Terni. Il circolo della scherma è immerso in un silenzio paradossale, spiazzante. È una mattina di fine mese e per i più la stagione è ormai agli sgoccioli, in programma non ci sono allenamenti né gare. Alessio Foconi è lì, al centro, in piedi tra le dodici pedane che corrono a tagliare ritmicamente l’intero parterre. Ha il fioretto stretto nella mano destra, la maschera sotto braccio.

Fa strano non sentire il consueto rumore degli apparecchi elettrici, quei “beep” assordanti che durante gli assalti si mischiano alle decine di lame incrociate. Fa strano riprovare certe emozioni anche quando tutto attorno a te è vuoto.

Ma questo è un luogo che profuma di qualcosa che conosco bene. Odora di armi appese a una lunga scaffalatura in legno, narra di spogliatoi e di sudore, di divise fradicie gettate negli armadietti di un corridoio. Ha il suono delle sacche trascinate e delle scarpe in gomma che fischiano con forza sopra una maglia metallica. Rimbomba di voci, di richiami, di gambe che si muovono avanti e indietro a tempo, di gesti provati e riprovati, ripetuti allo sfinimento.

Alessio Foconi è il campione d’Europa in carica e quella dove ci troviamo è la palestra che negli anni l’ha accolto spronandolo a crescere. Ne aveva sei la prima volta che vi è entrato, eppure da quel giorno non ha più voluto andarsene.

«Ormai faccio fatica a ricordare i miei assalti nei quali non ho dato tutto quello che avevo». Alessio Foconi

Oggi di anni ne ha ventinove. Gli chiedo che effetto gli fa. «Bello. Ciò che mi ha fatto restare fin da subito è stato il legame con i coetanei e i maestri. Ero un bambino molto timido ma l’insegnamento, il confrontarmi con i miei pari mi ha aiutato a esprimere la mia personalità. È importante guardarsi indietro, ripercorrere con la mente tutti quegli errori ma anche le cose positive per le quali sono arrivato fino a qui».

Il percorso di Alessio Foconi è un racconto lungo, longevo. La scherma è fatta così, cominci presto e non finisci più. Non ti esce mai.

Le foto appese a un muro documentano alcuni dei trionfi più grandi, eppure la sua storia è una strada tortuosa, un tragitto in salita. È la favola di un fiore che tarda a sbocciare, che a tratti sembra non riuscirci nemmeno, bloccato in un limbo senza gloria. Alti e bassi continui, vincere per poi perdere, guadagnare piazzamenti sufficienti a conquistare la convocazione in Nazionale Italiana, un posto nel centro sportivo dell’Aeronautica Militare senza davvero affermare a pieno il proprio potenziale.

«C’è stato un momento della mia vita in cui toccavo, magari vincevo delle gare e non sapevo minimamente come avessi fatto. Tornavo a casa e parlando con l’allora c.t. Giulio Tomassini, lui mi diceva: “va bene così, la scherma è questo. Tu tocchi perché è la sensazione, l’istinto che ti fa toccare”. È vero, però io volevo comunque sapere come ripetere le stesse mosse per vincere un’altra volta. Nulla è più controproducente di questo. Ogni avversario è una storia a sé, ogni assalto è nuovo, da riscrivere. Non ti troverai mai nella medesima situazione».

La costanza è qualcosa di estremamente complesso da raggiungere e doverla trovare a tutti i costi spesso ti macera da dentro, ti logora la testa. Per Alessio Foconi, purtroppo, è il mostro da annientare, ciò che fino ai ventisette anni lo trascina a risultati altalenanti, a terminare incontri con l’amaro in bocca.

La gara è il palco che mette in scena tutte le sue paure. È proprio la paura a bloccarlo, gli parte dalla mente e gli arriva qui, sul diaframma. Capisce, allora, che non può continuare a zittirla, deve imparare a canalizzarla per poterla giocare a suo favore. L’aprirsi a se stessi è la chiave di volta in cui decide di scommettere. «Dal 2013 ho iniziato l’allenamento mentale e lì ho scoperto come parlarmi. Tante volte dicevo: “io questa gara la devo fare bene, devo vincere”, ma questo dovere, questa costrizione mi appesantiva tantissimo. Non me ne rendevo conto. Il mio mental coach, Filippo Fanin, mi ha aiutato a indirizzare le terminologie.

Quando dovevo vincere alcuni assalti fondamentali, non usavo più la parola dovere, ma mi ripetevo: “io questa gara la voglio vincere”. E piano piano ho abituato il corpo e il pensiero a canalizzare la mia volontà e il mio obiettivo».

«Io ho toccato il fondo più volte. Toccare il fondo ti fa capire tante cose, è come se venissi dalla strada». Alessio Foconi

È l’estate del 2016 e a Rio, in Brasile, sono in corso i giochi della XXXI Olimpiade. Alessio vede uno dei suoi più cari amici, Daniele Garozzo, vincere l’oro nella sua specialità, il fioretto maschile. Tra gli atleti qualificati potrebbe esserci anche lui e invece non c’è, non ha guadagnato quel pass. Alessio è tra i primi esclusi dalla convocazione olimpica e quella finale è costretto a guardarla dal divano di casa. «Il fatto che avessi visto Daniele vincere mi ha solo dato tanta rabbia, non nei suoi confronti, ma nei miei. Sapevo che potevo essere lì e non aver raggiunto il traguardo mi ha fatto pensare. Nel 2016 avevo ventisei anni e a quell’età si inizia a fare qualche conto. Se non si riesce a carburare a una certa età poi, purtroppo, non è detto che succeda; il ct magari punta sui giovani, questi si fanno valere e tu rimani imbrigliato. Non mi è mai successo di dire “basta, smetto”.

Posso dirti, però, che mi è stato detto che i campioni si contano sulla punta delle dita. Forse la mia fortuna, anche se fortuna non è perché io volevo raggiungere determinati obiettivi e la forza di volontà era tanta, è stata quella di poter cambiare atteggiamento. E quindi mi sono chiesto: “che vogliamo fare? Ci vogliamo allenare a dovere?”».

Eppure Alessio Foconi di allenarsi non ha mai peccato, è sempre stato un grande lavoratore. A mutare è stato piuttosto il modo. Se prima l’andare in palestra poteva prevedere dei tempi morti, ora capisce che non vuole lasciare più nulla al caso. Inizia a sfruttare ogni momento, a mettere intensità in ogni cosa che fa. Tirare al massimo lo aiuta infatti a mantenere alta la concentrazione, la stessa che poi ritrova in gara, ad ogni stoccata.

«Ho intensificato anche il lavoro con il mio preparatore atletico Walter Cutrì. Lui è uno tosto, mi chiede sempre di dare il massimo. Ho cominciato a sacrificare ogni singola parte del corpo in campo per poi metterla sulla pedana. Quando mi sono aperto a questo ho visto il cambiamento e l’ho notato anche a livello mentale: c’era più serenità, c’era la consapevolezza di aver dato tutto per raggiungere un risultato. Ormai faccio fatica a ricordare i miei assalti nei quali non ho dato tutto quello che avevo, ma capisco che la mente spesso vuole crearsi una sorta di scusa. Non so se sia il genere umano a farlo, però tutti tendiamo a trovare delle giustificazioni; riuscire a metterle da parte consente di aprire le porte verso dove si vuole arrivare».

Ogni giorno da quel momento Alessio allena anima e corpo alla fatica, per tutta la settimana, per più ore al giorno. Nella testa gli risuona forte un solo obiettivo: riprendersi tutto. I successi non tardano ad arrivare e una scia positiva lo porta a scalare il ranking internazionale e a vedere ricompensate le fatiche di tanti allenamenti. Le medaglie iniziano a essere sempre più frequenti e nel 2017, alle prove di coppa del mondo, Alessio Foconi vuole assolutamente salire sul podio.

È sua Parigi, è sua la tappa di Torino, l’argento a Il Cairo e Shanghai. Il 2018, però, è l’anno che gli cambia la vita. A luglio, a sette anni da Andrea Cassarà, l’Italia torna sul gradino più alto del podio. La Cina, Wuxi, brilla sotto il nome di Alessio Foconi e lui, sul tetto del mondo, alza le braccia al cielo e grida.

È un urlo liberatorio il suo, è sacrificio che si mischia all’incredulità e percorre la schiena. Emoziona tutti. Quella medaglia d’oro, lo dice, se l’è meritata. L’abbraccio con il maestro Filippo Romagnoli è l’esempio di qualcosa costruito con dedizione, mattone dopo mattone. Non c’è superbia né sufficienza. Nei loro sguardi, nei loro sorrisi c’è piuttosto il sudore genuino di chi sa di aver lottato e di aver vinto. «Lo sport ha bisogno di questo: di umiltà. Ci sono due tipi di atleti: c’è il predestinato, quello che esplode subito, che riesce a capire, a fare quel salto di qualità e dai vent’anni ai quaranta continua a vincere. Poi c’è l’atleta che esplode tardi. E quest’ultimo, ti parlo nel mio caso, è quello che in genere prima vede il peggio. Io ho toccato il fondo più volte. Toccare il fondo ti fa capire tante cose, è come se venissi dalla strada. Ti trovi a dover sopportare situazioni che ti fanno soffrire, guardare dalle tribune gli altri vincere sono coltellate che fanno male. E il fatto di sbocciare più tardi mi ha fatto vivere tutte quelle situazioni che magari il predestinato non ha mai provato e sottovaluta perché pecca di presunzione.

Il messaggio che dobbiamo dare è di restare sempre connessi con tutte e due le parti: chi non ha mai sofferto deve sapere che si può cadere, chi ha raggiunto l’obiettivo deve ricordare che adagiarsi sugli allori non lo aiuterà. Io so che se uscissi da questa mentalità sarebbe un male. Quindi rimango sempre connesso sapendo quello che ho passato, sapendo che quelle sensazioni non le voglio più provare».

A poco più di un mese da quella vittoria assoluta, Alessio però si trova a dover fare i conti con la vita, quella che a volte ti spiazza. Ti spinge a terra. Un giorno di settembre la vita decide di portarsi via suo padre. Improvvisamente le luci calano e fanno spazio alla notte più nera. E mentre oggi Alessio è davanti a me e si racconta, io lo guardo negli occhi, l’ascolto. C’è tenacia, c’è gioia nella sua voce. Ha la spinta a migliorarsi e a chiedere sempre di più a se stesso, dal futuro. «Con papà c’era un rapporto meraviglioso. Io, lui e mio fratello abbiamo vissuto la vita in maniera particolare. La nostra società affronta la morte in modo piuttosto cupo: il funerale, l’andare al cimitero, dover stare zitti, pregare. Per noi non funzionava così. Papà era una persona che sorrideva sempre, quindi vivere con il sorriso è il messaggio che ci ha lasciato. Il giorno del suo compleanno io, mia mamma e mio fratello abbiamo aperto una bottiglia di vino che avevo vinto tanto tempo prima, l’abbiamo aperta sopra la sua tomba e abbiamo fatto festa, proprio a volerlo ricordare con felicità. Lui poi seguiva la scherma anche più di me, mi stava sempre vicino e veniva alle gare. È a lui che parlo quando sono in difficoltà durante gli assalti. Mi piace pensare che ci sia, poterci fare affidamento. È una forza in più. Poi non ti nego che fa male, fa male non poter parlare, non poter stare insieme, non poter fare più nulla, ma la sua voglia di sorridere e di andare avanti la tengo a mente insieme alla consapevolezza di voler dare ancora tanto. So che papà avrebbe desiderato essere a Tokyo e io voglio portarlo con me fin là».

Credo che ognuno di noi nasca con una predisposizione per un qualcosa che poi impara a capire nel tempo. Non c’è una regola, esiste solo una forza, una luce, un vento che via via delinea la rotta. Se deciderai di dare ascolto a ciò che indica, allora usa la tua ambizione al massimo e definisci la meta. Inseguila e sii onesto con te stesso. Le parole e i sogni vanno alimentati da dentro, a più non posso. E anche se la vita ti toglie o ti ostacola, tu non crederle. Non assomigliare mai al dolore che ti procura. Rimettiti in piedi e fai vedere che certi colpi tu li sai incassare.

Come Alessio, che ha guardato in faccia il dolore e gli ha detto di spostarsi. L’ha mandato via. Ha vinto lui. Ha vinto la vita, anche quando ti porta via qualcosa.

Articolo: Francesca Tessari  Shooting fotografico: Sara Sabatino 

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Lucca, “la città delle cento chiese”, la città delle mura che la cingono, di Palazzo Ducale e delle strette e intricate strade del centro. Sotto il sole di un’estate tiepida, il rosso dei mattoni e il giallo dei palazzi la dipingono come un borgo medievale che traspira aria di tempi lontani.
In una delle piazze principali, affacciato con una serie d’arcate d’ingresso, domina lo storico teatro comunale; imponente, maestoso, padroneggia in tutta la sua grandezza. All’interno, nell’atmosfera di semplice eleganza, le pareti hanno il colore della crema e le luci sulle balconate sembrano decorarle d’oro.

È il primo pomeriggio e la platea è vuota. Non c’è nessuno oltre a Beatrice Venezi. Seduta, su una delle poltroncine nella prima fila, porta un vestito lungo e capelli biondi che le cadono ondulati fino al petto. Osservo da lontano il palco che le sta di fronte, così silenzioso, spiazzante. Mi viene a dir poco naturale figurarlo riempito da un’orchestra, immaginare i vari elementi distribuiti che si sommano, si fondono amalgamandosi in una musica collettiva, e Beatrice che con i gesti delle mani li tiene a bada, li dilata, li controlla.

«Come ho fatto a impormi in un mondo prettamente maschile non lo so, non c’ho pensato… Io volevo solo fare il mio lavoro». Beatrice Venezi

Allora mi avvicino, prendo posto accanto a lei e le chiedo incuriosita cosa provi a sentirsi ogni volta l’artefice di una nuova composizione.

«È letteralmente una magia, un potentissimo atto creativo. Non so bene come definirla, difficile da descrivere a parole perché è un’energia che ti scoppia dentro, una felicità dovuta al fatto che stai creando e lo stai facendo insieme ad altre persone. È letteralmente un “dar vita”».

Beatrice Venezi è il più giovane direttore d’orchestra in Italia, definita da Forbes tra le cento persone “under 30” più influenti nonché leader del futuro: oggi ha solo ventotto anni. Eppure, ricordando quel corso di pianoforte intrapreso quasi per caso nella scuola elementare della sua città natale, Beatrice Venezi afferma che non si sarebbe mai immaginata che quel cammino l’avrebbe portata così lontano.

«Ogni bambina sogna di riuscire a fare grandi cose, e si sa che l’immaginazione dei bambini è molto fervida. Diciamo che lo sognavo sicuramente. Come ho fatto a impormi in un mondo prettamente maschile non lo so, non c’ho pensato… Io volevo solo fare il mio lavoro, non ho cercato di compiere nessun atto di emancipazione, non era contemplato. È venuto naturalmente, da sé. E me ne sono resa conto dopo».

Nessun intento, quindi, ma Beatrice, per quanto inseguisse solo ciò che sentiva, ha saputo cucirsi addosso gli abiti dell’innovazione, ha trasformato il suo grande desiderio in forza dirompente capace di abbattere gli schemi obsoleti di un mondo conservatore e gerarchico.
Nel 2016 è stata la prima donna a dirigere un’orchestra sinfonica in Armenia, l’anno seguente lo è stata in Georgia, ed è proprio in Paesi come questi, culturalmente distanti da noi, che Beatrice Venezi è stata e vuole continuare ad arrivare per sradicare qualsiasi discriminazione nei confronti delle donne. Mi rivela di avere impressa nella mente una signora georgiana che a fine concerto le rivolse una frase in lingua inglese: “you couldn’t do anything harder: a woman conducting here!”. C’è una donna che dirige qui. È stato uno dei momenti in cui si è accorta di che portata potesse avere una figura come la sua, di che fastidio potesse dare e del valore dirompente che rappresenta.

«Se da una parte mi sbarrano la porta principale, io passo dalla porta laterale». Beatrice Venezi

E mentre mi e si racconta, con quell’accento tipicamente toscano che la contraddistingue, capisco che Beatrice Venezi è molto di più di una semplice rivoluzione. È grinta vincente che si è guadagnata tutto con merito e determinazione, anche quando, così facendo, scatenava l’invidia dei più.

«Ti dirò, a volte provano a sbarrarti la strada in maniera molto meno plateale di quanto si pensi, è qualcosa di più sotterraneo, più subdolo. All’inizio certe cose non le percepisci, o meglio le percepisci ma non sai neanche come affrontarle. Spesso non ci puoi fare niente perché sono considerazioni che purtroppo vanno al di là del merito. Quello che accetto sono le critiche costruttive, i feedback che posso ricevere; credo e sono convinta del fatto che si possa e si debba sempre migliorare, specialmente in un lavoro come questo dove costantemente impari cose nuove, ti esibisci su un repertorio diverso.

Anche la stessa partitura che andrai a rifare una seconda, una terza, una quinta volta, la farai ogni volta in modo diverso perché sarà in un momento differente della tua vita e della tua carriera. Per quello che riguarda tutto il resto invece… Beh, se da una parte mi sbarrano la porta principale, io passo dalla porta laterale».

Ed è soprattutto in un contesto che può sembrare avverso, schematico, impostato, che Beatrice spera di fungere da agente disturbante. Andare avanti seguendo ciò che le tiene vivo il petto per dimostrare che le cose, anche in Italia, si possono fare in maniera diversa, più chiara, più trasparente, più meritocratica e secondo un sistema premiante.

«Penso si debba parlare di merito, punto e basta. Non di uomo, donna, bianco, nero… ma se posso contribuire attraverso il mio esempio a dimostrare che in un Paese come il nostro, che ancora fatica sotto questo punto di vista per alcuni schemi sociali che si reiterano, a differenza di altri Stati che sono storicamente più votati alla parità, allora ben venga. E poi spero di trasmettere l’amore che io provo per la musica classica, perché oggi, diciamocela tutta, la musica classica specialmente dal giovane viene vista come qualcosa di vecchio, di noioso, distante. Voglio riuscire a dimostrare che invece la musica classica è cool, che l’opera lirica era il pop dell’epoca e ancora oggi di conseguenza ci parla delle stesse identiche cose di cui, ad esempio, ci parlano i film.

Voglio riuscire a trasmettere non tanto la conoscenza e nemmeno l’aspetto nozionistico, ma suscitare nelle persone i valori trasmessi dalla musica classica. Ti cito Giuseppe Verdi, tanto per nominare uno dei massimi esponenti: durante il Risorgimento iniziò a scrivere di vari soggetti storici quali Giovanna d’Arco, Boccanegra, i Vespri Siciliani, la battaglia di Legnano. Ecco, ognuno di questi aveva la funzione, proprio come nella tragedia greca, di ispirare e di istruire il pubblico rispetto a quei valori che erano necessari per costruire la nuova società risorgimentale. Credo che un ritorno a tutto questo potrebbe essere molto utile in un periodo dove invece i riferimenti si sono un po’ persi. Non voglio cadere nei soliti discorsi, però tutti quelli che erano i valori tradizionali, dalla famiglia a qualsiasi altra cosa, in parte sono venuti meno, e questo se da una parte ha portato a una grande apertura mentale necessaria rispetto a certe tematiche, dall’altra ha anche creato un vuoto che non è stato riempito da niente.

Ecco, io credo che questo vuoto possa e debba essere riempito dall’arte e dalla cultura».

Articolo: Francesca Tessari   Shooting fotografico: Martina Padovan 

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C’è che devi buttarti e andare là, dove hai la curiosità. Devi scoprire, fare rumore, dimostrare a te e agli altri quello che sai fare. La vita non è fatta per rimuginare sogni, né per vedersela passare davanti.

Perciò parti. Porta con te quella fame di sapere e un po’ di coraggio, e ricorda di mettere sempre un po’ di te in tutto ciò che fai, perché anche se cammini, ma non sai la meta, ci penserà il tempo a saldare insieme i pezzi. Quando alla fine ti guarderai indietro e vedrai tutta la strada percorsa, capirai che a vivere stando fermi, in fondo, non si vive mai.

Quartiere Parione.

In un sabato di fine marzo, dopo giorni di pioggia, il sole splende caldo nel cielo. Si insinua fra le vie acciottolate, dipinge le facciate degli alti edifici, li illumina.
È la Roma dei colori pittoreschi, quella che sa vivere di una tinta indefinita. Una città ammantata di rosa, di arancione, di rosso, coperta di edera che dai terrazzi scende giù fino a terra. Roma profuma d’antico che si mischia col nuovo e nei bar, nei locali, al mercato, l’aria è sonnolenta ancora a tarda mattina. La gente cammina in un sommesso rumorio di vita.
Tra Campo dei Fiori e Piazza Navona, in un vicolo largo poco meno tre metri, trovo un grosso portone in legno scuro e un quadro di campanelli alla sua destra.
Suono il secondo a partire dal basso.
Al citofono, la voce di Ilaria Magliocchetti Lombi anticipa l’apertura dello scrocco. È il palazzo della sua infanzia, è il palazzo dove è nata e cresciuta e dove da nove anni è tornata a vivere.
Salgo le due rampe che mi dividono dall’appartamento. Poi, affacciata all’uscio di casa, trovo lei, i suoi occhi chiarissimi mi accolgono, è Ilaria.
Tutto lì dentro sembra raccontarsi da sé: i soffitti alti, la scrivania, un’agenda aperta di fianco al computer, alcuni post-it attaccati al muro. C’è la foto di sua madre in una nicchia lungo il corridoio e una cartina geografica, in cucina, appesa a piena parete.
Ci mettiamo sedute al tavolo.
Chissà chi sarebbe diventata Ilaria Magliocchetti Lombi se non avesse fatto la fotografa?
«Il bello è che non ti so rispondere. Probabilmente mi sarei inventata qualcosa per poter viaggiare il più possibile. Viaggiare è l’unica cosa più importante della fotografia e ogni tanto mi manca».
Scoprire, conoscere posti diversi e lontani dal suo è una cosa che del resto le hanno insegnato in famiglia. India, Cina, Tibet sono stati terreni fertili, sfumature di un mondo in cui Ilaria Magliocchetti Lombi ha potuto immergersi e lasciarsi affascinare fin da quando era bambina. «Chiaro che avere un mezzo, una macchina fotografica in quella circostanza può essere più interessante, più stimolante che fare le foto a Natale. Quindi i primi ricordi che ho sono legati sicuramente a questi viaggi che mi hanno avvicinato molto alla fotografia. Senza scordare però una fidanzatina di mio fratello: in occasione di un compleanno mi regalò una fotocamera compatta a pellicola e da lì iniziai a fotografare in primo luogo gli amici, come per tenere una sorta di diario».

A diciassette anni Ilaria Magliocchetti Lombi eredita finalmente la reflex del padre e comincia a scattare più seriamente, a diciannove frequenta un corso serale di camera oscura, ne monta una nel bagno di casa e quasi inconsciamente affianca la fotografia all’altra sua grande passione, la musica. Va ai concerti dei gruppi che le piacciono, affronta ore e ore di fila pur di raggiungere le transenne e poterli riprendere più vicino che può. A fine serata, quando tutti se ne vanno, Ilaria resta. Prende i contatti delle band, invia loro le foto con la speranza che la richiamino, anche solo per il backstage successivo.

Ricorda che tra i primi ad aver investito su di lei ci furono i Julie’s Haircut, un gruppo di Reggio Emilia che aveva fotografato dal vivo al circolo degli artisti.

«Si può dire che a quel tempo nemmeno la studiavo la fotografia, però gli scatti di quel concerto erano piaciuti e loro mi chiesero di occuparmi delle foto promozionali. È stato uno dei primi lavori che in quel piccolo mondo, della musica indipendente italiana dove sono cresciuta, ha contribuito a farmi continuare su quella strada. Le mie foto avevano iniziato a uscire anche su Rumore, Rockerilla, magazine musicali storici tra gli appassionati. Ricordo che una di quelle finì pure in copertina e per me fu un vero colpo al cuore: era la mia primissima copertina».

«Barcellona è la città a cui devo buona parte di ciò che sono oggi. È il luogo in cui desideravo andare, dove avevo degli amici e per me rappresentava l’opposto della situazione in cui vivevo». Ilaria Magliocchetti Lombi

Da quel momento Ilaria capisce di voler investire le sue energie per poter continuare a scattare, per vivere di click, di momenti impressi e talvolta rubati, di visi che resistono al tempo. È il 2005, ha solo vent’anni ma tanta volontà di migliorarsi. Per farlo, però, decide di spostarsi a Barcellona.
È lì che sceglie di dare un’impronta ancora più netta al suo stile fotografico; per quattro anni sperimenta, sbaglia, riprova, impara.
«Barcellona è la città a cui devo buona parte di ciò che sono oggi. È il luogo in cui desideravo andare, dove avevo degli amici e per me rappresentava l’opposto della situazione in cui vivevo. Barcellona per me era la fantasia, la creatività, la libertà, il posto sveglio dove succedevano le cose, dove la gente era meno formale e meno borghese, li ho trovato tante realtà che mi hanno fatto bene. E poi i colori… io di quella città ricordo i colori».
Io e Ilaria ci alziamo. Decidiamo di salire sul soppalco di casa dove, come in una specie di pellicola frammentata, tiene tutte le sue stampe. Le chiedo di sceglierne tre che rappresentino il suo percorso, tre immagini che parlino di lei.

Ilaria ride, ci deve pensare.

«Una foto che è stata un punto di svolta per la mia carriera l’ho scattata a Barcellona, durante l’occupazione di una grossa fabbrica, Can Ricart, nella zona di Glòries. Era in corso l’occupazione di questo posto perché lo volevano abbattere e all’interno del collettivo ho fatto una foto a due bambini molto piccoli vestiti da pagliaccetti. In tutta quella condizione assurda di distruzione c’erano loro che giocavano contro un muro su cui campeggiava una scritta gigante, in catalano. Diceva STOP ESPECULACIÓ, che in italiano si traduce in “basta alla speculazione”: è stata la prima foto in cui mi sono sentita veramente soddisfatta di ciò che avevo immortalato».
Ilaria sfoglia ancora, prende tra le mani la stampa con l’istantanea degli Zen Circus, l’immagine commissionata per la copertina del loro disco.

«Questo è stato il primo lavoro importante di musica che ho fatto, nonché uno dei primi per “il Mucchio Selvaggio”, la rivista storica di musica italiana. Era il 2009, vivevo ancora a Barcellona, ma ero in procinto di tornare a Roma. Questa foto rappresenta per me una sorta di nuovo inizio, perché serviva per la copertina di un disco e serviva a una band già molto conosciuta».
Ilaria lascia scorrere un’altra decina di immagini poi, per ultima, mi indica la foto che ritrae Niccolò Ammaniti.

«Tendo ancora ad essere molto veloce, mi prendo meno tempo di quello che potrei prendermi. È vero che ho a disposizione una soglia di attenzione che non è infinita, ma vorrei essere fotograficamente un pochino più egoista, avere meno scrupolo se voglio portare il soggetto in una direzione che magari lo fa uscire dalla sua zona di comfort. Invece spesso mi faccio prendere dal flusso degli eventi». Ilaria Magliocchetti Lombi

«Il primo lavoro per Rolling Stone. Ovviamente ero nervosissima, in primis perché era la prima volta che lavoravo per la rivista per cui avevo sempre sognato di scattare e poi perché lui era un personaggio infinitamente timido. È stato un lavoro molto faticoso, indubbiamente bello, ma ricordo quelle foto come una prima piccola impresa».
A vederli da fuori, tutti quei ritratti messi insieme sembrano svelare ciascuno un tratto di umanità, un gesto, un’espressione, qualcosa che tenti di cogliere ogni personaggio in un momento inusuale, riservato, quasi intimo.
Ilaria Magliocchetti Lombi le guarda con una strana soddisfazione negli occhi. Provo allora a prenderla di sorpresa e le chiedo se ha una critica da muovere a se stessa.
Lei sorride, lo sa. «Tendo ancora a essere molto veloce, mi prendo meno tempo di quello che potrei prendermi. È vero che ho a disposizione una soglia di attenzione che non è infinita, ma vorrei essere fotograficamente un pochino più egoista, avere meno scrupolo se voglio portare il soggetto in una direzione che magari lo fa uscire dalla sua zona di comfort. Invece spesso mi faccio prendere dal flusso degli eventi.

Mi rendo conto di vivere la sessione fotografica come qualcosa in divenire con il soggetto e magari parto con l’idea di procedere in una direzione per poi finire da tutt’altra parte, per certi versi può essere una cosa bella, per certe foto funziona, altre volte mi pone un limite su dove posso eventualmente arrivare».

Articolo: Francesca Tessari   Shooting fotografico: Cristiano Casciani

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Esiste un tempo in cui si cerca. E un altro in cui si trova. Si scopre quel qualcosa che ci appartiene da sempre, qualcosa che senza saperlo era già dentro di noi e stava solo aspettando di essere scovato. Esso rappresenta tutto quello che in verità vorremmo diventare.

Lasciarlo in disparte o provare a dargli una forma assomiglia un po’ a quando bisogna decidere di compiere un salto. Ci vuole coraggio. Il coraggio di inseguire le proprie passioni, il coraggio di rischiare.

Perché è vero che restare fermi non farà cadere. Ma tanto poi si sa. Lo sanno tutti, che solo da là sopra, sentiamo di volare.

Anagni, Ciociaria. Al piano seminterrato, le persiane dell’ampio studio sono abbassate, le pareti spoglie. Solo un lungo tubo attraversa orizzontalmente quella di fondo, corre tagliandola in due metà asimmetriche. Nessun altro tipo di arredo. Nessun quadro. Nessun colore. Basta il rumore ben scandito di colpi metallici a riempire ogni centimetro. Dentro quel vuoto esso sbatte e si amplifica. Prevale su tutto vincendo il silenzio.

Jago è lì, al centro, all’origine di quel suono. È in piedi sotto l’unico cono di luce della stanza, davanti alla sua montagna di marmo. Ha i capelli rasati e un paio di occhiali a stanghetta per ripararsi dalle schegge. Sta lavorando ad un nuovo progetto con un martello e uno scalpello stretti tra le mani. Picchietta ritmicamente il primo sul secondo mentre il materiale superfluo precipita a terra come roccia che frana.
Ed io, io resto a guardarlo per diversi minuti. Osservo quei movimenti nascosta dietro lo stipite della porta e mi sorprendo di quanta abilità e forza possano rinchiudersi in un paio di braccia. Di quanta passione deve vivere in Jago per arrivare a stancarsi i muscoli pur di continuare a creare.
«Non mi basta semplicemente comperare un oggetto, lo voglio fare io direttamente. Quindi non sono soltanto artista ma anche artigiano, ci metto mente, cuore e mano. Invece oggi la maggior parte degli artisti preferisce farsi realizzare le opere, perché è diventato quasi poco importante il saper fare, come dire che sul “fare l’amore” ne possiamo parlare».
Per Jago, invece, il significato dello scolpire resta insito nel movimento stesso. Non dev’esserci mercificazione, non dev’esserci consumo dietro il suo oggetto d’arte. Scolpire per lui non è un lavoro, è una cosa che va al di là della passione, qualcosa capace di regalargli talmente tanto piacere che nulla può essere in grado di eguagliarlo. È il modo in cui sta al mondo, la sua dimensione.

«Non mi basta semplicemente comperare un oggetto, lo voglio fare io direttamente. Quindi non sono soltanto artista ma anche artigiano, ci metto mente, cuore e mano. Invece oggi la maggior parte degli artisti preferisce farsi realizzare le opere, perché è diventato quasi poco importante il saper fare, come dire che sul “fare l’amore” ne possiamo parlare». Jago

Questo forse perché in mezzo all’arte Jago c’è praticamente cresciuto. Ci si è trovato, da sempre. O meglio, come dice lui ce l’hanno accompagnato. Il padre architetto e la madre insegnante che quando era bambino lo portava con sé alle gite scolastiche. San Pietro, i Musei Vaticani, Villa Borghese. È proprio lì infatti, incontrandosi faccia a faccia con quelle meraviglie, che Jago ha iniziato a sognare, a capire che non si sarebbe accontentato di guardarle e di ammirarle soltanto. Avrebbe voluto costruirne di nuove.

Del resto, è figurandosi la vita in grande che alla fine si arriva a scoprire se stessi. Emulare i passi di artisti del passato l’avrebbe aiutato a trovare i propri. Anche se Jago, quando appena adolescente si era iscritto al liceo artistico di Frosinone, probabilmente ancora non lo immaginava che una decina di anni dopo sarebbe stato Sgarbi ad insistere per esporlo alla 54^ edizione della Biennale di Venezia.
«Era il 2011 e al tempo frequentavo ancora l’Accademia di Belle Arti, ero il più giovane ad esporre. Quando ci fu la conferenza stampa a Palazzo Venezia, Sgarbi disse una cosa interessante: “non c’è scritto da nessuna parte che un ragazzo non possa essere considerato artista pur frequentando le scuole”. Non è che tu sei artista quando qualcuno te lo dice. L’arte è una cosa talmente alta che non esiste nessuno che ti può dire tu sei artista. Quindi per me esistono due cose. La prima che tu sei artista quando lo riconosci a te stesso, perché la cosa serve a te. La seconda che tu puoi essere artista quando te lo riconosce una comunità. Quando tutti dicono “beh sì quello è un artista”».
È stato poi, fuori da quelle mura scolastiche, fuori dal sistema protetto dell’Accademia che Jago ha compreso di dover dimostrare al mondo il suo valore. Là fuori non c’erano più professori né compagni con cui confrontarsi e sentirsi capace. C’era solo lui, un numero tra i numeri.

Eppure lì in mezzo Jago ci si è buttato, senza paura, portando con sé il coraggio e la voglia di assecondare quel movimento a fare, a modellare qualcosa che fosse portavoce dell’uomo, delle sue potenzialità, delle sue fragilità. Carne, vene, pelle. Un battito cardiaco rappresentato in trenta cuori diversi per riprodurne la giusta pulsazione. Una mano che nasce dal marmo. Un bambino nella testa di un adulto. Sono solo alcune delle opere che paiono avere anima nella pietra. Opere che Jago ha scavato per mostrare cosa si cela nel profondo della materia. Sono forme metaforiche, a volte denudanti, a volte condite di sapiente cinismo, che smascherano l’interiorità umana resa morbida e viva attraverso parti di un corpo. Cavità, incisioni, minuzie portano con sé i segni di una riflessione che non lascia indifferenti.

«Carne, vene, pelle. Un battito cardiaco rappresentato in trenta cuori diversi per riprodurne la giusta pulsazione. Una mano che nasce dal marmo. Un bambino nella testa di un adulto. Sono solo alcune delle opere che paiono avere anima nella pietra. Opere che Jago ha scavato per mostrare cosa si cela nel profondo della materia. Sono forme metaforiche, a volte denudanti, a volte condite di sapiente cinismo, che smascherano l’interiorità umana resa morbida e viva attraverso parti di un corpo». Jago

Così mi permetto di chiederglielo, qual è per lui il senso di questo continuo bisogno di esprimersi, di spogliare per far vedere l’interno. «Un tempo avevo fatto un lavoro, avevo colorato con la grafite la superficie di un’opera in pietra e l’avevo impressa su un pezzo di carta. Avevo scritto che l’impronta è l’immagine dell’immaterialità del corpo. Nel senso che noi in continuazione lasciamo delle impronte, quando camminiamo, quando facciamo dei gesti, anche quando diciamo delle cose che si manifestano in emozioni.

Tutto quello che noi facciamo è un’impronta che rimane, mentre noi siamo avanti e in questo andare avanti ci dissolviamo. Così come la pietra che quando rotola giù dalla montagna lascia delle impronte che sono la testimonianza del fatto che lei si dissolverà, io stesso lascio un’impronta nella pietra. Ma quell’impronta che lascio è l’immagine del fatto che io me ne sto andando».

E se fosse una tua opera ad andarsene?

Jago sorride. «È successo. Anzi, l’ho accettato. Era il 2013, il giorno in cui vennero comunicate le dimissioni di Papa Benedetto XVI… a quel punto come lui si era spogliato delle sue vesti io d’impeto decisi di spogliare la sua opera. Fino a quel momento ero fortemente identificato con tutto ciò che producevo, ma nel momento in cui ho spogliato il Papa ho distrutto una parte di quell’attaccamento.

E quindi è stato un momento importante perché sì, io ho scolpito me stesso nella misura in cui ho distrutto l’attaccamento che avevo con quell’oggetto. Ecco, oggi io da quell’opera lì non sono più identificato con ciò che io produco. Ti faccio un esempio, se lo vogliamo paragonare a un figlio che viene messo al mondo, da quel momento ho compreso che l’opera d’arte come un figlio si mette al mondo, si dà, si restituisce e io sono stato solamente un tramite per quella cosa».

Articolo: Francesca Tessari   Shooting fotografico: Lorenzo Morandi 

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Esistono coincidenze che coincidenze non sono. Quasi fossero annotate da tempo e attendessero solo di essere lette nel momento opportuno. Assomigliano a quei treni che passano e che qualcuno perde. Qualcun altro invece no. Magari ne conserva addirittura il biglietto, un po’ come quelle cose che non vuoi buttare perché non si sa mai. Si sa mai che servano quando meno te l’aspetti.

Caroline Baglioni ha appena finito di provare. Si è seduta sul bordo del palco con una gamba a penzoloni e ha acceso una sigaretta. Alle sue spalle campeggiano un gran mucchio di scarpe, di ogni genere. Le sue, da donna, si mischiano a tante altre paia maschili. Numero 46. «La chiave sta nel trovare qualcosa che sia profondamente importante da raccontare. Qualcosa per cui si darebbe persino la vita. È un’affermazione forte, però è vero. La differenza lo fa quello. Devi avere un vissuto da cui trarre ispirazione». E pensare che da bambina Caroline Baglioni era davvero poco socievole. Introversa. Tanto che a quel corso di teatro, nella scuoletta di provincia, non ci voleva nemmeno andare. Ce la portò la madre quasi a forza, quando aveva appena otto anni. «Ti servirà» le disse. E in effetti così è stato. Poche lezioni per comprendere che recitare le permetteva di tirare fuori lati di sé che ancora non conosceva. Nuove personalità, nuove facce, nuove voci. Sperimentare altre anime e cucirsele addosso. Rompere barriere.

Se ne convinse praticamente subito. Sarebbe stata la sua strada. Dev’esserci uno strano filo conduttore, invisibile agli occhi, che lega le avventure di ogni individuo a quelle di altre persone. Ad esperienze anche lontane fra loro. Ma questo Caroline Baglioni, nel 2004, non poteva saperlo. Aveva solo diciotto anni quando, durante un trasloco, ritrovò tre audiocassette in una vecchia scatola di dischi. Ciascuna portava un’etichetta con su scritto un nome. “Gianni”. Lo zio alto due metri. Quello depresso e malato d’infelicità. Quello morto suicida pochi anni prima. Non poteva figurarselo, Caroline. Non ancora. Eppure le mise da parte, le portò via con sé. Non disse niente a nessuno. «Terminata la scuola superiore, diventare attrice era la mia più grande aspirazione. Decisi di presentarmi ai provini per il CUT, il Centro Universitario Teatrale di Perugia, e venni ammessa». Per Caroline fu il primo terreno fertile dove gettare i suoi piccoli semi. La casa per la sua formazione. Quegli anni li ricorda ancora con un’insolita luce negli occhi, quasi parlassero da soli.

«Non sempre cadere, però, dev’essere un male. A volte è lì che bisogna restare, per un po’. Guardare le cose dal fondo e poi, percepire nuovamente quel filo, indistruttibile, indeteriorabile, che torna a tirare». CAROLINE BAGLIONI

Con altri tre ragazzi della scuola aveva trascorso intere giornate a buttare sudore e coraggio su un paio di progetti. A creare le basi per un futuro insieme. Ma quando il gruppo si sciolse, Caroline Baglioni si trovò a dover fare i conti con se stessa. Di colpo, sentì la terra franare sotto i piedi e la delusione fu tale da decidere di smettere.

Per due anni non volle più saperne nulla. Fu la sua grande crisi. Non sempre cadere, però, dev’essere un male. A volte è lì che bisogna restare, per un po’. Guardare le cose dal fondo e poi, percepire nuovamente quel filo, indistruttibile, indeteriorabile, che torna a tirare. Era il maggio 2012. Caroline stava servendo ai tavoli del locale in cui lavorava come cameriera e quando sentì squillare il telefono non lo poteva immaginare. Nemmeno allora. Eppure rispose. Dall’altro capo, a chiamare, era uno dei fondatori de “La società dello spettacolo”, una compagnia teatrale nata cinque anni prima. Stavano cercando proprio lei.

«Dentro di me lo aspettavo. Sapevo che sarebbe arrivato qualcosa. Lo speravo. Consapevole che quando sarebbe successo io avrei dovuto abbandonare tutto e andare. Era la mia occasione». Caroline non titubò neppure un secondo. Si licenziò il giorno stesso e li raggiunse. Tornò attrice a tempo pieno ed anzi, diventò molto di più. Capitò di accennare alla società di quelle audiocassette che da dieci anni ascoltava e riascoltava ininterrottamente. Sui quei nastri, dall’84 all’86, lo zio aveva inciso tutte le sue frustrazioni, i suoi pensieri, la sua grande ricerca di stare bene. Confidenze che Caroline Baglioni avrebbe scoperto solo vent’anni dopo domandandosi quale sorprendente destino li avesse mai uniti. «Era come avere tra le mani un testamento. Adempiere un compito per il quale ero stata prescelta. Gianni è stata una persona che ha sofferto e ha sofferto anche di non aver potuto parlare. La dignità gli era stata tolta non solo dalla malattia, ma anche da chi gli stava attorno. Da tutti noi. Nelle registrazioni c’è un momento in cui afferma: “non so perché sto facendo tutto questo, ma sento che non sono da solo, sento che tutto questo servirà a qualcun altro”. A me piace pensare che aspettava di essere raccontato».

«Era come avere tra le mani un testamento. Adempiere un compito per il quale ero stata prescelta. Gianni è stata una persona che ha sofferto e ha sofferto anche di non aver potuto parlare. La dignità gli era stata tolta non solo dalla malattia, ma anche da chi gli stava attorno. Da tutti noi». CAROLINE BAGLIONI

Oggi Caroline Baglioni ha più di trent’anni ed è su quel palco dove ha sempre desiderato di essere. Si volta, il mozzicone di sigaretta tra le dita. Indica il mucchio di scarpe dietro di sé.

«Riporto le sue parole per filo e per segno, ma ci sono anche io lì sopra. Con una mia scarpa e una sua. In bilico, un po’ Gianni, un po’ io. Le ho volute calzare, anche se non sono le mie, perché Gianni ora me lo porto addosso. Mi ha insegnato tante cose e la più incredibile è questa. Che una storia ormai sepolta nel tempo abbia trovato vita in un modo che nessuno si aspettava. Né lui, né io. Quindi che probabilmente c’è una strada, ci sono dei segnali che prima o poi uno coglie. Quasi niente secondo me accade per caso». E forse è questo il segreto. Lasciare che l’inatteso ti coinvolga. Che il colpo di scena renda unica la storia nella quale non credevi di essere autore e personaggio. Senza temere le insidie e le cadute.

In quei giorni in cui il vento soffierà più forte, il cuore parlerà di più. Non aver paura di ascoltarlo. Qualunque sia il motivo per cui sei finito a terra, quel qualcosa dentro il petto ti farà alzare dal fondo. Qualcosa che solo il vento sa animare. E poi accendere. Segui i segnali, che poi arriva anche il vento.

Articolo: Francesca Tessari  Shooting fotografico: Cristiano Casciani

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