«È una mina cluster. Ti entra diritta nello stomaco, si propaga ovunque per arrivarti al cervello e tornare a farti sentire male, malissimo. Impossibile sopravviverci. Così è stato per Kevin Carter, fotografo sudafricano suicida a 33 anni per la stessa foto, “la  bambina e l’avvoltoio”, che gli ha fatto vincere il premio Pulitzer. La foto simbolo della carestia del Sudan del 1993, pubblicata sulla prima pagina del New York Times e ripresa dai giornali di tutto il mondo.

Una foto dannata, dannata nella sua verità crudissima. Scrivere su Kevin Carter è quasi voler abbellire una vendetta servita su piatto freddo. A 33 anni non è riuscito a fare il passo di tradire la sua sensibilità, di tradire se stesso come essere umano, di tradire la sua giovinezza, di mettere filtri e barriere. E diventare un adulto razionale che fa solo il suo mestiere, di continuare a seguire la sua passione di documentare il mondo. O forse l’apice del cinismo lo aveva già consapevolmente raggiunto. Continuo a far parte del gioco, continuo a fotografare sangue e morte? Forse per coerenza a quanto incontrava ha cercato e pianificato la sua stessa. L’orrore di ciò che ha visto e documentato lo ha preso e fatto diventare un tutt’uno.

Tanto che la foto ha messo in discussione l’eticità stessa del premio Pulitzer. Premiando la foto si premiava un comportamento assolutamente non etico di Carter, la sua inazione, il suo fumarsi la sigaretta mentre aspettava che l’avvoltoio si avvicinasse, il suo lasciare la scena dopo. Ma tutto raccontato da lui, una sincerità che faceva parte della sublimazione della sua professionalità, del suo credo. Una totale non modificazione tra realtà e foto, e foto e pubblico. Una inazione voluta per dare ancora più spessore alla realtà crudele. Facendo diventare il lavoro del fotografo, la sua anima, pari a quella dell’avvoltoio. Cercare la sofferenza per azionare lo scatto.

Parte di un gruppo affiatatissimo di quattro amici colleghi sudafricani con una vita al limite, il Bang Bang Club, dove Bang Bang non è un cocktail o una droga da compagnia, ma il suono dei mitragliatori in Sud Africa. Il Bang Bang contribuirà in modo determinante a documentare l’apartheid.

Saranno loro, tra cui i fotografi Joao Silva e Greg Marinovich, a scrivere un libro un po’ autobiografico e un po’ liberatorio: The Bang Bang Club, da cui è stato tratto un film documentario nel 2010 come testimonianza del 1994, ultimo sanguinoso anno di apartheid in Sud Africa.

https://www.youtube.com/watch?v=eFQnoMDFDAY

Un libro che testimonia quanto il lavoro dei fotografi di guerra sia in grado di creare una potenza di emozioni esplosive nei media e nell’opinione pubblica quanto una bomba atomica. Quanto una foto, un dettaglio nitido estrapolato dalla confusione dell’azione, sia essa stessa la narrazione di una storia.

Tutte le foto di questo giovane sudafricano sono quasi prive di colore. Non c’è una forma artistica o una tecnica particolare, non ci sono filtri. L’immagine è pulita come l’occhio fotografico, spietato e lucido.

Se solo riesci a toccare la mente di una persona, hai fatto qualcosa. Se sai che sei in una posizione privilegiata, hai il dovere di dare il massimo nella vita pubblica e di mettere il cuore nella parte giusta per avere più seguaci possibili.

Articolo: Giovanna Dall’Ora

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Chiamata al secolo Giuseppina Pasqualino di Marineo, nata a Milano il 9 dicembre 1974 da una nobile e anticonformista famiglia, e uccisa a Gebze (Turchia) ad una cinquantina di km a sud est di Istambul il 31 marzo 2008 durante la performance artistica Brides on Tour. Fin dagli esordi Pippa percorre la strada dell’arte performativa: la trasformazione degli oggetti in altri oggetti, utilizzando semplicemente un paio di forbici. Anticonformista anche nel modo di vestire, si spostava solo in autostop, lavorava part time in un call center per finanziare i suoi progetti artistici e aveva già all’attivo diverse mostre.

«Si possono percorrere milioni di chilometri in una sola vita senza mai scalfire la superficie dei luoghi né imparare nulla dalle genti appena sfiorate. Il senso del viaggio sta nel fermarsi ad ascoltare chiunque abbia una storia da raccontare». E così è Bride on Tours, l’ultima performance dell’artista conclusasi tragicamente. Un lungo viaggio attraverso i Balcani appena usciti dalla guerra. Portare il vestito da sposa a vivere, a consumarsi nel viaggio. L’idea nasce da un matrimonio di un’amica, dal notare la caducità di un abito che diventa importantissimo per un giorno e poi dimenticato; Pippa lo trasforma in testimone di un messaggio di amore e pace. Amore che verrà sublimato con l’omaggio della lavanda dei piedi alle ostetriche incontrate attarversando i Balcani. Donne che danno la vita in posti dove la vita viene uccisa. Vita e morte come unicità. Una dicotomia sempre presente: quella della doppiezza della realtà, della sua essenza.

«Si possono percorrere milioni di chilometri in una sola vita senza mai scalfire la superficie dei luoghi ne’ imparare nulla dalle genti appena sfiorate. Il senso del viaggio sta nel fermarsi ad ascoltare chiunque abbia una storia da raccontare».

Disegnato dal designer Massimo Facchin, il vestito era pensato per essere il protagonista assoluto. Pippa lo deve portare solo in viaggio. Il velo è a due strati per asciugare i piedi alle ostetriche che si incontrerranno nel viaggio. Lavanda come simbolo di rispetto e omaggio. La gonna fatta di undici petali ad indicare il numero dei Paesi da attraversare. Le scarpe volutamente con il tacco: come simbolo di femminilità ma scomode, come a significare che essere donna e madre costituisce un cammino faticoso e solo con il cammino si può costruire la pace.

Nipote d’arte, dissacrante come lo zio Piero Manzoni, morto anche lui giovanissimo, Pippa Bacca trasforma in un radicalismo estremo la sua vita.

La madre Elena Manzoni ci dice che tutto quello che faceva veniva stravolto dalla sua fantasia, reinterpretato in una dimensione sempre più ampia. “Se anche solo toccavo un suo oggetto esclamava «Ecco, non è più lo stesso». Aveva da sempre l’intuizione che quello che appare non è, fino a che non vive in un’altra dimensione entrando nel decontestualizzato”.

Esprimiamo forse meglio l’arte di Pippa con un pensiero dello zio Piero Manzoni, morto anche lui giovanissimo e conosciuto ai più come l’autore della «Merda d’artista».

«Capita spesso di sentire di qualcuno che non comprende l’arte contemporanea, ma ama quella del passato; questo nasce da un equivoco fondamentale nei confronti dell’arte stessa e si può essere sicuri che le persone che così parlano non capiscono nulla né dell’arte del passato, né di quella contemporanea. Poiché, intendiamoci bene, comprendere un quadro o comunque un’opera d’arte non vuol dire capirne il soggetto, ma assumerne il significato».

Anteprima modifiche (si apre in una nuova scheda)

La vita trasformata in un radicalismo estremo e chi ha il privilegio di farne parte viene risucchiato nella performance che è la vita stessa. Osservando le opere raccolte in Green e Surgical Mutation, Pippa Bacca con giocosità affronta i temi filosofici di sempre: essere o non essere.

Le foglie che sono naturali, vive, sottoposte a una mutazione chirurgica o incorniciate, diventano artificiali, come trasformate. Perché questa sottile tragicità in un elemento tanto naturale e poetico quanto è una foglia?

Le opere di Pippa sono insieme dolci, serene, liriche a un primo sguardo, ma con le mutazioni chirurgiche quella presunta idillicità si trasforma in dramma. La trasformazione delle foglie come dicotomia tra sostanza e apparenza, tra positivo e negativo.

Pippa Bacca ha incarnato l’intellettuale che in una società bloccata in un fermo immagine narcisista, non può che essere ironico per scuotere, svegliare, sorprendere.

In tutti i suoi lavori si rileva una mutazione dissacrante, ironica. Un’ironia che è solo femminile e nella letteratura è propria di Simone De Beauvoir oppure di Virginia Woolf. Ironia come sopravvivenza, come trasformazione in un mondo dettato da leggi maschili. Ecco, dunque, una continua reinterpretazione concettuale, un lavoro proprio dell’intellettuale con giochi di parole taglienti che difendono come armi la purezza dell’intimo pensiero, del concetto, la cui espressione viene affidata al mondo liberato dagli schemi con le forbici che puliscono da interpretazioni convenzionali o scontate. Dimostrando così quanto le definizioni e i concetti stabili siano labili.

Pippa Bacca ha incarnato l’intellettuale che, in una società bloccata in un fermo immagine narcisista, non può che essere ironico per scuotere, svegliare, sorprendere. Un architetto di nuove vie di fuga, un’innovatrice, una progettista di scenari inediti.

Articolo: Giovanna Dall’Ora   Contributi fotografici: www.pippabacca.it

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Quello che vi ho appena descritto è uno dei 120 scatti, attualmente esposti a Milano alla Fondazione Forma per la Fotografia della fotografa Vivian Maier.

Vivian, chi? Sì, lo so, è la reazione che la maggior parte di noi comuni mortali non appassionati di fotografia ha nel sentire questo nome, forse perché la sua scoperta come artista è abbastanza recente. Vivian Maier nacque a New York nel febbraio del 1926 operando principalmente tra gli anni Quaranta e Settanta, offrendoci uno scorcio vivido dell’America di quei decenni. Ma quello che voglio raccontarvi è, principalmente, la passione sfrenata di una donna per la fotografia, per quel genere artistico che le permise con un “click” di entrare nei pensieri e nella vita di persone comuni; lei che a forza di essere spettatrice della vita degli altri lo fu anche della sua.

Vivian era solo una bambina di una decina di anni quando lei e la madre, separatasi dal marito, andarono a vivere da una cara amica, Jeanne Bertrand, fotografa professionista che instillò nella piccola Vivian la passione per la fotografia. A quell’età l’estro creativo è potentissimo ed ha potenzialità illimitate. Quello di Vivian mostrò da subito una particolare propensione verso un genere che, in seguito, venne definito come “ Street Photography” e di cui lei può essere definita una precorritrice.

La street photography è l’arte di imprimere nella fotografia il “qui e ora”, il saper cogliere la spontaneità di un momento. I soggetti sono catturati nella loro quotidianità, non sono in posa ma nel pieno delle loro funzioni giornaliere e il fotografo deve improvvisare per cogliere un momento di realtà mutevole.

Per quasi sessant’anni Vivian Maier fece questo: impresse la vita di centinaia di persone sulle sue pellicole; ma lo fece in incognito, in silenzio, il suo sguardo fu discreto come la sua vita.

«Ho fotografato i vostri momenti di eternità perché non andassero perduti». Vivian Maier ; 1926 – 2009

Aveva trent’anni quando, dopo un soggiorno in Francia, decise di tornare in America portando con sé il suo acquisto più grande: una Rolleifex professionale . Dopo un solitario girovagare si stabilì definitivamente a Chicago dove la giovane donna si mantenne facendo l’unica cosa che era in grado di fare: la bambinaia; e questo fece finché ne ebbe la forza. Vivian fu una tata, una donna solitaria, senza nessun legame al di fuori delle famiglie che la ospitavano; che però avevano grande stima ed affetto per lei. Una delle sue bambine la definì ”la mia Mary Poppins”.

Una tata dolce ed affabile ma allo stesso tempo alquanto singolare, estremamente gelosa della sua stanza al punto tale da richiedere di poterla chiudere con un lucchetto; che nel suo passare di famiglia in famiglia portava con sé decine di scatoloni. Cosa contenevano questi scatoloni? Le sue foto ovviamente, e moltissimi rullini mai sviluppati. Vivian era così, nelle giornate libere faceva lunghe passeggiate durante le quali scattava foto su foto. Immortalava volti, situazioni, sorrisi rubati, sguardi pensierosi, mani operose, e tutto ciò che potesse colpire la sua sensibilità d’artista. Una volta tornata a casa, conservava con cura tutti i suoi rullini che custodiva gelosamente, quasi contenessero quelle fragili emozioni da lei rubate per strada. Solo un numero esiguo di scatti ebbe la fortuna di essere stampato, cosa che tra l’altro in alcuni casi fece lei stessa usando il suo bagno privato come camera oscura.

«Per quasi 60 anni Vivian Maier fece questo: impresse la vita di centinaia di persone sulle sue pellicole; ma lo fece in incognito, in silenzio, il suo sguardo fu discreto come la sua vita».

Credo che Vivian fosse consapevole della fortuna che avesse nel poter osservare gli altri così da vicino, celandosi dietro un obiettivo che faceva da filtro tra lei ed il mondo. Per lei era importante cogliere l’attimo, non riprodurlo in una stampa, quasi come se ogni suo “click” fosse un ricordo impresso nella sua memoria.

Per anni nascose al mondo la sua arte, fino a quando il diavolo non ci mise lo zampino. Con l’avanzare dell’età Vivian non potè più fare la tata e una volta ritirata a vita privata si trovò ad affrontare non poche difficoltà economiche. Fu così costretta a depositare le sue amate scatole contenenti foto, rullini ed altri oggetti personali in un box preso in affitto e si trasferì in un piccolo ed economico appartamento. Fortunatamente i fratelli Gensburg, di cui era stata la tata amorevole in gioventù e con i quali aveva mantenuto negli anni costanti contatti, decisero di prendersi cura di lei sistemandola in un alloggio più grande e centrale. Vivian si spense in indigenza nel 2009, circondata esclusivamente dall’affetto dei Gesburg, senza mai scoprire che proprio in quegli anni stava diventando un artista di fama internazionale. Fortuna? Caso? Destino? Decidete voi, ma nel 2007 un ragazzo di nome John Maloof, impegnato nella ricerca di foto d’epoca per un libro su Chicago che stava scrivendo, acquistò a un’asta il contenuto di un box espropriato per legge ad una donna che aveva smesso di pagarne l’affitto. Il box era pieno di ogni tipo di cianfrusaglia: scontrini, biglietti del tram, gioielli di poco valore ed un numero spropositato di rullini. Da quel momento Maloof divenne il proprietario e l’unico curatore di uno sterminato archivio fotografico composto da oltre 100.000 scatti che girano il mondo con grande successo.

«Non posso non domandarmi cosa penserebbe nel vedere oggi le sue foto esposte in giro per il mondo, contemplate e studiate minuziosamente, e la sua vita in mano ai media. Probabilmente si sentirebbe violata. Forse Vivian, nella sua semplicità, aveva capito la vera essenza dell’arte».

Come da quel momento in poi Vivian divenne da semplice bambinaia con il pallino quasi maniacale per la fotografia ad artista acclamata, poco importa; basta guardare le sue foto per capire che è un successo meritato. La cosa che veramente colpisce è questa donna, avvolta da un alone di mistero. In molti, approcciandosi a lei, si sono domandati se non avesse addirittura una forma di malattia mentale. Un’artista che crea incessantemente, mai sazia del suo lavoro; che crea in solitudine e non affinché il suo operato sia condiviso con il mondo, cosa che invece dovrebbe essere la sua destinazione più naturale.

Non posso non domandarmi cosa penserebbe nel vedere oggi le sue foto esposte in giro per il mondo, contemplate e studiate minuziosamente, e la sua vita in mano ai media. Probabilmente si sentirebbe violata. Forse Vivian, nella sua semplicità, aveva capito la vera essenza dell’arte. Un’arte che è sacrosanto dovere condividere ma che va realizzata principalmente come appagamento personale, come sperimentazione e ricerca dentro e fuori di noi e che solo successivamente può essere esternalizzata per renderne partecipe il pubblico.

Ma questo non lo sapremo mai. «Ho fotografato i vostri momenti di eternità perché non andassero perduti», scrisse in una sua lettera; forse questo potrebbe bastare a spiegarci cosa spingesse Vivian a realizzare i suoi “click”.

Articolo: Eva D’amico  

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