennello per chiunque sia in grado di guardare il proprio presente e futuro con occhi sempre nuovi, pronto a rischiare in proprio, a cogliere opportunità, a condividere visioni.

Filippo Bassoli può tranquillamente essere ascritto a questa categoria di persone. Milanese d’origine e parmense quando si tratta di staccare la spina e dedicarsi ad alcune delle tante passioni, durante la sua carriera Filippo Bassoli è stato (ed è) un precursore per le sue idee, il suo stile e la sua intraprendenza. Ancora studente universitario fu tra i primi in Italia a fondare una web agency quando ancora in pochi avevano compreso le enormi potenzialità della rete e, con la creazione della piattaforma blogo.it (e, tra gli altri, di motoblog.it e autoblog.it) ha dimostrato di essere sempre stato tra i pochi a capire al volo i cambiamenti nei paradigmi di comunicazione che si sono succeduti nell’ultimo decennio.

Appassionato di auto e moto fin da ragazzo, da alcuni anni Filippo Bassoli ha rimesso in gioco la sua propensione alla scommessa imprenditoriale diventando il Marketing Director di Deus Ex Machina, il brand di abbigliamento nato in Australia che deve il suo successo alla commistione di stili nata dalla fusione tra la cultura del surf e quella delle moto cafè racer.

Ho incontrato Filippo prima a Milano, nella sua dimensione lavorativa di Deus, e successivamente sulle colline nei dintorni di Parma, nella cascina definita da lui stesso come «il mio Tempo dell’Entusiasmo personale».

Filippo, vorrei iniziare la nostra chiacchierata chiedendoti come ti definiresti dal punto di vista umano e professionale.

«Mi ritengo una persona fortunata, in primis perché sono riuscito, fino ad oggi, a fare della mia passione un lavoro. Mi sento molto fortunato perché ho incontrato la persona giusta con cui ho formato una famiglia e con cui sto condividendo anche questo mio percorso e anche perché sono molto ricco di amicizie, e questo è un altro aspetto fondamentale della mia vita.
A livello professionale sono da sempre un imprenditore. Ho iniziato nel 1994 quando ancora studiavo giurisprudenza: insieme a uno dei miei migliori amici e ad altre due persone fondammo una delle prime web agency italiane. Parlavamo di comunicazione web quando i miei coetanei nemmeno sapevano che cosa fosse. Da lì in poi abbiamo avuto l’intuito e la capacità di cavalcare un’onda sempre più crescente costruendo diverse realtà nell’ambito della comunicazione e dell’e-commerce, quelle che adesso tutti definirebbero con il termine start-up. Sono così riuscito a crearmi una solida reputazione nel mondo del marketing e della comunicazione attraverso la piattaforma blogo.it e anche a intraprendere una strada editoriale che mai avrei pensato di percorrere, creando i siti autoblog.it e motoblog.it che mi hanno permesso di parlare e di raccontare di automobili, la mia prima grande passione, e delle moto stesse.
Scrivere delle proprie passioni e fare l’opinion leader come puro e semplice appassionato e non come tecnico mi ha permesso di toccare un settore editoriale che mi ha poi portato nel vivo di questo mondo e che mi ha consentito di incontrare le persone con cui ho potuto creare i presupposti di questo bellissimo progetto che è Deus Ex Machina.
Nel progetto Deus Ex Machina mi trovo a ricoprire la figura del Responsabile Comunicazione e Marketing:  un ruolo che mi porta a girare il mondo e a vivere come fossi in un frullatore. Non ci si ferma mai, ma è proprio questo aspetto a rendere il tutto molto divertente».

«Coltivo da sempre il gusto della scommessa, ma soprattutto ho estrema fiducia sia nelle mie idee sia nelle persone che, insieme a me, hanno accompagnato la crescita di Deus». Filippo Bassoli

Negli articoli che ho scovato in rete e che parlano di te vieni sempre definito come un imprenditore dalla personalità pionieristica. Ti ritrovi in questa definizione?

«Più che un pioniere mi definirei un coraggioso, perché ho avuto il coraggio di investire in un periodo di forte crisi. Coltivo da sempre il gusto della scommessa, ma soprattutto ho estrema fiducia sia nelle mie idee sia nelle persone che, insieme a me, hanno accompagnato la crescita di Deus.

In effetti, mi sento anche una sorta di pioniere perché sono stato tra i primi a capire le potenzialità del web e perché insieme ai ragazzi di Deus ci siamo presi fin dall’inizio la libertà di dare sempre delle direzioni nuove nel modo di comunicare quello che più che un brand amiamo definire come un “movimento culturale”. Il brand Deus è molto di più di un marchio di abbigliamento nato su una spiaggia australiana dalla passione per il surf e le moto custom dei suoi creatori. Per far passare questo messaggio investo e investiamo tanto tempo, energia e denaro. Ecco, se collego insieme tutti questi aspetti e li associo al coraggio delle proprie azioni ottengo un’immagine pionieristica di me e di tutti coloro che collaborano con me».

Deus ex Machina, appunto. Puoi raccontarci la genesi di questo brand e come è scaturita l’idea di portarlo in Europa?

«Deus ex Machina è un brand nato in Australia nel 2005, fondato da Carby Tuckwell e Dare Jennings, ed è stato capace di coniugare fin dagli esordi lo stile del mondo motociclistico con quello, assai più variegato, del surf, dando al risultato finale una connotazione completamente nuova ed elevandolo a vero e proprio fenomeno di costume. Deus ex Machina è un mix perfettamente bilanciato tra un brand di abbigliamento, di tavole da surf e di cafè racer e raccoglie in sé due stili di vita  che rappresentano al meglio i concetti più veri di libertà e passione. Il mio percorso per arrivare a Deus ex Machina è stato curioso. Ai tempi di blogo.it e motoblog.it avevo svolto una consulenza a Federico Minoli, all’epoca CEO di Ducati. Con lui entrammo subito in sintonia per via del suo spessore umano non comune e le sue indubbie capacità manageriali. Federico stava terminando la sua esperienza in Ducati ed era alla ricerca di una nuova realtà del mondo delle due ruote da far crescere. Io avevo parlato di Deus poco tempo prima in uno dei miei articoli sul blog: ero rimasto incuriosito da questa realtà perché ricopriva e inglobava molte delle mie passioni e uno stile di vita che qui, in Italia, era pressoché sconosciuto. Federico mi chiese se fossi interessato ad andare a conoscere i fondatori di Deus insieme a lui. Non me lo feci dire due volte: una settimana dopo eravamo in Australia a incontrarli. Sembra ieri ma in realtà da quel giorno sono passati ormai più di sei anni. Il progetto Deus era ancora in uno stato embrionale, ma io dal punto di vista emotivo e Federico dal quello imprenditoriale avevamo già intravisto enormi potenzialità. Entrammo in sintonia con Dare Jennings e Carby Tuckwell, quest’ultimo anche direttore di creativo di Deus, colui che ha dato l’immagine al marchio. Tornammo in Italia dopo una settimana con l’idea di provare a far partire Deus in Europa dando vita a un progetto pilota a Milano. Questa avventura ci ha permesso fin da subito di riunire tantissime persone: amici, collaboratori e professionisti con competenze sinergiche per il nostro scopo.
Oggi ci possiamo definire come una vera e collaudata squadra di calcio con gente che proviene dal mondo delle moto, dall’abbigliamento, dalla ristorazione. A tutti abbiamo dato la possibilità di investire e di mettere il proprio know how al servizio della causa.

Nove mesi dopo la nostra prima analisi di fattibilità inaugurammo il Deus Cafè a Milano, il quarto “tempio” dopo Sidney, Bali e Venice Beach, a cui poi sono seguite le aperture a Tokyo e Biarritz. Con l’apertura a Milano abbiamo voluto reinterpretare la filosofia di Deus ex Machina valorizzando ulteriormente la convivialità e il momento dell’incontro. I nostri spazi si chiamano “i templi dell’entusiasmo” perché rappresentano il luogo fisico dove persone che condividono le stesse passioni possono incontrarsi. Al surf e alle moto abbiamo poi aggiunto anche la passione per la bicicletta. Questi sono stati per me anni di grande fermento con tantissima carica da parte di tutti coloro che hanno lavorato al progetto Deus, ognuno dei quali ha portato il proprio pezzettino di competenza dando ulteriore valore all’immagine di quello che oggi posso definire un vero e proprio “mondo”.

Siamo trecento persone sparse per quattro continenti, i nostri meeting del lunedì mattina hanno orari variabili per riuscire a coinvolgere tutti i nostri collaboratori europei, americani e australiani. L’aspetto più bello di questo progetto è proprio quello umano: noi usiamo ‘’hashtag #deusfamily per definire questo incredibile fil rouge che ci tiene tutti uniti».

Dall’entusiasmo con cui parli di Deus ex Machina sembra evidente come questo tuo progetto abbia impresso una svolta importante alla tua vita.

«Auto e moto sono da sempre il binomio delle mie passioni. Ho Iniziato con le auto perché ne ho subìto il fascino fin da bambino, con una particolare predilezione per le auto d’epoca. A diciott’anni riuscii a convincere mio padre che la macchina giusta per me non era una comune utilitaria bensì una sportivissima Superseven: una macchina che ho tuttora e con cui mi diverto qualche sera per sfogare la tensione lavorativa. Cinque anni di attività su autoblog.it mi hanno fatto conoscere molto bene l’ambiente dell’automotive, un ambito molto, troppo legato alla mera logica dei numeri e ai fatturati e meno alla passione. Ho collaborato con marchi come Fiat, Mercedes, Alfa romeo e altri, ho incontrato manager incredibili, ma senza riuscire mai a scorgere una scintilla di passione nei loro occhi, cosa che invece ho visto nelle moto. È difficile trovare un manager di una casa motociclistica che non sia appassionato di quello che fa. Questo aspetto ha influito  molto nelle mie scelte.

«Ho collaborato con marchi come Fiat, Mercedes, Alfa romeo e altri, ho incontrato manager incredibili, ma senza riuscire mai a scorgere una scintilla di passione nei loro occhi, cosa che invece ho visto nelle moto». Filippo Bassoli

Grazie a  Deus ci siamo potuti permettere di creare progetti anche un po’ folli: dalla moto sidecar con il porta surf alla custom a due ruote motrici. “Scaricare a terra” idee creative applicandole alle due ruote è abbastanza semplice, al contrario del mondo delle quattro ruote. Questo ci ha permesso di giocare moltissimo e di realizzare progetti che sono diventati strumenti narrativi del nostro marchio e che accompagnano tutti i nostri eventi».

Il Deus Cafè, il “tempio dell’entusiasmo” italiano, si trova a Isola, uno dei quartieri che ha vissuto un vero e proprio “Rinascimento” in questi ultimi anni. Quali sono stati i presupposti alla decisione di aprire proprio qui il primo locale Deus d’Europa?

«Credo che Milano sia oggi una delle città più frizzanti in assoluto, dopo anni di sofferenza in parte dovuti anche ai cantieri di Expo i quali però, in fin dei conti, ci hanno lasciato in dote una città decisamente più bella. Abbiamo scelto Isola per il nostro progetto dopo mesi di ricerca perché era una zona “vera”, leggermente periferica e fuori dalle classiche zone centrali di passaggio. Per venire da Deus non ci inciampi, ma lo raggiungi perché ci vuoi venire. Da quando abbiamo aperto abbiamo fatto da traino a tante altre realtà. Ora Isola viene definito come il “moto quartiere”, con una trentina di realtà che masticano il linguaggio motociclistico. Sono felice di aver tentato e vinto questa piccola scommessa.

Oltre a Deus, la tua vita si divide tra Milano e quello che definisci il tuo buen retiro sulle colline di Parma, luogo al quale sei legato fin da quando eri bambino.

Monte Scirone è il mio “tempio dell’entusiasmo” personale, un posto per il quale sento un fortissimo legame fin dall’infanzia. Qui ho scoperto le mie passioni e vissuto le mie prime esperienze di libertà in moto insieme a tanti amici del posto. Da milanese, quando tornavo in città e raccontavo ai miei compagni di aver trascorso tutto il weekend in sella mi prendevano per pazzo. Ora sto facendo fare la stessa esperienza a mio figlio, in totale sicurezza.

Questo è anche il luogo in cui ho condiviso tantissimi momenti di libertà con le persone a me più care: tutti sapevano che le chiavi della stalla dove riposavano le moto erano dietro alla mangiatoia e spesso venivano senza di me, ma sempre accompagnati dal mio estremo piacere di saperli qui, in questo posto. Il cartello con la scritta “via cambiastiledivita” piantato nel vialetto rappresenta alla perfezione la mia filosofia e quella di questa tenuta. È un luogo che amo e dove tutti i miei amici vogliono venire. E io non vedo l’ora di ospitarli.

Articolo: Mauro Farina   Shooting fotografico: Adriano Mujelli   Video: Davide Rudari e Simone Rudari 

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Buona parte di quanto acquistato nel mondo durante le sue ricerche di stili e tendenze necessari a definire e realizzare nuove collezioni viene ora esposto alla mercé e ai desideri di acquisto di amici e conoscenti invitati a condividere la giornata. L’occasione è stata propizia per conoscere meglio Alessandra e farci raccontare il percorso di vita che l’ha portata a diventare stilista.

Grazie, Alessandra, per averci accolto e ospitato nella tua casa. Vorrei iniziare a raccontare di te e della tua professione partendo dalle origini del tuo percorso lavorativo. Ci puoi raccontare come il tutto ha avuto inizio?

Posso considerarmi una figlia d’arte perché provengo da una famiglia di artisti e artigiani. Mio padre è originario della Calabria, terra per cui nutro un amore viscerale. Partì da emigrato a 18 anni e dopo varie peripezie si fermò a Verona diventando uno dei migliori sarti veronesi con clienti in tutto il mondo.

Da piccola passavo le giornate nella sua sartoria dove lavorava anche mia madre. Credo siano stati loro, inconsciamente, a trasmettermi la passione per la moda. Fin dall’età di due anni disegnavo modellini di vestiti non appena mettevo le mani su un foglio bianco: ancora oggi credo fosse un segno premonitore di quello che sarei diventata da grande.

“Nasco” lavorativamente parlando nel 2000 come grafica pubblicitaria, collaborando per diverse agenzie di comunicazione. Nonostante questa attività mi assorbisse quasi completamente ho sempre mantenuto la passione per la moda e non perdevo occasione di occuparmene durante i weekend, lavorando come commessa nel negozio veronese di Fiorucci. Sono cresciuta, quindi, con due consapevolezze: l’amore per la moda e il valore del lavoro che mi hanno insegnato i miei genitori

«Sono cresciuta con due consapevolezze: l’amore per la moda e il valore del lavoro che mi hanno insegnato i miei genitori». Alessandra Ruffolo

Nello stesso periodo il titolare di uno dei più importanti negozi di streetwear di Verona, Andrea Pensiero, mi propose l’assunzione come addetta alle vendite: proposta che rifiutai perché avevo ben altre ambizioni.

Dopo due anni tornò alla carica con una proposta irrinunciabile, essendo diventato il socio fondatore di uno dei brand italiani più noti del settore: non potevo più dire di no. Iniziai così la mia nuova vita da fashion designer. Mi trovai catapultata in una realtà che avevo sempre solo sognato: ero la responsabile della linea di abbigliamento femminile del brand. Ricordo che inizialmente lavoravo con il mio collega responsabile della linea uomo, in un locale minuscolo!

Qualche mese dopo ci fu il primo viaggio esplorativo a Los Angeles, il primo di una lunga serie in giro per il mondo, alla ricerca di spunti, ispirazioni e nuove tendenze. Questo connubio di responsabilità, stimoli e spostamenti nei vari continenti erano quanto di meglio avessi mai potuto desiderare per la mia professione.

Come avvenivano questi viaggi di ricerca?

Ho imparato tanto del trendhunting perché ho avuto il privilegio di essere affiancata da persone esperte del settore da tanti anni, come lo stesso Andrea. Erano in grado di entrare in un negozio e riconoscere il pezzo giusto da cui partire per immaginare e disegnare intere nuove collezioni. Battevamo a tappeto negozi e mercatini di Los Angeles, Santa Monica e altre località della California. Erano giorni di immersione completa da mattina a sera alla ricerca di nuove tendenze: dal negozio di nicchia allo store di grido nei centri commerciali. Il nostro team di trendhunter era costituito dal titolare e dagli stilisti responsabili della linea uomo e donna. Nei primi viaggi me ne stavo un po’ in disparte a osservare il lavoro dei più grandi: una fonte di inesauribile ispirazione per me. Mi sentivo come una spugna in grado di assorbire tutto ciò che era necessario apprendere del mestiere. Questo perché credo fermamente che, qualunque sia il ruolo ricoperto, l’umiltà nell’approcciarsi a un nuovo lavoro è fondamentale. Allo stesso modo lo è il credere fermamente nelle proprie capacità. Poco dopo arrivarono altri viaggi: Los Angeles, Las Vegas, San Francisco, Pasadena, Boston, New York, Tokyo.
Senza dimenticare tutte le maggiori capitali europee e soprattutto Londra, che rappresenta tuttora l’ombelico del vecchio continente per le ultime tendenze in fatto di moda, arte, idee ed energie. La capitale britannica è una sorta di meltin pot, una delle città più multiculturali al mondo. Essendo in continuo fermento e all’avanguardia, è in grado di anticipare alla grande le nuove tendenze.

Qual è il tuo modus operandi nei tuoi viaggi alla ricerca di stimoli per disegnare una nuova collezione?

Vivo in uno stato continuo di overdose da stimoli, sempre totalmente concentrata su quello che osservo: dallo stile e dall’abbigliamento delle persone che incontro per strada al vestito esposto in un negozio. Non mi segno nulla, tengo tutto a mente grazie alla mia memoria visiva.

Ogni singolo capo che vedo, acquisto e fotografo mi riporta alla mia idea di collezione. Mi basta carpire anche un solo dettaglio di mio gusto per permettermi di dare il là ad una prima idea di sviluppo di una nuova collezione. Al ritorno da un viaggio sono pronta a sviluppare i primi moodboard e a proporli per l’approvazione finale. Potrebbe sembrare un processo lento e difficoltoso ma in realtà è tutto talmente veloce da essere già al lavoro alla collezione successiva prima ancora dell’approvazione della precedente.

«Vivo in uno stato continuo di overdose da stimoli, sempre totalmente concentrata su quello che osservo». Alessandra Ruffolo

Naturalmente l’aspetto fondamentale sta nell’identificare i colori e i tessuti che saranno di tendenza.

Dopo questa prima esperienza, nel 2011 hai accettato la sfida di condurre il Centro Stile di Freddy.

Dopo nove anni ho avvertito l’esigenza di continuare a innovarmi e pormi nuove sfide. In questo caso la sfida consisteva nell’affrancarsi dalla mia confort zone della moda streetwear per approcciare una linea totalmente differente.
Ammetto che all’inizio non è stato facile, ma ho trovato delle persone che hanno creduto in me: parlo di Carlo Freddi e Marco Rigo Langè, Business Manager dell’azienda. Oggi il nostro centro stile conta circa 20 persone: io sono responsabile della linea “Active” di Freddy.
La cosa incredibile nel lavorare per questa azienda sta nel fatto che ogni giorno non è mai uguale a quello che lo ha preceduto. 

È una sfida continua, e ogni giorno può nascere un progetto nuovo e completamente diverso da quello pensato in precedenza. Questo aspetto assume una valenza fondamentale per un creativo. Alla base di tutto poi non può prescindere una continua ricerca: un team di persone che, oltre ad essere dei grandi professionisti, è costituito da gente che vive di passione. In Freddy si presta particolare attenzione allo studio dei tessuti tecnici mixati ad uno stile sempre e comunque molto femminile.
Quando si disegna una collezione si deve preventivamente avere una conoscenza dettagliata dei materiali che verranno utilizzati. È un aspetto peculiare e distintivo del nostro brand, senza nessuna concessione al compromesso.

Come si pone la figura di una donna con un ruolo creativo così importante nel settore della moda?

Sono una sognatrice, ma sono anche consapevole che ogni cosa nella vita va guadagnata con fatica. Oltre ad una buona dose di fortuna nel trovarsi nel posto giusto al momento giusto, è necessario dotarsi di pazienza, costanza e umiltà senza farsi travolgere dalla fretta: i risultati arriveranno di conseguenza.

Devo molto a tutte le persone che ho incontrato nel mio percorso lavorativo e alle batoste che ho preso. Perché una volta assorbite e metabolizzate si è in grado di lavorare ancora meglio ed essere stimati per questo.

«Sono una sognatrice, ma sono anche consapevole che ogni cosa nella vita va guadagnata con fatica». Alessandra Ruffolo

I cambiamenti e la crescita caratteriale di questi anni sono in gran parte dovute ai pugni ricevuti e alle sconfitte subite. Questo mi ha portato alla consapevolezza di dover abbandonare le strade sbagliate comprendendo gli errori commessi. Per una donna, poi, l’ambiente lavorativo può essere molto duro: imporsi e farsi rispettare può essere difficile, ma se si è in grado di focalizzare l’obiettivo niente potrà mai esserci precluso.
Per quanto mi riguarda. poi, è fondamentale ricevere la stima delle persone per cui lavoro: credo sia una cosa impagabile, se non fondamentale, per come sono fatta io.

Siamo ospiti nella tua casa nel centro di Verona: un appartamento che denota una spiccata personalità, esattamente come la proprietaria. Ci sono degli elementi di arredo che rappresentano pienamente il tuo carattere?

È stato amore a prima vista. Una volta acquistato questo appartamento ho voluto ricostruirlo a mia immagine e somiglianza. Tutto ciò che si trova qui dentro ha un preciso significato per me. È una casa che trasmette un’energia speciale, al punto tale da non voler quasi mai uscire da qui. Il mio sogno non troppo segreto è fare di questa casa , una “casa atelier”.

«Tutto ciò che si trova in casa mia ha un preciso significato per me». Alessandra Ruffolo

Qualsiasi oggetto presente in questa casa rappresenta uno dei miei viaggi in giro per il mondo, quindi una parte di me: dei miei pensieri, dei miei sogni, del mio animo.

Manca ancora un tassello fondamentale, però. Sto ancora aspettando l’arrivo  di un tavolo da lavoro: già mi immagino la sera a lavorare ai miei progetti futuri, quelli che saranno i nuovi pezzi della mia vita.

Articolo: Mauro Farina  Contributi fotografici: Barbara Rigon

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Appassionato di streetwear fin da ragazzino, Fabio ha compreso molto presto come una vita da impiegato non fosse la più adatta a lui e ha puntato tutte le sue fiches su una scommessa che lo portasse lontano da schemi sicuri e terribilmente convenzionali.

Per conoscere meglio la sua storia, le sue scelte professionali e le sue sfide future, sono andato a trovarlo nella sua abitazione di Verona, città dove è nato e cresciuto.

Mi si conceda una licenza: parafrasando un famoso aforisma, la casa di Fabio rappresenta lo specchio di un’anima: la sua.

Affacciata sulle pendici dei colli delle Torricelle, nel quartiere Valdonega, l’appartamento di Fabio costituisce in tutto per tutto il suo spazio di vita: già ad un primo sguardo, una volta varcato l’ingresso, le immagini e gli elementi con cui sono stati arredati gli ambienti rappresentano una chiara testimonianza delle sue passioni: fotografie in bianco e nero tratte da reportage di guerra alle pareti dell’ingresso, libri di arte e design impilati in buon ordine, un’attenta e curata disposizione di oggetti.

Ogni cosa pare riflettere lo spirito del creativo oggetto della nostra intervista odierna. Senza scordare la sua collezione di tavole da skateboard, vere e proprie opere d’arte e oggetti da collezione che Fabio ci ha svelato durante la nostra conversazione, e i poster che rivelano una sua intensa passione per il cinema d’autore.

Grazie Fabio per averci accolto nella tua abitazione. Possiamo iniziare la nostra chiacchierata con qualche tua nota biografica?

Ho iniziato a delineare i contorni della mia vita professionale quando, a vent’anni, decisi di intraprendere un viaggio a Londra per imparare seriamente l’inglese. Presi questa decisione perché avevo capito che, dopo un anno di università, la fatica profusa per gli esami era sproporzionata rispetto alla mia ambizione di seguire un percorso accademico e perché imparare l’inglese poteva essere una scusa valida agli occhi dei miei genitori per lasciare casa.

Sono rimasto a Londra per quasi tre anni e, una volta rientrato, ho sfruttato il mio diploma di ragioneria iniziando a lavorare in un’azienda come contabile. Ma ci misi poco a capire che anche il lavoro da dipendente non poteva essere cosa per me.

Che influenza ha avuto il tuo periodo londinese nelle tue scelte personali e professionali successive?

Londra ha rappresentato una cassa di risonanza fondamentale per me e, soprattutto, per quello che sarebbe diventato il mio lavoro. Ancora prima di partire potevo considerarmi già un appassionato della moda streetwear.

Fin da ragazzo ero assiduo frequentatore di Ugolini, negozio storico di Verona, che aveva avuto il merito di portare in città, oltre allo skateboarding, anche marchi americani come ad esempio Santa Cruz, Vision Streetwear, Town & Country ed altri.  Ma vivere nella capitale britannica mi ha permesso di godere di input creativi che mai avrei potuto trovare in Italia e probabilmente nel resto del mondo. Questo perché, nonostante Londra non sia considerabile come il centro nevralgico per il fashion o per le tendenze mainstream, è la città simbolo per il movimento underground. La quantità di stimoli che si possono trovare lì non ha rivali altrove. Basti pensare, solo per fare un esempio, alla storia londinese degli anni 60 e 70 con l’avvento della musica punk rock e i suoi personaggi cult che hanno segnato un’epoca come ad esempio David Bowie, Malcolm McLaren e Vivienne Westwood, The Who e tanti altri.

Qual è stato, quindi, il tuo primo passo come player dello streetwear?

Una volta licenziatomi, decisi di partire con una mia linea di abbigliamento denominata Stanley Parson (da Stanley Kubrick e Alan Parson Project)

Iniziai nel 2001 con una collezione di venti t-shirt, una decina di felpe e un’auto con cui macinare chilometri per andare da un negozio all’altro. Chiusi la mia prima stagione con quindici punti vendita attivati, per poi arrivare a più di duecento in tutta Europa.

È stata un’avventura di quasi otto anni costellata da fatica, successi, soddisfazioni e difficoltà. Decisi di chiudere il brand nel 2009 quando, di fronte ad una situazione di mercato poco rosea, compresi come fosse necessario in quel momento mettere da parte l’orgoglio e rimettersi in gioco. Quella decisione mi costò enorme sofferenza.

«Iniziai nel 2001 con una collezione di venti tshirt, una decina di felpe e un’auto con cui macinare chilometri per andare da un negozio all’altro. Chiusi la mia prima stagione con quindici punti vendita attivati, per poi arrivare a più di duecento in tutta europa».

Nonostante questa chiusura, negli anni precedenti avevo già iniziato a collaborare con altri marchi come Carhartt, Uniform, e Everlast come consulente.

Con quali brand di abbigliamento collabori attualmente?

Finita l’avventura con il mio brand, nel 2010 iniziai a collaborare con Andrea Rosso e 55DSL, il marchio active street di Diesel ispirato al mondo skate e snowboard. Nel 2013, alla chiusura di 55DSL, mi dedicai ad alcuni progetti personali a cui tenevo molto, come ad esempio la linea di abbigliamento Ink Addiction, in collaborazione con Beppe Strambini, tatuatore professionista di rilievo internazionale . L’opportunità di poter condividere con lui questo progetto è per me tuttora motivo di orgoglio, in quanto, oltre che un caro amico, è di fatto un uomo di cultura spassionata da cui si ha sempre qualcosa da imparare. So, thanks Beps!

A marzo 2014 venni richiamato da Diesel per seguire la Intimate Division. Ho accettato per la bellezza del progetto e per la sfida che mi è stata prospettata: dedicarmi alla realizzazione di una linea di intimo con divagazioni anche nel beachwear e nella felperia.

Diesel è un’azienda che ti mette a disposizione qualsiasi strumento per mettere in pratica l’idea che hai in testa. E inoltre hai sempre la possibilità di confrontarti con persone con elevati livelli di competenza. Non potrei chiedere di meglio.

Come si sviluppa il tuo ruolo di di collaboratore con un brand streetwear ?

Mi posso definire uno Style Consultant di prodotto, sono restìo a definirmi stilista. Mi ritengo una sorta di figlio della modernità: questa professione si è allargata negli ultimi anni con l’avvento del web e dei social media, che permettono di monitorare i nuovi trend anche direttamente da casa. Ma per me non è sufficiente. Ho la necessità di dover cogliere tendenze e stili laddove nascono e si sviluppano. Per questo motivo non manco mai di volare alla volta del Giappone, negli Stati Uniti, a Londra oppure a Berlino: dovunque ci sia la possibilità di toccare con mano le evoluzioni che stanno arrivando.

Per entrare maggiormente nel concreto del mio lavoro, solitamente l’azienda rilascia un brief contenente il focus da sviluppare. È fondamentale, in questo caso, confrontarsi sul gusto da seguire e capirsi sul tipo di prodotto desiderato: ad esempio, se si desidera raggiungere e sviluppare uno stile più street o maggiormente classico. Stabilito questo aspetto si dà inizio alla ricerca: è un lavoro che deve essere fatto a più mani. Nemmeno lo style consultant più capace è in grado di risolvere i problemi di un brand o risollevarne le sorti.

«Ho la necessità di dover cogliere tendenze e stili laddove nascono e si sviluppano. Per questo motivo non manco mai di volare alla volta del Giappone, negli Stati Uniti, a Londra oppure a Berlino: dovunque ci sia la possibilità di toccare con mano le evoluzioni che stanno arrivando».

Se sono in grado di far bene il mio lavoro è perché sono stato in grado di trovare sinergie comuni con gli altri membri dello staff creativo, produttivo e marketing e assieme ad essi siamo riusciti a tirare fuori il meglio.

Da solo puoi vincere una scommessa, ma il concetto di “successo” rappresenta per me qualcosa di molto diverso. È il frutto di un continuo confronto con le persone con cui lavori, di propensione ad ascoltare gli input che arrivano dai tutti i collaboratori, senza escludere nulla, senza mai dare nulla per scontato.

Parlando invece del lato più pratico del mio lavoro, ognuno ha il suo canale mentale di ricerca. Sono ispirato molto dalla musica, dal cinema dall’arte, dalla grafica, da ciò che non appartiene allo stesso mondo da cui provengo.

L’abbigliamento è il risultato di ispirazioni che vengono da altri mondi. La ricerca viene da lì. Quando inizio il mio percorso di ricerca trovo ispirazione più nelle esposizioni d’arte o nelle librerie che nei negozi. Certo, tenere sott’occhio il mercato è fondamentale ma l’ispirazione non può venire solo da ciò che è già stato realizzato.

Cosa intendi nel concreto quando parli di “lavoro a più mani”?

Quando dicevo di essere un figlio della modernità non stavo esagerando: non avendo manualità sufficiente non disegno a mano libera, ma solo al computer. Compilo dei moodboard ispirazionali che comprendono foto di ambienti, opere d’arte e abbigliamento. Da questa sorta di idea embrionale creo un collage per dare modo all’azienda di capire il tema e il linguaggio che ho deciso di utilizzare; linguaggio che poi verrà declinato su tutti i capi di abbigliamento della collezione.

Lì entrano in gioco tutte le conoscenze dei materiali e del confezionamento necessari a mettere in pratica l’idea che è stata generata.

In una fase successiva la palla passa all’ufficio prodotto che realizza materialmente i capi. Nel caso di Diesel tutti i primi prototipi vengono realizzati internamente, senza l’ausilio di service esterni.

Nelle tue esplorazioni alla caccia di ispirazione segui un particolare istinto che ti porta a soffermarti di fronte a un dettaglio o una dinamica che ti colpisce ?

Nella mia testa convivono due elementi che devo rendere compatibili tra loro: l’idea di come io vedo il brand per cui lavoro e gli input che mi sono stati dati e che sono alla base della mia ricerca. Tutto il processo a seguire scaturisce da questa dicotomia, ma non è necessariamente vincolata ad essa. L’esempio più calzante per spiegare questa assenza di vincolo credo possa essere il seguente: essere sposati con una persona non prescinde dalla possibilità di innamorarsi della prima persona che passa per la strada. È difficile, ma può capitare. E così accade anche nel mio lavoro: ci sono state situazioni in cui sono partito con un’idea e sono tornato indietro con tutt’altro risultato. L’idea è stata modificata e adattata a fronte di quanto ho trovato sulla mia strada e che mi ha dato la giusta ispirazione.

In altre occasioni invece sono riuscito a essere fedele al mio istino iniziale e ho trovato dettagli che si adattavano perfettamente ad essa. Non ho comunque mai uno schema predefinito. Sono istintivo. Molto, a volte fin troppo. Metto la passione davanti alla ragione. Se non si ha istinto è difficile riuscire ad avere successo in questa professione.

«Sono istintivo. Molto, a volte fin troppo. Metto la passione davanti alla ragione. Se non si ha istinto è difficile riuscire ad avere successo in questa professione».

Da quanto ho potuto vedere visitando il tuo appartamento hai una passione smisurata per il mondo delle tavole da skateboard. Questo senza mai aver praticato la disciplina. Cosa ritrovi nel mondo dello skateboarding come fonte di ispirazione per il tuo lavoro?

Del mondo skate adoro il fatto che sia una vera e propria fabbrica di idee: per sua stessa natura rappresenta un’espressione di libertà totale. Tutto quanto proviene da quel movimento è intriso di creatività. Basti pensare alla serigrafia che rende le tavole da skateboard delle vere e proprie opere d’arte e degli oggetti da collezione.

Per fare un esempio, il marchio Supreme ha sempre puntato molto su grandi artisti per personalizzare le proprie tavole. Nomi del calibro di Damien Hirst e Jeff Koons hanno realizzato opere incredibili. Così come esistono veri e propri collettivi di artisti skater, come ad esempio quello con a capo Jeremy Fish, Upperplayground, RVCA che fanno della serigrafia un vero e proprio linguaggio espressivo di appartenenza.

Dalle tue parole traspare un’intensa ricerca di un valore nelle cose e nelle situazioni che vuoi vedere e scoprire. Questa attitudine la applichi anche nelle tue collaborazioni?

Il legame affettivo è una componente per me fondamentale quando lavoro. La cerco sempre e quando la trovo diventa imprescindibile per il raggiungimento del risultato finale. Adoro le situazioni il cui contenitore è specchio di coloro che lo hanno creato, e proprio per questo riesco ad attribuirgli un valore intrinseco.

«Adoro le situazioni il cui contenitore è specchio di coloro che lo hanno creato, e proprio per questo riesco ad attribuirgli un valore intrinseco».

Per fare un esempio di quello che dico non posso non citare le mie collaborazioni con Beppe Strambini di Ink Addiction e con i ragazzi di Folks Verona.

Adoro poter essere utile in questi progetti perchè sono persone che mettono passione in quello che fanno: sono appassionati di questo stile e per questo risultano credibili anche agli occhi dei loro clienti. La credibilità della persona viene messa in risalto solamente da ciò che si è in grado di mettere in piedi. Se è in linea con le proprie passioni si può essere meritevoli di fiducia; se non lo si è si farà molta più fatica perché i tuoi clienti saranno menefreghisti .

Oltre alle tue collaborazioni con vari brand stai seguendo anche Popcornershop, un tuo progetto personale. Di cosa si tratta?

Lo definisco una sorta di social commerce. L’idea è nata dopo aver constatato come negli ultimi anni un elevato numero di negozi multibrand hanno chiuso i battenti. L’avvento degli ecommerce e la possibilità di trovare in rete prezzi più convenienti ha messo in ginocchio tanti esercenti. Il mio progetto parte proprio dalla necessità di far tornare il negozio fisico al centro dell’attenzione.

La nostra app Popcornershop ha l’ambizione di creare per il negozio un ambiente in cui poter veicolarne l’immagine, la comunicazione e il loro assortimento di brand in vendita. Garantendo in questo modo un servizio di e-commerce impossibile da gestire altrimenti come unità singola.

In sostanza, Popcornershop diventerà una community di negozi che decidono di affiliarsi a noi in concorrenza ai colossi dell’e-commerce che, avendo la possibilità di acquistare grossi volumi di capi con sconti sostanziosi, stanno dominando il mercato delle vendite online con ripercussioni disastrose su chi lavora con passione e dedizione nel mondo reale.

Dopo tanti anni di professione, Verona rimane ancora il tuo rifugio: una città che può sembrare lontana anni luce rispetto a metropoli estere che costituiscono una tappa obbligata per il trendhunting. Riesci a intravedere comunque qualche peculiarità propria del tuo mondo?

Ti ridefinisco cosa intendo io per “street”: è un mondo che rappresenta creatività, professionalità e libertà. A Verona di creatività e professionalità se ne trova, il problema è scovarla e farla emergere al di sopra di questa coltre di omologazione. Ci sono personaggi e realtà artigianali veronesi così interessanti che riflettono in tutto per tutto le peculiarità del genere “street”.

Il problema dell’emersione di queste realtà scivola nelle mere logiche commerciali. Investire in giovani artisti, stilisti e fotografi richede impegno, sacrificio e investimenti. Ad oggi il numero di persone disposte ad accollarsi questo compito è molto esiguo, perché costa fatica e non porta a un risultato economico immediato.

Tutto sta nel capire che una strada ti porta a mettere in piedi qualcosa, l’altra a mantenere lo status quo.

Articolo: Mauro Farina   Contributi fotografici: Adriano Mujelli

Si ringrazia Folks Verona per l’ospitalità.

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La storia professionale di Maurizio De Marchi potrebbe confondersi con migliaia di altre del settore imprenditoriale del Triveneto: laurea in economia e commercio, un lavoro solido e ben retribuito come commerciale estero in una realtà imprenditoriale tessile di marchi blasonati quali Cerruti e Moncler, nel 2005 decide di dedicarsi all’azienda familiare, con l’intenzione di portarla ad abbandonare le lavorazioni conto terzi e trasformarla in un brand di articoli di pelletteria di lusso.

Maurizio De Marchi ci accoglie nel laboratorio produttivo dell’azienda, Mariella Martinato, nel centro di Trebaseleghe, non molto lontano da Padova.

Cosa c’è alla base di una scelta decisamente non conservativa come quella di abbandonare clienti e fatturati consolidati e avventurarsi nel mercato del  tessile di lusso?

La verità? Ogni scelta comporta l’accettazione di una certa percentuale di rischio. Eravamo consapevoli che da lì a qualche anno il mercato della moda avrebbe costretto i grossi marchi ad ulteriori delocalizzazioni all’estero della produzione. Ha prevalso la nostra ambizione e l’istinto di sopravvivenza. Allo stesso tempo eravamo consapevoli che, per quanto fossimo bravi a produrre, lanciarci a proporre un  monoprodotto nel settore del tessile e della pelletteria sarebbe stato un rischio troppo grande, con ingenti investimenti senza una concreta possibilità di successo.

Abbiamo deciso perciò di non scendere a compromessi e ci siamo specializzati nella produzione artigianale di oggetti di lusso. Il primo investimento, del quale ancora sono orgoglioso, è stato quello di acquisire un’impresa artigianale dedita alla lavorazione del corno di bue al quale affiancare la nostra esperienza nella lavorazione delle pelli. Sono passati solo dieci anni, ma mi sembra un’era geologica fa se penso a quello che siamo in grado di realizzare oggi.

Cosa ha portato un decennio di attività in termini di esperienza acquisita nel tuo lavoro?

La consapevolezza che, senza innovazione ed intuito, non si va da nessuna parte. Se avessimo semplicemente continuato a ripetere quanto prodotto negli anni precedenti, ora non saremmo qui a parlarne. Se da un lato la mia estrema fiducia nelle nostre capacità mi ha portato a rifiutare ogni compromesso, continuando così a lavorare con gli artigiani locali, dall’altro questa scelta ha comportato un girovagare tra l’Italia e l’Europa alla ricerca continua di collaborazioni sia con realtà di nicchia sia con aziende prestigiose e affermate, che ci permettessero di rinnovare le nostre collezioni mantenendo la qualità a livelli superiori alla media.

Ad oggi noi realizziamo borse da viaggio, accessori per la cura del corpo sia uomo che donna e complementi d’arredo per alberghi di categoria superior. Non esiste una produzione in serie: ogni oggetto, dalla spazzola in corno di bue ai pennelli da barba in radica, dalla scatola portagioie con copertina in ardesia ad intarsio e interno in tessuto Fortuni, allo spazzolino da denti con manico in corno, è realizzato a mano e quindi personalizzabile secondo il desiderio dell’acquirente.

Tra le varie collaborazioni mi piace ricordare l’accordo con Swarovski, di cui utilizziamo i cristalli per impreziosire alcune delle nostre linee di prodotti per la cura del corpo; forse uno dei più classici esempi di come esistano ancora colossi in grado di  riconoscere l’eccellenza anche nelle imprese artigianali.

«Se si vuole trasmettere l’emozione e l’unicità di uno stile italiano dobbiamo rinunciare a qualunque compromesso. Per questo affido la lavorazione dei miei prodotti solo ad artigiani qualificati».

Questa concezione di unicità di prodotto si riflette anche in altri aspetti del tuo lavoro?

Deve essere così. Ci siamo posti l’obiettivo di affermarci nel segmento del lusso. Se vogliamo trasmettere l’emozione e l’unicità di uno stile italiano dobbiamo rinunciare a qualunque compromesso. Per questo affido la lavorazione dei prototipi, così come le commesse, solo ad artigiani qualificati. Quello che, per ovvi motivi logistici, non si riesce a produrre nel nostro laboratorio viene realizzato da altri artigiani italiani qualificati. Ad esempio, per realizzare la linea di spazzolini con manico in ottone galvanizzato in oro, ho stretto da anni una collaborazione con diversi orafi vicentini. O come la lavorazione della radica per le scatole portagioie: in quel caso mi affido ad artigiani cremonesi, forse i migliori al mondo in questo campo. La stessa filosofia la perseguo per i materiali: per realizzare la linea di borse da viaggio in pelle, ad esempio, mi rivolgo alle concerie toscane: solo in quelle zone si trovano pelli di bufalino con conciatura vegetale. Ecco cosa intendo quando ti parlo della qualità che voglio per le mie collezioni.

Chi si occupa del design delle nuove collezioni?

Il sottoscritto insieme a due architetti specializzati nell’interior design. Forse la cosa potrebbe stupire, ma ho sperimentato sulla mia pelle che chi si occupa di design in questo settore, pur vantando esperienze decennali, molto spesso ha esaurito la propria forza creativa limitandosi a ripetere ciclicamente modelli già visti senza aggiungere alcunché di innovativo. A mio parere, designer provenienti da altri campi potranno anche sbagliare nel breve periodo, ma hanno quella freschezza di idee e punti di vista differenti che sono preziosi per l’evoluzione delle linee di prodotto.

«ho sperimentato sulla mia pelle come molto spesso chi si occupa di design in questo settore vantando esperienze decennali ha esaurito la propria forza creativa, LIMITANDOSI a ripetere ciclicamente modelli già visti, senza aggiungere alcunché di innovativo».

Il fatto di partire da un paese di provincia, per quanto al centro di un distretto manifatturiero d’eccellenza, può rappresentare un handicap rispetto ad altri marchi e rispetto ai buyer internazionali?

Se dovessi risponderti da un punto di vista di mera logica commerciale, avere la sede in un piccolo paese di provincia può rappresentare uno svantaggio. Ma per la nostra filosofia non esiste luogo migliore dove mantenere le nostre produzioni e conservare la nostra identità. Qui si trovano gli artigiani con le professionalità indispensabili a mantenere altissima la qualità delle lavorazioni. Uno spostamento verso città commercialmente più appetibili, come Milano ad esempio, snaturerebbe i rapporti che abbiamo instaurato con fatica in questi anni di collaborazione. Oltretutto, finalmente sta crescendo una nuova generazione di giovani interessati a studiare e ad apprendere quei mestieri che sembravano ormai a rischio estinzione. Quindi no, non ci sposteremo dalle nostre zone.

E, ad essere sinceri, la soddisfazione di vedere buyer importanti nel settore del lusso raggiungere un piccolo paese del padovano per toccare con mano il nostro campionario e i nostri materiali non ha pari con nessuna sede prestigiosa in qualunque parte del mondo.

Maurizio De Marchi, Fashion Designer per Mariella Martinato: →www.martinato.com

Shooting fotografico:  Susanna Sfilio

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