La moda del futuro, ma non solo: anche il rapporto tra tecnologia e artigianalità, tra arte e praticità, tra mano e macchina. Proprio “Manus X Machina” si chiama la mostra del Metropolitan Museum di New York oggi aperta al pubblico (dal 5 maggio al 14 agosto 2016). Una manifestazione dedicata all’alta sartoria e al suo sviluppo nei secoli, dal punto di vista del binomio “mano umana/strumento meccanico”.

Da Coco Chanel a Issey Miyake passando per i loro altrettanto illustri colleghi, vale la pena soffermarsi sul nome che la mostra presenta come sinonimo di moda del futuro: Iris Van Herpen. Vale la pena immaginare un avvenire abbigliato dai suoi involucri-scultura, inneggianti a strutture corazzate e debitori a un uso massiccio di materiali industriali e stampanti 3D. In attesa di indossare un corsetto disegnato e costruito dalla designer olandese, prepariamoci all’idea con alcune immagini:

[URIS id=4909]

A fine aprile, artisti, designer, ma anche cinefili e lettori di tutto il mondo si sono dati virtualmente appuntamento per omaggiare i 20 anni dalla scomparsa di un grande della visual art: Saul Bass. Una definizione che, pur generosa, gli sta stretta: versatile, curioso, vulcanico, il progettista grafico americano si calò con disinvoltura nei ruoli di art director, designer, fotografo, illustratore e regista. Ha ispirato generazioni di pubblicitari con i suoi celebri loghi per grandi aziende ed è universalmente ricordato come “il padre dei titoli di testa”, oltre che per inconfondibili poster e locandine cinematografiche.

[URIS id=4910]

Credits: http://theredlist.com

Perché citarlo oggi? Magari per salutarlo come “special guest” dell’italianissima collana di narrativa made in USA Black Coffee, pubblicata da Edizioni Clichy, dedicata a scoprire e riproporre le voci più fresche del panorama statunitense: voci a cui la grafica editoriale riserva un esplicito omaggio con una serie di copertine che riecheggiano con la forza le originali forme geometriche e le forti campiture dell’eclettico artista:

[URIS id=4911]

Articolo: Silvia Zanolli

L'articolo Weeklink #09 sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Partiamo dall’inizio: la tua scoperta dell’Hip Hop.
È avvenuta a 22 anni, accompagnando un’amica a un corso di danza. Già da adolescente mi piacevano la musica e lo stile Hip Hop, ma non mi ero mai avvicinata alla danza: non pensavo certo di farlo a 22 anni, peraltro con un figlio di un anno. Eppure è successo: mi erano sempre piaciute le crew che ballavano per strada e le influenze afroamericane. Appena approdata a scuola di danza mi sono sentita l’ultima arrivata, anche se ho scoperto di imparare con molta facilità, quindi ho affrontato il mio primo saggio.  Da qui è partita a grande velocità una serie di vicende che mi ha portato fino a qui: profondi cambiamenti personali, una nuova insegnante, un compagno che faceva il ballerino di Hip Hop. In soli cinque anni ho avuto un’evoluzione enorme, ho scoperto una grande passione e la mia voglia di apprendere, di buttarmi, è schizzata al 200%.

Il tuo curriculum lo dimostra: hai ottenuto grandi successi in un lasso di tempo molto breve!
Ho iniziato a studiare danza Hip Hop nel 2001 e dal 2003 all’MC Hip Hop School (Cruisin’) con i docenti Marisa Ragazzo e Omid Ighani:  con loro ho conseguito il diploma di MC Hip Hop Instructor nel 2006 e nel 2007 sono diventata assistente di Marisa Ragazzo e Omid Ighani nella stessa scuola in cui ho studiato.

Contemporaneamente ho fatto tante altre cose: dal 2003 sono entrata a far parte della compagnia Oxygen, della quale dal 2005 sono diventata anche coreografa; da quel momento ho intrapreso la carriera di insegnante e coreografa in diverse scuole del territorio veronese e mantovano e mi sono concentrata anche sul perfezionamento dello studio delle danze urbane. Infatti nel 2005 sono entrata con un’audizione all’Urban Dance Hdemy specializzandomi anche in House Dance e Video Dance con i docenti Marisa Ragazzo, Omid Ighani e Alessia Gatta.

Sicuramente i primi anni di formazione sono importanti, ma nel curriculum spicca in particolare l’anno 2008…
Proprio quell’anno, esattamente il 26 gennaio, dopo una serie di successi nei circuiti più importanti, ho esordito con lo show O.X.Y.G.E.N. e in ottobre sono entrata nel team del progetto Zoolu con la direzione artistica di Marisa Ragazzo. Sempre nel 2008, insieme a Samar Khorwash, ho fondato la crew di danza Hip-Hop “Tha Leaf” con cui ho partecipato a diverse rassegne, concorsi ed esibizioni, oltre a un videoclip.

Con questo e con altri gruppi (Knowledge, Kappa Krew, Kodama, K- Squod) ho lavorato negli ultimi cinque anni: insieme a loro, sono salita sul podio in varie occasioni, l’ultima a maggio 2015 al One Day International Contest di Torino. Nel 2015 ho ripreso anche i panni di ballerina entrando nel progetto Maneki Neko di Marisa Ragazzo, andando a vincere due importanti concorsi: Concorso Internazionale Danzafirenze XV 2015 e Concorso Internazionale di danza città di Spoleto.

Fermiamoci proprio sul termine “Internazionale”. Come si inserisce secondo te la cultura Hip Hop in Italia?
Le sue radici sono americane, l’Hip Hop è arrivato qui relativamente tardi rispetto alle sue origini. È un movimento sociale e culturale che ha preso forma durante gli anni ’70 per dar voce e sfogo ai disagi sociali che caratterizzano il lungo percorso di integrazione negli Stati Uniti da parte del popolo afroamericano, ma anche come strumento di festa ed aggregazione. In Italia trovo che l’Hip Hop sia percepito secondo gli stereotipi originali: come la danza degli emarginati, che ballano per le strade in contrapposizione magari alla danza classica e alle sue scuole costose. In realtà non è più così, in questi decenni la realtà è molto cambiata: in America, e tantomeno in Italia, non esiste solo l’atmosfera del ghetto, la volontà di danzare per sfuggire alla strada e alla delinquenza. Ora si balla per puro piacere, lo vedo anche nell’accogliere nei miei corsi sempre più bambini, spesso spinti dai genitori verso l’Hip Hop.

A cosa è dovuta secondo te questo interesse verso l’Hip Hop?
Certamente la televisione, i talent shows, i film di genere, contribuiscono alla notorietà dell’Hip Hop. Non lo vedo, però, in modo totalmente positivo: questa attenzione mediatica è molto superficiale, quindi non aiuta affatto a far uscire ciò che c’è di vero, la purezza che sta nel cuore di questa cultura. L’Hip Hop è penalizzato (anzi, per meglio dire, è penalizzato per certi versi, mentre per altri aspetti questo è un suo punto di forza) dall’assenza di regole ben definite: non ci sono i passi e le posizioni della danza classica, che poi confluiscono nella danza moderna e jazz; nell’Hip Hop non ci sono nemmeno i grandi nomi di ballerini o coreografi, come Pina Bausch che, ad esempio, ha la danza contemporanea. Per questo buona parte del lavoro della mia insegnante Marisa Ragazzo, e dei suoi allievi e colleghi come me, consiste nel codificare una parte tecnica, per definire le nozioni di base necessarie per costruire il passo. La disciplina c’è anche in questo tipo di danza, ma chi la impara se ne rende conto solo se lo prevede lo stile di insegnamento che riceve. Ad esempio il footwork, tecnica che definisce il lavoro dei piedi nel New Style (già codificato nel Breaking come l’insieme dei movimenti a terra ad esclusione delle power moves) nonostante sia universale, ad oggi, non è ancora ufficialmente riconosciuto: su questo e altro stiamo lavorando da circa 15 anni: credo che stiamo davvero portando un’evoluzione nell’ambiente.

«Buona parte del lavoro consiste nel codificare una parte tecnica, per definire le nozioni di base necessarie per costruire il passo. La disciplina c’è anche in questo tipo di danza, ma chi la impara se ne rende conto solo se lo prevede lo stile di insegnamento che riceve. Su questo e altro stiamo lavorando da circa 15 anni, credo che stiamo davvero portando un’evoluzione nell’ambiente».

Hai usato termini molto specifici: Breaking, footwork… facciamo un passo indietro: come spiegheresti a un “non esperto” cos’è l’Hip Hop?
Da un punto di vista artistico l’Hip Hop prende forma attraverso i cosiddetti “4 elementi”: MCing, DJing, Writing e Breaking, dove quest’ultimo è il simbolo della parte danzata di questa cultura ed emerge grazie anche alla sua spettacolarità. Secondo me, nel Breaking c’era il massimo grado di purezza, come dicevo prima, di capacità di simbiosi con la musica: purtroppo questi elementi si sono un po’ persi, sia per la ricerca dell’applauso attraverso una danza sempre più acrobatica, sia per le progressive contaminazioni con altri tipi di danza (che di per sé non sono negative; trovo però che vadano calibrate per non perdere del tutto lo spirito originale). Oggi lo scenario è ben più ampio e le danze che fanno riferimento all’Hip Hop sono molteplici: oltre al Breaking (che noi italiani associamo ai primi film e spettacoli arrivati nel nostro Paese negli anni ’90) altre forme di danza sono comprese nel contesto Hip Hop: tralasciando le precisazioni temporali più puntigliose distinguerei tra Old School (Hype) e New Style in cui vanno a confluire influenze del passato rimescolandole in uno stile unico e poliedrico.

Quest’ultimo è appunto l’ambito più ampio e controverso: dagli anni ’80 ad oggi si modifica, si evolve e si adatta andando di pari passo con la musica e le esigenze sociali. Siamo passati quindi dall’Old School alle tendenze più cool, più commerciali, ma anche a volte più sociali, come il Clowning, fino a situazioni “sui generis” come l’House Dance.

Alla fine di questa panoramica, come vivi personalmente il tuo ruolo nel mondo Hip Hop?
Da due punti di vista: commerciale e teatrale. Con il primo intendo dire che in tutto il mondo il business ha ormai soppiantato l’ambiente tipico delle radici di questo movimento: la strada, il ghetto. In Italia l’Hip Hop è arrivato già “filtrato”, la dimensione originale non ci è mai appartenuta davvero, ma ne abbiamo raccolto la libertà, la voglia di ballare per se stessi, di mettere al centro la propria personale passione.

Come insegnante, mi interessa esprimere l’energia. Cerco di incanalarla a livello tecnico e pratico, sullo stesso piano: voglio trasmettere la disciplina, ma senza mai sacrificare la parte ludica. Solo chi si diverte a ballare può avere un futuro nella danza… ma ci vuole metodo: c’è stato un momento in cui gli insegnanti spesso erano poco qualificati dato che non esisteva una vera e propria accademia; addirittura gli istruttori di fitness si improvvisavano maestri di Hip Hop! Va bene la contaminazione, è sempre fonte di arricchimento e personalizzazione, però sono convinta che si debba prima di tutto padroneggiare la “grammatica di base”. Un sano compromesso tra lavoro tecnico e libertà è la base per arrivare a quel secondo punto di vista di cui parlavo: il teatro. A questo proposito, i miei maestri Marisa Ragazzo e Omid Ighani quest’anno saranno protagonisti di un vero evento internazionale: presto voleranno a New York per ballare in teatro!

È difficile per un ballerino arrivare a questo successo?
Anche se ai non addetti ai lavori può sembrare poco evidente, per il panorama italiano è un grandissimo passo avanti. È un traguardo molto sudato: portare l’Hip Hop nei teatri di alto livello è già difficile in Italia, per cui si può capire quanto sia dura per i ballerini italiani arrivare nei teatri americani! Con questo non voglio dire che Marisa e Omid faranno una rivoluzione nel mondo della danza, ma che nel nostro piccolo tutto il gruppo sta facendo una parte importante per “andare oltre”, per portare l’Hip Hop fuori dal suo ruolo finora piuttosto penalizzato. È un bel salto di qualità, un altro gradino verso i piani alti della danza, e trovo che per tutti noi coinvolti nel progetto sia un grandissimo motivo di orgoglio.

«nel nostro piccolo tutto il gruppo sta facendo una parte importante per “andare oltre”, per portare l’Hip Hop fuori dal suo ruolo finora piuttosto penalizzato. È un bel salto di qualità, un altro gradino verso i piani alti della danza, e trovo che per tutti noi coinvolti nel progetto sia un grandissimo motivo di orgoglio».

A proposito di orgoglio, ti trovi meglio nei panni di ballerina, di coreografa o di insegnante?
È difficile rispondere… ho iniziato ovviamente come ballerina e da sempre ho cercato e cerco di imparare sempre di più: è un amore grande che probabilmente nutrivo anche prima di iniziare a danzare, ma senza rendermene conto. Per me non contano più di tanto le implicazioni “commerciali” di ciò che faccio: lo faccio perché è la mia passione, la mia vocazione, è l’aria che respiro. Da essere ballerina a curare le coreografie per i miei allievi e compagni, il passo è breve: amo costruire situazioni coreografiche in cui diversi gruppi si muovono in collegamento sul palco, mi piace creare vari punti di vista in cui i diversi ballerini interpretano alcuni la melodia principale, altri la parte orchestrale… in cui possiamo creare la musica con il corpo.

Ho vissuto tante vicende prima di capire qual è il mio talento, e credo che quello più grande in me sia quello dell’insegnamento: stranamente, è stato quando da ragazzina studiavo karatè che mi sono accorta di essere brava nel trasferire agli altri ciò che sapevo, finché a loro volta non acquisivano la stessa abilità. Ora lo vedo soprattutto con i miei allievi più piccoli: ci tengo a far scegliere a loro il tipo di danza che preferiscono, senza che siano condizionati dai gusti o dalle impressioni dei genitori. Spesso i bambini hanno le idee molto chiare, specialmente in materia di danza: è un modo di esprimersi, di far uscire ciò che si ha dentro; per questo è fondamentale sentirsi a proprio agio mentre si balla.

Quando un ballerino si esprime al proprio meglio, allora la sua danza è bella da vedere! È ciò che intendevo poco fa dicendo che, sebbene il mio stile di insegnamento punti molto sulla tecnica, questa non deve mai superare la capacità espressiva: meglio un lavoro meno tecnico ma più espressivo, capace di arrivare “dentro”.

«Un momento indimenticabile è stato sentire il papà di un mio conoscente, un signore di settant’anni, avvicinarmi dopo uno spettacolo e dirmi “Mi hai fatto vibrare il cuore”. Quando riesci a trascinare, a rapire chi ti guarda ballare, hai vinto».

Quindi per te un lavoro ben fatto deve basarsi su questo, la capacità di arrivare “dentro”?
L’obiettivo di ogni ballerino, coreografo o insegnante deve essere far arrivare al pubblico qualcosa a livello emotivo. Un’emozione di qualunque genere: voglio che chi ci guarda sul palco provi qualcosa. Spesso sono i genitori dei miei giovani allievi a dirmi che hanno provato questo tipo di sensazioni durante il saggio dei loro figli: può succedere a qualunque età e a qualunque livello sia il ballerino, l’importante è che sappia muoversi con tutto il cuore. Non si deve temere la tensione, anzi. L’esibizione di un ballerino è la sua massima occasione di libertà, di sentirsi se stesso. Quando una persona balla dovrebbe sentirsi serena, godersi il suo momento sul palco: è il massimo, un momento di grande gioia per chi danza e anche per il suo pubblico. In pochi istanti ci si gioca il tutto per tutto, si dà il meglio di sé a prescindere da un’esecuzione totalmente perfetta: ho capito la necessità di un compromesso tra la pretesa di perfezione e la pura comunicazione. Un momento indimenticabile è stato sentire il papà di un mio conoscente, un signore di settant’anni, avvicinarmi dopo uno spettacolo e dirmi «Mi hai fatto vibrare il cuore». E forse il mio successo più grande è, oggi, poter danzare con mio figlio Lorenzo, che ha davvero un talento fuori dal comune, e sapere che i miei genitori – dopo anni in cui non hanno voluto sapere niente della mia carriera nella danza – ora sono i miei “fans numero 1”. Quando riesci a trascinare, a rapire chi ti guarda ballare, hai vinto.

Articolo: Silvia Zanolli  Contributi fotografici: Dana Buhnea

L'articolo Paola Manghisi, Dancer, Choreographer & Teacher sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Hitomi Maehashi: a molti questo nome può non dire molto, se non evocare anonime eroine di manga giapponesi (specialmente alla generazione “anni Ottanta” cresciuta a suon di cartoni animati dal Sol Levante). Per quanto fondata su basi culturali traballanti, questa evocazione è decisamente azzeccata: la giovane Hitomi spicca nel modo della fotografia per i suoi tipici ritratti e selfie ritoccati fino ad assumere un tipico “stile manga”.

Nei suoi lavori – pitture digitali su fotografia con una buona dose di software di fotoritocco – il volto umano assume i tratti caratteristici dei personaggi disegnati: il risultato è da un lato buffo e festoso, vicino al fenomeno dei cosplayers e dell’attivissimo mondo “anime”, dall’altro è inquietante, legato alla tradizione del teatro nipponico e delle sue maschere. Da valutare in prima persona sul sito della galleria milanese Deodato di cui la Maehashi è tra i protagonisti.

[URIS id=4396]

I cinefili probabilmente hanno sentito parlare (e bene, peraltro) di “Brick“, cortometraggio al centro del Sundance Film Festival 2016 prodotto da Christopher LaMarca e Jessica Dimmock. Parliamo di lei, Jessica: diplomata all’International Center of Photography in Documentary Photography, da anni è presente con i suoi lavori di varie prestigiose testate, tra cui l’irrinunciabile The New York Times Magazine. Nel 2007, la consacrazione con la pubblicazione “Il nono piano”, che ha ricevuto il premio F per la fotografia impegnata e il premio Inge Morath di Magnum: “Il nono piano” è quello di un palazzo che, nonostante svetti al centro di Manhattan, si rivela più vicino alle atmosfere dello zoo di Berlino che a quelle di Sex and the City. Con la sua macchina fotografica Jessica Dimmock immortala l’appartamento in cui un gruppo di eroinomani trascorre un’esistenza selvaggia, vitale e disperata, dandole voce con una fotografia forte ed empatica che, secondo una critica entusiastica, “ha saputo riscrivere le regole del genere”. Nonostante sia trascorso quasi un decennio, gli scatti di Jessica non hanno perso un grammo della propria forza: rivediamoli oggi, sentiremo ancora molto parlare di lei.

[URIS id=4401]

Credits: http://www.jessicadimmockphotography.com />

Piove sul bagnato: non c’è proverbio più calzante per questa notizia divisa tra  Londra e Venezia. A luglio, Palazzo Strozzi ospiterà l’edizione 2016 del Columbia Threadneedle Prize, il principale concorso europeo per le arti figurative, che proprio all’umida Inghilterra deve il suo ultimo vincitore: il quadro “Salt in tea” di Lewis Hazelwood-Horner. Tenendo a mente lo scopo per cui è nato il concorso – ridare voce e vita a un tipo di arte più tradizionale rispetto ai più “modaioli” filoni astratti, concettuali e performing – non sorprende scoprire un classico quadro a olio: può però stupire la scelta del soggetto, una scena di lavoro manuale presso il celebre negozio londinese di ombrelli “James Smith & Sons”.

Da un’ispirazione nata forse in collegamento a uno scherzo subìto dal pittore stesso da parte degli operai di James Smith & Sons (quel “sale nel tè” cui allude il titolo dell’opera, in riferimento all’irrinunciabile rituale anglosassone del tè delle cinque), sulla tela si mescolano un prosaico realismo, un’indiscutibile padronanza tecnica e un’enorme fiducia in quel lavoro manuale che, ombrello dopo ombrello, ha superato indenne quasi due secoli: un mix che ha decretato la vittoria di “Salt in tea” e di un mondo di valori, artistici e umani, cui l’Europa dimostra tuttora la propria fedeltà.

Articolo: Silvia Zanolli 

L'articolo Weeklink #08 sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

“Arte di strada”: per TRUCK ART PROJECT è una definizione letterale. Occhi aperti, se passate sulle strade spagnole: potreste incontrare uno dei camion che hanno offerto la “tela” a un gruppo di art writers di primo piano: con l’obiettivo di portare l’arte di strada dove non ci si aspetterebbe di trovarla.

[URIS id=4148]

Eppure, grazie a queste “gallerie d’arte in movimento” nate per stimolare il progresso culturale nel modo più ampio, è assolutamente possibile. Scoprite i camion che hanno già iniziato il viaggio e quelli pronti a partire su    www.truck-art-project.com.

E in divenire è l’arte “di carne” della fotografa turca Meltem Işık: in divenire perché la carne, al centro del lavoro dell’artista, si mostra nella sua vulnerabilità ai segni del tempo, ma anche disponibile a scomporsi e ricomporsi in combinazioni inaspettate e suggestive.

Questo è il tema delle opere di Işık oggi esposte alla Galerie Nev di Instanbul: opere in cui le macro su infimi dettagli corporei invitano l’occhio di chi guarda a considerarle come protagonisti impietosi e al contempo stupendi.

Da scoprire in anteprima sul sito ufficiale della galleria.

Il British Journal of Photography, la più longeva pubblicazione tematica al mondo, annuncia i vincitori dell’edizione 2016 dell’International Photography Award.

Ad essere scelti tra oltre 1500 partecipanti, le giovani Juno Calypso e Felicity Hammond che trionfano con i rispettivi lavori: per la prima, la serie Joyce composta da autoritratti, sontuosi e disturbanti, che riflettono su femminilità e rituali di seduzione; per la seconda, con l’immagine Restore to Factory Settings, riflessione in blu su un paesaggio urbano smembrato e poi ricostruito in modo originale.

Due strade ben diverse ma altrettanto degne di attenzione: per vedere le opere vincitrici, oggi esposte al TJ Boulting di Londra, il riferimento è a questo link http://www.bjp-online.com/2016.

Articolo: Silvia Zanolli 

L'articolo Weeklink #07 sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Elisabetta – anzi, Elisabetta I – è la prima donna Papa. Non una papessa, secondo la strada già battuta da letteratura e cinema ispirati all’ottocentesca figura di Giovanna, ma la pontefice di un futuro forse prossimo. Elisabetta è la protagonista di “Sic transit gloria mundi”, ultima fatica di Ippogrifo Produzioni in anteprima nazionale il 4 marzo a Verona.

Una rappresentazione che, pur inserendosi con coerenza all’interno del lavoro eccellente cui Ippogrifo ci ha abituati, risulta nuova e inaspettata: si tratta infatti del primo monologo prodotto da Ippogrifo e dall’autore e regista Alberto Rizzi. Anzi, dal “faber” Alberto Rizzi, che attribuisce il ruolo di “artifex scaenica” a Chiara Mascalzoni, assoluta protagonista della scena.

Elisabetta I è un personaggio di fantasia che si muove in un domani distopico ma non impossibile. Un domani in cui il genere – o, con un termine sociologico oggi particolarmente famigerato, il gender – non è di per sé motivo di preclusione per l’ascesa nella gerarchia ecclesiastica.

La giovane attrice di origine veneta veste i panni solenni della prima donna Papa della storia: una storia che deve ancora essere scritta, poiché Elisabetta I è un personaggio di fantasia che si muove in un domani distopico ma non impossibile. Un domani in cui il genere – o, con un termine sociologico oggi particolarmente famigerato, il gender – non è di per sé motivo di preclusione per l’ascesa nella gerarchia ecclesiastica. Da questa premessa prende le mosse un sorprendente monologo fanta-storiografico che scava con grazia e potenza nelle radici storiche, teologiche e religiose che affidano alle donne un ruolo subordinato non solo nella Chiesa, ma anche nel contesto laico.

Le parole di Elisabetta non si limitano a riflettere sul tabù moderno del sacerdozio femminile, ma si concentrano sui tre argomenti su cui poggia l’intero spettacolo: il ruolo della donna nel passato della Chiesa, la biografia inventata della prima Papa e infine una storia alternativa e possibile della Chiesa attraverso le donne.

Le parole di Elisabetta non si limitano a riflettere sul tabù moderno del sacerdozio femminile, ma si concentrano sui tre argomenti su cui poggia l’intero spettacolo: il ruolo della donna nel passato della Chiesa, la biografia inventata della prima Papa e infine una storia alternativa e possibile della Chiesa attraverso le donne. Una vera e propria indagine tra secoli di pregiudizi all’ombra dell’altare e nella più ampia cultura occidentale: un lavoro corposo nato da anni di studi, letture, confronti e ricerche, tradotto oggi da Alberto Rizzi in un “one-woman show” pieno di freschezza e passione, condotto con uno stile registico irriverente e fulminante.

Il risultato è una critica profonda, surreale ed estremamente originale, al maschilismo del mondo cattolico, vibrante in una potente voce femminile.

Il risultato è una critica profonda, surreale ed estremamente originale, al maschilismo del mondo cattolico, vibrante in una potente voce femminile: ascoltandola tratteggiare un panorama immaginifico e al contempo innegabilmente plausibile, sarà difficile continuare ad accettare come ovvio il genere maschile della guida spirituale che ispira tanta parte del pianeta. Con la promessa al pubblico di una nuova consapevolezza più che mai consona all’8 marzo, con buona pace delle mimose.

DATE E LUOGHI:
“Sic transit gloria mundi” di Alberto Rizzi e Ippogrifo Produzioni
in anteprima nazionale venerdì 4 marzo 2016 alle ore 21.00,
Teatro Camploy, Via Cantarane 32, 37121 Verona,
nel contesto della rassegna “L’altro Teatro”.
www.ippogrifoproduzioni.com

Articolo: Silvia Zanolli  Contributi fotografici: Ippogrifo Produzioni

L'articolo The Creative Preview: Sic transit gloria mundi, Ippogrifo Produzioni, Verona sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Da questi stereotipi alla loro facile conseguenza, il passo è breve: poveri abitanti della Groenlandia, il loro tasso di suicidi giovanili è nettamente il più alto al mondo. Come non capirli, sperduti in una terra gelida e implacabile?

Fin qui, appunto, gli stereotipi. Luoghi comuni dedicati a un luogo non comune, di singolarità e forza tale da accendere nell’artista Piergiorgio Casotti la voglia di conoscerlo e comprenderlo attraverso l’obiettivo fotografico. Per l’emiliano Casotti, “nato” nel mondo della moda e oggi votato al documentario, la fotografia prende le sembianze di strumento per indagare allo stesso tempo il mondo e se stesso, creando un legame indissolubile tra il soggetto dello scatto e l’interiorità di chi lo realizza.

“fotografia: lo strumento per indagare allo stesso tempo il mondo e se stesso, creando un legame indissolubile tra il soggetto dello scatto e l’interiorità di chi lo realizza”.

Con questa filosofia nasce “Sometimes I cannot smile”, il viaggio profondo e personale di Casotti nella vita dei giovani della Groenlandia, proprio quelli che le statistiche identificano come protagonisti mondiali di una fine brutalmente volontaria. Nel suo lavoro prende forma una delicata esplorazione della guerra, intima e silente, che molti ragazzi combattono ogni giorno contro la noia e il vuoto: un “niente” che si concretizza nelle infinite distese grigie di ghiaccio e cielo e che si riflette nell’anima delle persone, legate a una tradizione culturale ormai inadeguata che si fa terreno fertile per la disperazione. Una battaglia drammatica che le giovani generazioni di tutto il mondo in qualche modo riconoscono e condividono, ma che in Groenlandia – complice l’unicità della geografia e della società locali – in molti casi termina in una sconfitta che reclama il più alto dei tributi: quello di centinaia di esistenze acerbe.

Casotti interpreta il proprio percorso di indagine con un approccio che definisce, sorprendentemente, “non fotografico”: una mostra-installazione, sviluppata anche in un photobook e in un film documentario, composta non da semplici fotografie ma dalle lastre delle immagini realizzate per il libro, da fotocopie delle fotografie stesse, da originali interazioni tra parole e musica.
Questo per testimoniare, nelle parole dell’autore, che “una storia può essere potente, può comunicare, può arrivare, anche se non è una perfetta opera d’arte: al centro dell’opera è il concetto di immagine, non di fotografia”. Quell’immagine che, nel lavoro dell’artista, esprime il sorriso mancato di tanti giovani incatenati alla terra degli stereotipi.

“Sometimes I cannot smile”

Reading musicale live
con Piergiorgio Casotti (parole e immagini) e Luciano Bosi (musica)
presso Fonderia 20.9, via XX settembre 67, Verona
www.fonderia209.com

Articolo: Silvia Zanolli   Shooting fotografico: Adriano Mujelli e Fonderia 20.9

L'articolo The Creative Reporter: “Sometimes I cannot smile” at Fonderia 20.9 sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Ebbene, quest’ardua scelta è stata la chiave del concerto-spettacolo di Ippogrifo Produzioni,  con la regia e la conduzione di Alberto Rizzi, proposto al pubblico veronese venerdì 13 novembre 2015 presso il Cinema Teatro Alcione di Verona. “Beatles vs. Rolling Stones: il duello più pop della storia della musica”: una serata che ha visto schierarsi sul palco i “seguaci” dell’una e dell’altra band, affidandone le inconfondibili sonorità a due tribute bands ben decise a vincere il duello.

A far rivivere la leggenda dei “Fab Four”, i The4Fabs: noti sulla scena musicale da quasi dieci anni per l’assoluto rispetto delle sonorità originali e dell’immagine della band di John Lennon, i “fantastici quattro” hanno saputo farne rivivere fedelmente l’immaginario visivo e musicale. Nel ruolo dei loro degni avversari, i Condors, storica band veronese capace di entusiasmare il pubblico con un’esibizione di fuoco senza nulla da invidiare a Mick Jagger e compagni.

Una grande serata a base di ritmo e passione per due tra i massimi esponenti musicali dei mitici Sixties, ma non solo: “Beatles vs. Rolling Stones” è stata anche un’occasione per trascinare professionisti e pubblico in un dibattito semiserio su due stili non solo di musica ma di vita, decisamente differenti ma altrettanto affascinanti. Il regista Alberto Rizzi è salito sul palco per presentare e sostenere i “suoi” Rolling Stones, in contrapposizione a Vito Franchini, autore nel 2014 del best seller su Amazon “Who Was The Beatles Leader?”.

«parlare di Beatles contro Rolling Stones non significa altro che affrontare con leggerezza un’annosa questione, l’eterna lotta tra il bene e il male: da un lato i caschetti ordinati e gli accordi puliti dei bravi ragazzi di Liverpool, dall’altro il richiamo folle e maledetto della formula “sesso, droga e rock’n roll”».

I due conduttori, al fianco delle rispettive bands, si sono dati battaglia in una sorta di dialogo, colto e goliardico, a suon di hits, curiosità e aneddoti. Perché in fondo – nelle parole di Rizzi – «parlare di Beatles contro Rolling Stones non significa altro che affrontare con leggerezza un’annosa questione, l’eterna lotta tra il bene e il male»: da un lato i caschetti ordinati e gli accordi puliti dei “bravi ragazzi di Liverpool”, dall’altro il richiamo folle e maledetto della formula “sesso, droga e rock’n roll”. Uno scontro che in realtà è più che altro un incontro, come specifica il regista: «porre a confronto questi due mostri sacri non è che un pretesto per raccontarne la complementarietà. Come potremmo definire i Beatles “bravi ragazzi” se non ci fossero i “cattivi” Rolling Stones a renderli tali?». Proprio questo binomio inscindibile ha permesso la creazione e l’enfasi del mito di entrambe le bands, nate da ispirazioni differenti e capaci ancora oggi di offrire ai fan due stili musicali e due mondi dal fascino più vivo che mai.

Per il pubblico del concerto-spettacolo, impossibile prendere una posizione netta tra le due fazioni: l’unica vincitrice si è confermata, una volta di più, la grande musica e la sua capacità di intrattenere, divertire, far rivivere i propri miti in una serata che ha fatto vibrare i muri e i cuori del teatro.

“Per il pubblico del concerto-spettacolo, impossibile prendere una posizione netta tra le due fazioni: l’unica vincitrice si è confermata, una volta di più, la grande musica e la sua capacità di intrattenere, divertire, far rivivere i propri miti in una serata che ha fatto vibrare i muri e i cuori del teatro.”

 

Articolo: Silvia Zanolli  Shooting fotografico: Adriano Mujelli

L'articolo The Creative Reporter: Beatles Vs Rolling Stones, Ippogrifo Produzioni, Verona sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Dopo il successo delle esperienze con i centralissimi Quinary, consacrato alla vodka e premiato dall’ingresso della “top 50” dei migliori locali mondiali, e Angel’s Share (whisky bar e ristorante), Lai approda al gin con un obiettivo: dare una reinterpretazione profonda dei cocktails più affermati e creare i classici di domani, utilizzando soluzioni gastronomiche e tecnologie specifiche (dall’evaporatore rotante alla lenta distillazione a bagnomaria) per renderne la degustazione un’esperienza totalmente originale.

Per il gin, distillato dalla reputazione particolarmente travagliata, è l’occasione di una meritata rivincita. Al celebre distillato a base di ginepro, nato in Olanda con finalità terapeutiche, toccò infatti una «damnatio memoriae» che lo trasformò storicamente nella più oscura tra le bevande: le radici di questa fama sofferta affondano nell’Inghilterra del XVIII secolo, che videro il gin sbaragliare la nazionalissima birra per la sua enorme diffusione, il costo minimo e la facilità di produzione casalinga; additato come prima causa di molte piaghe sociali, nel 1751 fu punito dal Gin Act che ne limitò legalmente il consumo.

Ma “la maledizione del gin” non era finita: oscillando nei secoli tra periodi di riprovazione e altri di riabilitazione sociale, il distillato arrivò trionfalmente al 1920, scorrendo a fiumi nelle notti americane. Persino troppo: divenne il bersaglio principale del Proibizionismo, in un clima di “tolleranza zero” che ispirò agli irriducibili consumatori le soluzioni più fantasiose per la sua produzione clandestina. Ecco arrivare nei bicchieri il famigerato “bath pipe gin”, il “gin nel tubo della vasca da bagno” ottenuto con processi di infusione artigianali capaci di generare miscele micidiali.

“L’OBIETTIVO DI ORI-GIN: DARE UNA REINTERPRETAZIONE PROFONDA DEI COCKTAILS PIÙ AFFERMATI E CREARE I CLASSICI DI DOMANI, UTILIZZANDO SOLUZIONI GASTRONOMICHE E TECNOLOGIE SPECIFICHE PER RENDERNE LA DEGUSTAZIONE UN’ESPERIENZA TOTALMENTE ORIGINALE.”

Proprio alla vasca da bagno di epoca proibizionista si ispira Ori-gin, dedicandole il posto d’onore nel locale al fianco di antichi strumenti del mestiere. Addentratevi in quest’ambiente dall’atmosfera cosmopolita, che strizza l’occhio alle suggestioni  britanniche e agli speakeasy degli anni ’20: seduti al bancone, sarà un delizioso problema orientarsi tra centinaia di gin cocktails, shorts e G&T in innumerevoli combinazioni, impreziosite da sapori rubati al mondo gourmet: basilico, camomilla, agrumi, frutti di bosco…

Per iniziare, godetevi la proposta di punta del locale, il KGB (“Kyoho Grape Bath”) cocktail: lo riceverete servito in una schiumante vasca da bagno a misura di mano, con tanto di paperella che sguazza in un’originale combinazione di gin, liquore, succo d’uva, limone e lime, sciroppo di sambuco. Con una controindicazione: dopo aver assaggiato una tra le creazioni di Antonio Lai, il gin tonic del bar sotto casa perderà molto del suo fascino.

Ori-gin
Ground Floor, 48 Wyndham Street
Central, Hong Kong
www.originbar.hk

Articolo: Silvia Zanolli   Shooting fotografico: Ori-Gin

L'articolo The Creative Places: Ori-Gin, Bar, Hong Kong sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.

Una commedia dalle tinte forti nata nel 2012 per rispondere a un’urgenza sociale allora dominante nei telegiornali e sulla stampa – la violenza contro le donne, dallo stalking al femminicidio – e oggi purtroppo ben lungi dall’essere superata. Commenta la responsabile Barbara Baldo: «Saremmo felici di poter archiviare questa produzione, di cui però è tuttora evidente la drammatica attualità. La cronaca ci racconta, con le modalità della vivisezione, notizie allarmanti che, giorno dopo giorno, tendono sempre più a cadere nell’assuefazione da parte del lettore e dello spettatore. Per questo mettiamo in scena una commedia noir, raccontata con lo stile schietto e irriverente dell’autore e regista Alberto Rizzi, per scuotere e proporre riflessioni crude ma nonostante questo, anzi proprio per questo, necessarie e fondamentali».

Ormai da tre anni un folto pubblico ne conferma il successo appassionandosi alle vicende provocatorie e mai banali dei due titolari di una galleria d’arte, Roberto (interpretato dallo stesso Rizzi), colto, raffinato e refrattario ad ogni tipo di sentimentalismo ed eccesso, e Marta, capace, forte, diretta, passionale. Nel loro rapporto viscerale si insinuano i fantasmi femminili della ex segretaria e della prossima assistente per la galleria: quest’ultima assumerà le sembianze di SvEva, ragazza giovane e perbene in cerca di un’opportunità per sfondare. Con lei, e con il suo ex fidanzato Leo, i piccoli grandi eventi del quotidiano lasciano progressivamente emergere dinamiche più profonde, sottili e nascoste, tra i vari personaggi. Uomo e donna, amore e odio, verità e menzogna, torto e ragione, vittima e carnefice: nel dipanarsi della commedia diventa sempre più difficile orientarsi tra crudeltà espresse o raccontate, violenze verbali e fisiche, identificando con chiarezza “buoni e cattivi”.

Testo di avvincente complessità ed efficacia, costruito su dialoghi dal ritmo serrato e dai contenuti irresistibilmente taglienti, ironici e spietati, Tutta colpa di Eva raggiunge l’obiettivo di provocare, aggredire, disturbare le coscienze per invitare a pensare, riflettere, comunicare. Per questo è stato accolto da numerosi Comuni nel territorio veronese, mantovano e trentino per incentivare un processo di sensibilizzazione verso la propria cittadinanza: in particolare, a Verona e a Mantova lo spettacolo ha il patrocinio dell’associazione Telefono Rosa che partecipa agli eventi con le proprie volontarie per diffondere informazioni e iniziative per il supporto alle donne vittime di violenza.

Preparatevi a una serata nel mondo di SvEva: la sua vicenda toglierà ogni significato alla parola «fine», lasciandovi un gusto dolceamaro di domande, dubbi e riflessioni da riassaporare a lungo e condividere, per tutte le donne e per i loro uomini.

CAST e info tecniche:

Scritto e diretto da Alberto Rizzi. Aiuto regia: Barbara Baldo

Con: Chiara Mascalzoni, Alberto Rizzi, Giada Villanova, Diego Facciotti

Luci e fonica: Manuel Garzetta

DATE E LUOGHI (NOVEMBRE 2015):

Venerdì 20 ore 21,00

INGRESSO LIBERO Auditorium S. Maria Maddalena, ISOLA DELLA SCALA (VR)

Sabato 21 ore 21,00

INGRESSO LIBERO Teatro Comunale Castel d’Azzano (VR)

Domenica 22 ore 18,00

INGRESSO LIBERO Auditorium Frida Kahlo San Giorgio di Mantova (MN)

Lunedì 23 ore 21,00

INGRESSO LIBERO Centro Sociale Molina Ledro (TN)

Martedì 24 ore 18,00

INGRESSO LIBERO Villa de Maffei Lavis (TN)

Mercoledì 25 ore 20,30

INGRESSO LIBERO Teatro Comunale Segonzano (TN)

Giovedì 26

INGRESSO LIBERO Teatro Comunale Groumes (TN)

Venerdì 27 ore 21,00

Venerdì a teatro, Teatro Stimate (VR)

Sabato 28 ore 21,00

INGRESSO LIBERO Teatro Parrocchiale Bussolengo (VR)

Articolo: Silvia Zanolli  Shooting fotografico: Ippogrifo Produzioni

L'articolo The Creative Preview: Tutta colpa di Eva, Ippogrifo Produzioni, Verona sembra essere il primo su The Creative Brothers Lifestyle Magazine.