«È una mina cluster. Ti entra diritta nello stomaco, si propaga ovunque per arrivarti al cervello e tornare a farti sentire male, malissimo. Impossibile sopravviverci. Così è stato per Kevin Carter, fotografo sudafricano suicida a 33 anni per la stessa foto, “la  bambina e l’avvoltoio”, che gli ha fatto vincere il premio Pulitzer. La foto simbolo della carestia del Sudan del 1993, pubblicata sulla prima pagina del New York Times e ripresa dai giornali di tutto il mondo.

Una foto dannata, dannata nella sua verità crudissima. Scrivere su Kevin Carter è quasi voler abbellire una vendetta servita su piatto freddo. A 33 anni non è riuscito a fare il passo di tradire la sua sensibilità, di tradire se stesso come essere umano, di tradire la sua giovinezza, di mettere filtri e barriere. E diventare un adulto razionale che fa solo il suo mestiere, di continuare a seguire la sua passione di documentare il mondo. O forse l’apice del cinismo lo aveva già consapevolmente raggiunto. Continuo a far parte del gioco, continuo a fotografare sangue e morte? Forse per coerenza a quanto incontrava ha cercato e pianificato la sua stessa. L’orrore di ciò che ha visto e documentato lo ha preso e fatto diventare un tutt’uno.

Tanto che la foto ha messo in discussione l’eticità stessa del premio Pulitzer. Premiando la foto si premiava un comportamento assolutamente non etico di Carter, la sua inazione, il suo fumarsi la sigaretta mentre aspettava che l’avvoltoio si avvicinasse, il suo lasciare la scena dopo. Ma tutto raccontato da lui, una sincerità che faceva parte della sublimazione della sua professionalità, del suo credo. Una totale non modificazione tra realtà e foto, e foto e pubblico. Una inazione voluta per dare ancora più spessore alla realtà crudele. Facendo diventare il lavoro del fotografo, la sua anima, pari a quella dell’avvoltoio. Cercare la sofferenza per azionare lo scatto.

Parte di un gruppo affiatatissimo di quattro amici colleghi sudafricani con una vita al limite, il Bang Bang Club, dove Bang Bang non è un cocktail o una droga da compagnia, ma il suono dei mitragliatori in Sud Africa. Il Bang Bang contribuirà in modo determinante a documentare l’apartheid.

Saranno loro, tra cui i fotografi Joao Silva e Greg Marinovich, a scrivere un libro un po’ autobiografico e un po’ liberatorio: The Bang Bang Club, da cui è stato tratto un film documentario nel 2010 come testimonianza del 1994, ultimo sanguinoso anno di apartheid in Sud Africa.

https://www.youtube.com/watch?v=eFQnoMDFDAY

Un libro che testimonia quanto il lavoro dei fotografi di guerra sia in grado di creare una potenza di emozioni esplosive nei media e nell’opinione pubblica quanto una bomba atomica. Quanto una foto, un dettaglio nitido estrapolato dalla confusione dell’azione, sia essa stessa la narrazione di una storia.

Tutte le foto di questo giovane sudafricano sono quasi prive di colore. Non c’è una forma artistica o una tecnica particolare, non ci sono filtri. L’immagine è pulita come l’occhio fotografico, spietato e lucido.

Se solo riesci a toccare la mente di una persona, hai fatto qualcosa. Se sai che sei in una posizione privilegiata, hai il dovere di dare il massimo nella vita pubblica e di mettere il cuore nella parte giusta per avere più seguaci possibili.

Articolo: Giovanna Dall’Ora

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Ma partiamo da lontano: dal XIX secolo, in cui la già esistente (sebbene in versione ben diversa da quella che conosciamo) bicicletta acquistò la nuova caratteristica di “mezzo per lavorare”: merito del barone Karl Von Drais, che l’utilizzava per girare le sue terre e supervisionare il lavoro. Dal debutto in sordina delle due ruote in campo professionale, passando per il servizio postale inglese – il primo a sviluppare il triciclo con trasmissione a catena, modello che presto venne adottato dai commercianti – eccoci in Danimarca, patria dell’attuale cargobike per trasporto leggero.

A Copenaghen ci sono più di 35.000 cargobike e vengono spesso usate dalle famiglie per il trasporto dei bambini, incuranti delle condizioni climatiche e, chissà, forse ispirate dalla stessa Principessa Mary, spesso immortalata mentre porta fieramente a scuola la prole regale in una scattante cargobike.

Tanta cargo-filosofia a Copenaghen ha persino spodestato la simbolica Sirenetta, rimpiazzandone la coda con cerchi e catene. A favorirne il successo, la storia recente: dagli anni ’70 è vietata la circolazione delle auto in centro, ispirando giocoforza lo sviluppo di mezzi di locomozione alternativi.

Non a caso, la Danimarca è spesso giudicato come il Paese più all’avanguardia a livello di piste ciclabili e design delle biciclette, scelte come veicolo principale non solo dalla popolazione ma (impensabile in Italia) da buona parte dei suoi governanti.

Le cargobike di ButcherS & BicYcles

Dalla patria di marchi come Lego e Bang & Olufsen, per citarne alcuni, non si poteva che aspettarsi centri di produzione altamente innovativi: non fa eccezione Butchers & Bicycles, azienda di design e progettazione dal tipico logo con baffi e bombetta, con punti vendita da San Francisco a Sidney. Gli amanti delle due ruote di tutto il mondo già ne riconoscono le guidelines inconfondibili: i dettagli cromatici, le sospensioni delle ruote, la flessibilità in curva… In breve, la versatilità di utilizzo: la cargobike Mk1, l’ammiraglia di Butchers & Bicycles, si distingue per le sospensioni sulle ruote anteriori che rendono più stabile il mezzo, soprattutto se carico e in curva. Non solo praticità, con una portanza fino a 100 kg di carico, ma anche design, ovviamente 100% danese, e un’anima rigorosamente sostenibile: il modello, sempre corredato di cinture di sicurezza, portacaschi e possibilità di copertura, è disponibile anche in versione elettrica, con autonomia di più di 6 ore.

“La cargobike è prima di tutto un concetto”, recita il presskit dell’azienda: ora che ne conosciamo i punti di forza in grado di tradurne la filosofia produttiva, non possiamo che essere d’accordo con i suoi creatori, tre ingegneri dallo spirito tanto tecnico quanto eclettico. Jakob Munk, Morten Wagener e Morten  Mogensen hanno saputo rendere seduttivo e trendy un mero mezzo di trasporto professionale.

Per capire come hanno saputo raggiungere quest’obiettivo basta la loro risposta alla nostra domanda sulla genesi della filosofia “outdoor a livello quotidiano” alla base di tutto il lavoro di Butchers & Bicycles: «l’abbiamo nel sangue», è il feedback immediato di Jakob, «sentire il vento in faccia dà un gran senso di libertà».

E non può dargli torto chi, come noi, è cresciuto con i Peanuts di Charles M. Shultz, consci che “la vita è come una bicicletta a dieci velocità, e molti di noi hanno marce che non usano mai”: siamo certi che a Morten, Jakob e Morten questo non potrà accadere.

Articolo: Giovanna Dall’Ora, Silvia Zanolli  Contributi fotografici: Butchers & Bicycles

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Chiamata al secolo Giuseppina Pasqualino di Marineo, nata a Milano il 9 dicembre 1974 da una nobile e anticonformista famiglia, e uccisa a Gebze (Turchia) ad una cinquantina di km a sud est di Istambul il 31 marzo 2008 durante la performance artistica Brides on Tour. Fin dagli esordi Pippa percorre la strada dell’arte performativa: la trasformazione degli oggetti in altri oggetti, utilizzando semplicemente un paio di forbici. Anticonformista anche nel modo di vestire, si spostava solo in autostop, lavorava part time in un call center per finanziare i suoi progetti artistici e aveva già all’attivo diverse mostre.

«Si possono percorrere milioni di chilometri in una sola vita senza mai scalfire la superficie dei luoghi né imparare nulla dalle genti appena sfiorate. Il senso del viaggio sta nel fermarsi ad ascoltare chiunque abbia una storia da raccontare». E così è Bride on Tours, l’ultima performance dell’artista conclusasi tragicamente. Un lungo viaggio attraverso i Balcani appena usciti dalla guerra. Portare il vestito da sposa a vivere, a consumarsi nel viaggio. L’idea nasce da un matrimonio di un’amica, dal notare la caducità di un abito che diventa importantissimo per un giorno e poi dimenticato; Pippa lo trasforma in testimone di un messaggio di amore e pace. Amore che verrà sublimato con l’omaggio della lavanda dei piedi alle ostetriche incontrate attarversando i Balcani. Donne che danno la vita in posti dove la vita viene uccisa. Vita e morte come unicità. Una dicotomia sempre presente: quella della doppiezza della realtà, della sua essenza.

«Si possono percorrere milioni di chilometri in una sola vita senza mai scalfire la superficie dei luoghi ne’ imparare nulla dalle genti appena sfiorate. Il senso del viaggio sta nel fermarsi ad ascoltare chiunque abbia una storia da raccontare».

Disegnato dal designer Massimo Facchin, il vestito era pensato per essere il protagonista assoluto. Pippa lo deve portare solo in viaggio. Il velo è a due strati per asciugare i piedi alle ostetriche che si incontrerranno nel viaggio. Lavanda come simbolo di rispetto e omaggio. La gonna fatta di undici petali ad indicare il numero dei Paesi da attraversare. Le scarpe volutamente con il tacco: come simbolo di femminilità ma scomode, come a significare che essere donna e madre costituisce un cammino faticoso e solo con il cammino si può costruire la pace.

Nipote d’arte, dissacrante come lo zio Piero Manzoni, morto anche lui giovanissimo, Pippa Bacca trasforma in un radicalismo estremo la sua vita.

La madre Elena Manzoni ci dice che tutto quello che faceva veniva stravolto dalla sua fantasia, reinterpretato in una dimensione sempre più ampia. “Se anche solo toccavo un suo oggetto esclamava «Ecco, non è più lo stesso». Aveva da sempre l’intuizione che quello che appare non è, fino a che non vive in un’altra dimensione entrando nel decontestualizzato”.

Esprimiamo forse meglio l’arte di Pippa con un pensiero dello zio Piero Manzoni, morto anche lui giovanissimo e conosciuto ai più come l’autore della «Merda d’artista».

«Capita spesso di sentire di qualcuno che non comprende l’arte contemporanea, ma ama quella del passato; questo nasce da un equivoco fondamentale nei confronti dell’arte stessa e si può essere sicuri che le persone che così parlano non capiscono nulla né dell’arte del passato, né di quella contemporanea. Poiché, intendiamoci bene, comprendere un quadro o comunque un’opera d’arte non vuol dire capirne il soggetto, ma assumerne il significato».

Anteprima modifiche (si apre in una nuova scheda)

La vita trasformata in un radicalismo estremo e chi ha il privilegio di farne parte viene risucchiato nella performance che è la vita stessa. Osservando le opere raccolte in Green e Surgical Mutation, Pippa Bacca con giocosità affronta i temi filosofici di sempre: essere o non essere.

Le foglie che sono naturali, vive, sottoposte a una mutazione chirurgica o incorniciate, diventano artificiali, come trasformate. Perché questa sottile tragicità in un elemento tanto naturale e poetico quanto è una foglia?

Le opere di Pippa sono insieme dolci, serene, liriche a un primo sguardo, ma con le mutazioni chirurgiche quella presunta idillicità si trasforma in dramma. La trasformazione delle foglie come dicotomia tra sostanza e apparenza, tra positivo e negativo.

Pippa Bacca ha incarnato l’intellettuale che in una società bloccata in un fermo immagine narcisista, non può che essere ironico per scuotere, svegliare, sorprendere.

In tutti i suoi lavori si rileva una mutazione dissacrante, ironica. Un’ironia che è solo femminile e nella letteratura è propria di Simone De Beauvoir oppure di Virginia Woolf. Ironia come sopravvivenza, come trasformazione in un mondo dettato da leggi maschili. Ecco, dunque, una continua reinterpretazione concettuale, un lavoro proprio dell’intellettuale con giochi di parole taglienti che difendono come armi la purezza dell’intimo pensiero, del concetto, la cui espressione viene affidata al mondo liberato dagli schemi con le forbici che puliscono da interpretazioni convenzionali o scontate. Dimostrando così quanto le definizioni e i concetti stabili siano labili.

Pippa Bacca ha incarnato l’intellettuale che, in una società bloccata in un fermo immagine narcisista, non può che essere ironico per scuotere, svegliare, sorprendere. Un architetto di nuove vie di fuga, un’innovatrice, una progettista di scenari inediti.

Articolo: Giovanna Dall’Ora   Contributi fotografici: www.pippabacca.it

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Coniugando l’anima dell’Art District con i suoi loft abitati da designer, creativi e imprenditori, The Wheelhouse si propone come ritrovo per amanti delle biciclette di design e non solo. 350 mq di tubolari in acciaio, biciclette vintage raccolte in ogni dove, poltrone in cuoio dove sprofondarsi in lunghe conversazioni, canape, vecchi tessuti, tavoloni che inducono allo spirito comunitario. Recupero della lentezza come essenza della creatività.

Chase e Tami, le menti ispiratrici di questo locale, hanno tradotto quello che la sharing economy e i social network stanno insegnandoci. Più comunità, meno individualismo. Una fluidità continua tra l’atmosfera trendy e giovane dell’Art District con i suoi spazi verdi fatti per camminare e andare in bicicletta e come  The Wheelhouse, rifugio per i bike nerds. 65 posti che si affacciano sul pianterreno dove appassionati meccanici introducono al meglio dell’offerta  all’acquisto o semplicemente riparano le biciclette mentre si sorseggia un caffè o un bicchiere di vino. Lo deduciamo dal menù: gomma a terra e caffè a 20$, affitto bicicletta 2$, freni e the a prezzo speciale. Bicicletta tradotto in un modo di vita, in un’atmosfera da urban explorer. Ci si ferma da The Wheelhouse per continuare a chiacchierare e magari per qualche evento musicale che fa da contorno al meglio che si può trovare sul mercato.

Chase e Tami, le menti ispiratrici di questo locale, hanno tradotto quello che la sharing economy e i social network stanno insegnandoci. Piu’ comunità, meno individualismo. Una fluidità continua tra l’atmosfera trendy e giovane dell’Art District con i suoi spazi verdi fatti per camminare e andare in bicicletta e come  The Wheelhouse, rifugio per i bike nerds.

Da Handsome Cycles con biciclette con o senza cambio, a Surly con differenti copertoni adatti per sterrato e acquitrini.

Da Heritage Bicycle che ricrea con il suo design vintage un’atmosfera da cinema per spostarci alle sacche di Sackville, intramontabili in canapa e iuta dai classici toni verde oliva, grigio, marrone. Per l’abbigliamento l’azienda americana per l’outdoor Topo Design, con i suoi jersey e gli zaini. La californiana Rivendell con le sue biciclette customizzate. Si possono scegliere telai, ruote, tipi di freni e manubri.

“Feel at home, make yourself coMfortable”.

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